Jeder Steven Spielberg-Film wurde vom schlechtesten zum besten bewertet

Ein umfassender Rückblick auf die bewegte Karriere des Filmemachers

Es gab – vielleicht in der Geschichte des Mediums – keinen einzigen Filmemacher, der den populären Zeitgeist so einfing wie Steven Spielberg. Zu sagen, dass etwas „Spielbergianisch“ ist, beschwört eine Reihe sehr spezifischer Kriterien herauf – es betrifft wahrscheinlich Kinder (oder wird zumindest durch die honigsüße Linse der jugendlichen Erfahrung betrachtet), ein unheimliches Szenario (Archäologe jagt nach okkulten Artefakten, Dinosaurier kehren ins Leben zurück) und eine starke Mischung aus Angst und Ehrfurcht, manchmal in derselben Sequenz oder im selben Moment. Diese Ideen und Konzepte werden meist durch technisch beispiellose Kamerabewegungen vermittelt, die dennoch irgendwie unscheinbar sind (zu „Spielberg One“ kommen wir später). Er ist der bekannteste Regisseur aller Zeiten und liefert, wie „The Fabelmans“ bewiesen hat, weiterhin erstklassige Unterhaltung, die gleichzeitig ein überragendes Kunstwerk ist.

Er hat auch viele, viele Filme gedreht. Im Laufe seiner mehr als 50-jährigen Karriere hat Steven Spielberg bei 34 Spielfilmen Regie geführt, weitere sind in Vorbereitung (wie hat er noch nie einen Western gedreht?) Und jeder neue Spielberg-Film ist ein Ereignis.

Wir präsentieren bescheiden diesen umfassenden Rückblick auf seine Filmografie – von der unbedeutendsten bis hin zu den Molekülen völlig erstaunlichen:

Steven Spielberg, der einen Abschnitt für einen „Twilight Zone“-Film inszeniert (den er auch produziert hat), scheint die perfekte Kombination aus Filmemacher und Eigentum zu sein. Schließlich basierte Spielbergs früher Film „Duel“ auf einer Geschichte von Richard Matheson, der mehr als ein Dutzend Episoden der Originalserie und mehrere weitere Folgen nachfolgender Wiederaufnahmen schrieb. Doch nachdem eine Tragödie am Set zum Tod von drei Menschen führte, wandte sich Spielberg von der Originalfolge ab, die er adaptieren wollte, und drehte stattdessen eine neue Version von „Kick the Can“, einer unvergesslichen Folge aus dem Jahr 1962 über alte Menschen, die es sind gewährte Jugend auf Zeit. Alles, was Kritiker von Spielberg behaupten – zuckersüß, auf Magie statt emotionaler Wahrheit setzend – ist in diesem Abschnitt enthalten. Sogar Jerry Goldsmiths süßer Soundtrack kann nicht viel dazu beitragen, diesen Unsinn zu verbessern, in dem Scatman Crothers als das schlimmste „Magical Negro“-Klischee dargestellt wird und der sich unendlich länger anfühlt als die anderen, fieseren Abschnitte (der beste davon ist George Millers Version davon). unsterblichen „Nightmare at 20.000 Feet“). Spielbergs Teil hätte der Höhepunkt des Films sein sollen, stattdessen ist er der Tiefpunkt.

Es ist schwer, Mitleid mit Disney zu haben, aber man muss sich zumindest darüber im Klaren sein, dass sie eine langwierige und kostspielige Vereinbarung über den Vertrieb von DreamWorks-Filmen getroffen haben, um endlich (endlich!) einen Disney-Film unter der Regie von Steven Spielberg herausbringen zu können . Und das ist der Film, für den er sich letztendlich entschieden hat. Laut und unwitzig ist diese geschäftige Adaption der Roald-Dahl-Geschichte (das letzte Drehbuch seiner „ET“-Drehbuchautorin Melissa Mathison) völlig sinnlos und sofort vergessen. Spielberg hatte seit Anfang der 1990er Jahre mit dem Projekt geliebäugelt und zunächst Robin Williams als potenziellen Hauptdarsteller vorgesehen; Letztendlich entschied er sich für Mark Rylance, den Durchbruch bei „Bridge of Spies“, der von den Genies von Wētā FX in einen gewaltigen, traumfangenden Riesen verwandelt wurde. Alles fühlt sich an wie eine seltsame Mischung widersprüchlicher Töne und Stile, von der Härte von Janusz Kaminskis typisch überdrehter Kinematographie, die zumindest teilweise eine warme und verschwommene Gute-Nacht-Geschichte sein sollte, bis hin zu den seltsamen Drehbuchdetails wie denen der Königin furzende, fliegende Corgis. Noch nie hat Spielberg das Ziel so weit verfehlt wie mit „The BFG“.

Sie hätten es gut genug in Ruhe lassen sollen. „Indiana Jones und der letzte Kreuzzug“ endete perfekt – unsere Helden ritten buchstäblich in den Sonnenuntergang. Doch George Lucas begann an einer Idee zu basteln, die Indiana Jones (Harrison Ford) mit einer Handlung aus einem Auto-Science-Fiction-Film in die 1950er-Jahre versetzen sollte. Lucas brachte Ford die Idee während der Dreharbeiten zu Fords Folge von „The Young Indiana Jones Chronicles“ vor. An der Idee war zunächst Roswell beteiligt, doch später entstand in Südamerika ein Kristallschädel. Und der letzte Film fühlt sich tatsächlich wie ein Film an, in dem Ideen miteinander (und gegeneinander) konkurrieren – Lucas‘ Wunsch, eine Science-Fiction-Hommage an die 1950er-Jahre eingebettet in das klassische Abenteuer der Serie zu haben, fühlt sich unpassend an, ebenso wie der Serienwechsel „Out Nazis“ (ein Grundbestandteil eines früheren, hervorragenden Drehbuchs von Frank Darabont) für „Russes“, angeführt von einer Hellseherin, Cate Blanchett, deren übernatürliche Kräfte ihren Charakter nicht wirklich hervorheben oder die Handlung in irgendeiner sinnvollen Weise voranbringen.

Von Shia LeBeouf, der Brando kanalisiert, über eine Szene mit Charakteren, die wie (und mit) Affen an Seilen schwingen, bis hin zu Kaminskis kaltem Blick, der die warmen Töne von Douglas Slocombes sanftem Glanz aus den früheren Filmen ersetzt, funktioniert nichts davon und erinnert nur an früher , bessere Filme. Es ist bezeichnend, dass Spielberg für den fünften und letzten Film nicht zurückkehren wird, auch wenn Lucas nichts mit dem Neuzugang zu tun hatte. Er hatte genug. Am Ende von „Indiana Jones und das Königreich des Kristallschädels“ beruhte das Gefühl auf Gegenseitigkeit.

Seltsamerweise scheint „Hook“ einer der wichtigsten Filme in Spielbergs Karriere zu sein, ist aber dennoch einer der schlechtesten. Seit den frühen 1980er Jahren versuchte Spielberg, eine Realverfilmung von „Peter Pan“ zu machen; zuerst bei Disney und dann bei Paramount (wo Dustin Hoffman erstmals als Captain Hook engagiert wurde). Als Spielberg ausstieg, sprang ein anderer Regisseur ein, während das Drehbuch von einer reinen Nacherzählung zu etwas konzeptionellerem überging (Was wäre, wenn Peter Pan erwachsen würde?), doch als der neue Regisseur mit Hoffman und Robin Williams aneinander geriet, kehrte Spielberg zurück. Vielleicht hätte er wegbleiben sollen. Aufgedunsen und unkonzentriert versucht Spielberg, den Geist seiner Jugend anzunehmen und gleichzeitig mit Mitte 40 Ehemann und Vater zu sein. Wie Robin Williams versucht er verzweifelt, nach Nimmerland zurückzukehren, stellt jedoch fest, dass er es einfach nicht mehr hat.

Als bekanntermaßen umstrittenes Set schoss das Budget in die Höhe und blieb kreativ im Wandel, bis es in den Kinos auf eine glanzlose kritische und kommerzielle Resonanz stieß. (Denken Sie daran, dass es eigentlich ein Musical werden sollte und John Williams acht Originalsongs mit dem Texter Leslie Bricusse geschrieben hat.) Es gibt heutzutage einige „Hook“-Apologeten unter uns; übertönen sie. Abgesehen von einem absolut umwerfenden Teaser-Trailer ist es ein Blindgänger.

Spielbergs erster Kinofilm ist eine Geschichte über Gesetzesbrecher auf der Flucht, die das Pech hatte, ein Jahr nach Terrence Malicks Meisterwerk „Badlands“ herauszukommen. Es ist nicht unbedingt so, dass „The Sugarland Express“ schlecht ist, es fehlt ihm nur etwas von der Magie, die in Spielbergs Fernsehfilm „Duel“ offensichtlich war und zu einem festen Bestandteil seines späteren Werks werden sollte. Goldie Hawn spielt einen verliebten Trottel, dessen Kind vom Staat entzogen wurde; William Atherton ist ihr toter Ehemann, den sie aus dem Gefängnis befreit, obwohl er kurz vor seiner Freilassung steht. Gemeinsam nehmen sie einen jungen Streifenpolizisten (Michael Sacks) als Geisel. Obwohl die Geschichte auf einem wahren Verbrechen basiert, kann man den Streifenpolizisten leicht als Ersatz für Spielberg interpretieren, da er ständig versucht, den Streit des jungen Paares zu mäßigen (der eindeutig auf Spielbergs Eltern basiert) – so wie Spielberg nur Sacks 26 Jahre alt.

Dennoch schlängelt sich das Drehbuch (gemeinsam geschrieben von Hal Barwood und Matthew Robbins, der in Spielbergs Umfeld bleiben würde) etwas zu sehr, was Spielberg und Kameramann Vilmos Zsigmond (aus „Deliverance“ und „The Long Goodbye“) reichlich beschert Zeit, Autos zum Absturz zu bringen, anstatt sich auf die Charaktere zu konzentrieren. Dieser Film reichte aus, um die Produzenten Richard D. Zanuck und David Brown davon zu überzeugen, dass Spielberg mit einer Buchadaption namens „Der Weiße Hai“ klarkommen würde.

„The Lost World: Jurassic Park“, basierend auf dem zweitbesten, mit Dinosauriern gefüllten Roman von Michael Crichton, hat eine ganz andere Atmosphäre. Nachdem der eigentliche Park verschwunden ist, spielt sich die Handlung auf Standort B ab, einer zweiten Insel, auf der (wie wir schnell erfahren) die Dinosaurier hergestellt wurden, bevor sie in den Park gebracht wurden (Komisch, was war das für eine ganze Szene mit Dr. Wu im ersten Film? ). Ian Malcolm (Jeff Goldblum) kehrt zurück, um sicherzustellen, dass seine Freundin (Julianne Moore) nicht gefressen wird; Vince Vaughn spielt einen Öko-Terroristen, der losgeschickt wird, um einige Konzern-Gangster zu stoppen, die die verbliebenen Dinosaurier aus Profitgründen an sich reißen wollen. Spielberg weiß immer noch, wie man ein grandioses Versatzstück inszeniert, wie den Angriff eines kleinen Mädchens in der Kälte oder das große Finale, bei dem ein T. Rex durch die Straßen von San Diego stapft. Aber er scheint nicht besonders engagiert zu sein und die Dinosaurier, die durch den Wald rennen, wecken über weite Strecken des Films nicht die Mischung aus Ehrfurcht und Schrecken, die das Original so besonders gemacht hat.

„Lost World“ ist wohl Spielbergs hässlichster und bösartigster Film seit „Indiana Jones und der Tempel des Todes“, allerdings ohne die bissige Klugheit dieses Films, wobei Kaminskis düstere Kameraführung einen starken Kontrast zu Dean Cundeys üppigeren Fotografien für den Originalfilm bildet. Hin und wieder auftretende Albernheiten (lassen Sie uns nicht auf den Kampf zwischen Turnerin und Raubvogel ein) verstärken nur das Gefühl der Distanz zwischen dem Publikum und dem Autor. Dieser hat seine Befürworter, aber es ist schwer, sich der Sache anzuschließen.

„The Terminal“ basiert zum Teil auf der wahren Geschichte eines Mannes aus Brüssel, der auf einem Pariser Flughafen lebte (er ist leider kürzlich verstorben). In „The Terminal“ spielt Tom Hanks einen Amerikabesucher aus einem fiktiven Land, das er gerade passiert durch Einwanderung hört auf zu existieren. Dies führt dazu, dass er am Flughafen festsitzt, Ketchup-Päckchen isst, mit einer angespannten Verwaltung (Stanley Tucci) in Konflikt gerät und sich in die kokette Flugbegleiterin von Catherine Zeta-Jones verliebt. Es bringt wirklich nicht viel, obwohl es eine wunderbare Nebenbesetzung gibt, zu der Diego Luna, Chi McBride und die babygesichtige Zoe Saldaña gehören. Das liegt zum Teil daran, dass der Film mit seinen 118 Minuten zu lange dauert, und zum Teil daran, dass das, was eigentlich eine intime kleine Komödie hätte werden sollen, den Bau eines ganzen Flughafenterminals erforderlich machte. Auch die Lösung, warum Hanks in Amerika ist, gerät völlig ins Wanken. Wenn Sie „The Terminal“ noch nie gesehen haben, lohnt es sich für Spielberg-Komplettisten, ist aber ansonsten unauffällig (obwohl es irgendwie Spaß gemacht hat, Hanks dabei zuzusehen, wie er nach Jahren, in denen er Hollywoods ernsthafter Hauptdarsteller war, wieder in das alberne „Money Pit“-Territorium eintauchte). . Dieser Film spielte weltweit 220 Millionen US-Dollar ein.

„War Horse“ wirkt auf dem Papier wie ein Volltreffer. Als Adaption des Romans des britischen Autors Michael Morpurgo aus dem Jahr 1982 und einer Bühnenadaption aus dem Jahr 2007, die sowohl im West End als auch am Broadway aufgeführt wurde, spielt Jeremy Irvine einen britischen Jungen, dessen geliebtes Pferd in den Ersten Weltkrieg eingezogen wird und zuvor eine Reihe erschütternder Abenteuer durchlebt Die beiden sind wieder vereint. Niemand schafft quasi-magische Freundschaften zwischen menschlichen und unmenschlichen Charakteren besser als Spielberg, aber ein Großteil von „War Horse“ ist eine Plackerei; Das Kriegssetting scheint eine härtere Bewertung erforderlich zu machen, aber der Filmemacher strebt weiterhin etwas Familienfreundlicheres an (beispielhaft wird dies durch einen brutalen Mord, der von einer sich drehenden Windmühle verdeckt wird). Es gibt auf jeden Fall einige virtuose Versatzstücke und es macht Spaß, all die großartigen britischen Charakterdarsteller für kurze Auftritte dabei zuzusehen (Tom Hiddelston, Benedict Cumberbatch, David Thewlis und Emily Watson sind alle zu sehen), aber das Drehbuch stammt von Richard Curtis und Lee Hall macht es schwierig, sich emotional zu engagieren.

„West Side Story“, das Ende 2021 stillschweigend in die Kinos kam, erhielt sieben Oscar-Nominierungen (darunter „Bester Film“) und sicherte sich einen einzigen Sieg (für Ariana DeBoses erstaunliche Nebendarbietung) und wurde dennoch als eine Art Enttäuschung angesehen. Und am Ende des Tages ist es leicht, sich in diese neue Version der Geschichte hineinzuversetzen, die von Tony Kushner geschrieben wurde, aber den Originalsong und die Partitur der Bühnenshow beibehält, insbesondere mit den aufwändig inszenierten Musiknummern. Die Fortschritte, die das neue Drehbuch in Bezug auf die Darstellung (Maria wird tatsächlich von Rachel Zegler gespielt, einer jungen Frau mit dunkler Hautfarbe, und es gibt eine Transgender-Figur) und die Stickerei (die Figur von Rita Moreno ist großartig) macht, sind bewundernswert. Aber die Besetzung ist teilweise unglücklich (Ansel Elgort war bereits vor den Vorwürfen wegen sexueller Übergriffe eine miserable Wahl) und der Film kann sich trotz all seiner Aufregung nicht einem schrecklichen Déjà-vu-Gefühl entziehen. Zumindest ist Spielberg in der Lage, ein vollmundiges Musical zu inszenieren, etwas, das man spüren kann, dass er es schon sehr, sehr lange wollte (suchen Sie nicht weiter als bis zur Eröffnungssequenz von „Indiana Jones und der Tempel des Todes“). Ob seine „West Side Story“ Standing Ovations wert ist oder nicht, hängt vom Zuschauer ab.

Genau wie 1993, als Spielberg sowohl „Jurassic Park“ als auch „Schindlers Liste“ veröffentlichte, verband Spielberg 1997 „The Lost World“ mit einem weitaus ernsteren Projekt – „Amistad“, die Geschichte eines Sklavenaufstands und der damit verbundenen rechtlichen Folgen gefolgt. Die Sequenz des Sklavenaufstands ist ein typischer Moment der Spielberg-Tour-de-Force – sie findet im Regen statt, mit zunehmendem Lichteinfall, der mit Ausbrüchen spektakulärer Gewalt zusammenfällt. Bedauerlicherweise dreht sich der größte Teil des Films um den Rechtsstreit, der auf den Aufstand folgte, was nicht nur schwer zu verfolgen ist, sondern den Film leider auch in die Kategorie einer „weißen Retter“-Geschichte einordnet, in der Matthew McConaughey zum De-facto-Helden wird, ein mutiger Anwalt der für die angeklagten Sklaven arbeitet. Als Gerichtsdrama fehlt es an Schwung. Aber eine starke Besetzung (Anthony Hopkins wurde für seine Rolle als John Quincy Adams für einen Oscar nominiert) und gute technische Qualitäten (Ruth Carters Kostüme sind natürlich allesamt umwerfend) machen es sehenswert, wenn Sie es noch nie gesehen haben oder versuchen, es fertigzustellen Spielbergsches Rätsel.

„Ready Player One“ war für Spielberg immer eine bizarre Wahl, da das Ausgangsmaterial, eine grenzwertige Fanfiction des Austin-Nerds Ernie Cline, so offensichtlich an Spielbergs Filmografie angelehnt war und Spielberg als Künstler kaum jemals selbstreferenziell ist. (Er scheint aus dem umstrittenen Anfang von „1941“ gelernt zu haben.) Und tatsächlich, als er sich dem Projekt anschloss – einer mehrjährigen Angelegenheit, bei der Industrial Light & Magic im Wesentlichen einen animierten Spielfilm innerhalb eines Realfilms schaffen sollte – Er schwor, sich von seinem eigenen Katalog fernzuhalten. Natürlich gab es immer noch Augenzwinkern und Nicken (der DeLorean aus dem von Spielberg produzierten „Zurück in die Zukunft“ ist ein Schlüsselfahrzeug und „Gremlins“ huschen über das Schlachtfeld), aber Spielberg drängte sich größtenteils dazu, andere Popkultur zu übernehmen Ephemera. Wenn das klappt, wie bei einer längeren Verfolgungsjagd in Stanley Kubricks „Overlook Hotel“ oder einer Verfolgungsjagd am Anfang, die vielleicht das Lauteste war, was ich je in einem Theater gehört habe, ist es absolut spannend und versetzt das Publikum in eine andere Zeit und an einen anderen Ort Dies beweist, dass Spielbergs authentischer Blockbuster und seine Erzählinstinkte so ausgeprägt sind wie eh und je. Wenn „Ready Player One“ ins Stolpern gerät, wie es gelegentlich in den „Real World“-Segmenten der Fall ist, ist das eine deprimierende Erinnerung daran, dass Spielberg vielleicht bei den Prestigebildern der letzten Zeit bleiben möchte.

Sie werden überrascht sein, dass Christian Bale schon als kleines Kind ein sehr guter Schauspieler war. In „Empire of the Sun“ spielt Bale einen kleinen Jungen, der während des Zweiten Weltkriegs im britisch besetzten Shanghai von seinen Eltern getrennt und gezwungen wird, in einem japanischen Internierungslager zu überleben. Die vielleicht berühmteste Szene ist die obige, in der der junge Jamie und seine Eltern tatsächlich von den einfallenden japanischen Streitkräften getrennt werden. Es ist eine Sequenz, die nur Spielberg hätte filmen können, mit Hunderten von Extras und absoluter visueller und emotionaler Klarheit – man weiß genau, was vor sich geht, wie er aus den Fugen gerät und wie viel Energie nötig ist, um sie wieder zusammenzuführen. Und das ist eine Szene. Der Film ist ruhig kraftvoll (selbst wenn er die Atombombenexplosion in Nagasaki dramatisiert) und mit Sicherheit eine von Spielbergs am meisten unterschätzten Arbeiten. Manchmal fühlt es sich so an, als ob der Regisseur versucht, sich von seinen fröhlicheren Werken aus derselben Zeit zu trennen (Allen Daviau drehte den Film). Film in einem höheren Seitenverhältnis und verzichtet dabei auf die romantischeren, leicht verzerrten anamorphotischen Linsen, die er oft bevorzugt). Aber das Drehbuch ist so überzeugend (Tom Stoppard hat den autobiografischen Roman von JG Ballard adaptiert) und die Emotionen sind so verblüffend real, dass es schwer ist, alles andere als in den Film zu vertiefen.

Spielberg tritt mit „Bridge of Spies“ in den Kalten Krieg ein, der wahren Geschichte eines Gefangenenaustauschs zwischen Russland und den Vereinigten Staaten, der Ende der 1950er Jahre stattfand, als die Spannungen zwischen den beiden Ländern ihren Höhepunkt erreichten. Tom Hanks, ein liebenswerter Spielberg-Favorit (wie immer), spielt den Anwalt, der Rudolf Abel (Mark Rylance) vertrat, einen verurteilten russischen Spion, der nun gezwungen ist, bei der Organisation des Tauschs mitzuhelfen. Spielbergs Virtuosität kommt voll zur Geltung (der Anfang des Films ist eine lange, wortlose Verfolgungsjagd durch ein makellos nachgebildetes New York City) und es macht Spaß, ihm dabei zuzusehen, wie er sich auf dieselben Spionagetheatralien aus der realen Welt einlässt, die „München“ so gemacht haben mächtig.

Das Drehbuch, das ursprünglich von Matt Chapman geschrieben und von den Coen-Brüdern verfeinert wurde, verleiht den Charakteren lobenswerte Tiefe und behält gleichzeitig den Thriller-Charakter der Geschichte bei, und „Bridge of Spies“ ist vielleicht am bemerkenswertesten, weil es das erste Team war zwischen Rylance und Spielberg (sie würden sich für „The BFG“ und „Ready Player One“ wieder zusammentun) und dafür, dass es der erste Film seit „The Color Purple“ von 1985 war, der von jemand anderem als John Williams vertont wurde (Thomas Newman macht das großartig, normalerweise unauffällige Arbeit). Nicht der auffälligste Spielberg-Film, obwohl er dennoch für den besten Film nominiert wurde (und Rylance gewann) und ein Werk von unbestreitbarer Kraft ist.

Das Witzige an „Indiana Jones und der letzte Kreuzzug“ ist, dass der Weg zum Film einen typischen Umweg verlief – völlig unabhängige Entwürfe wurden von Chris Columbus und Menno Meyjes fertig gestellt, aber die Geschichte, die sie am Ende hatten (wird Jeffrey Boam zugeschrieben). (aber zu einem großen Teil auf eine nicht im Abspann aufgeführte Neufassung von Tom Stoppard zurückzuführen) läuft kaum auf mehr als „Halt die Klappe und spiel die Hits“ hinaus. Und weisst du was? Das ist okay. Es war Spielbergs Idee, die Geschichte auf eine Vater-Sohn-Geschichte zu konzentrieren, in der Indiana Jones (ein zurückkehrender Harrison Ford) mit dem Verschwinden seines Vaters (Sean Connery, in einem genialen Casting-Streich) auf der Suche nach demselben mysteriösen Artefakt zu kämpfen hat.

Die meisten Handlungsstränge sind nebensächlich und werden aus „Jäger des verlorenen Schatzes“ übernommen (intrigante Nazis, Hinterlist, Verfolgungsjagden durch die Wüste), wobei vor allem in der Handlung das emotionale Zentrum einer angespannten Beziehung zwischen Vater und Sohn im Mittelpunkt steht Der dritte Akt des Films, der einige spektakuläre Elemente enthält, aber einen viel ruhigeren, zurückhaltenderen Höhepunkt bietet, als das Publikum wahrscheinlich erwartet hatte. (Außerdem ist die Prologsequenz mit River Phoenix als jungem Indy ein absolutes Muss.) Sogar eine Wiederholung kann unterhaltsam sein, und „Indiana Jones und der letzte Kreuzzug“ ist das auf jeden Fall, mit dem intelligenten Drehbuch und der tollen Kinematographie von Douglas Slocombe (es war sein letzter Film) und engagierte Performances, die alle Unregelmäßigkeiten in der Handlung oder das Gefühl, dort gewesen/das getan zu haben, überdecken.

„Always“ ist ein interessanter Film und sicherlich einer der am wenigsten beachteten Filme in Spielbergs Karriere. Angeblich ein Remake von „Ein Mann namens Joe“ aus dem Jahr 1943, verlagerte Spielberg die Handlung weg vom Zweiten Weltkrieg und konzentrierte sich stattdessen auf die Feuerwehrleute von Colorado. Richard Dreyfuss spielt einen erfolgreichen Piloten, der im Dienst stirbt und gezwungen ist, einen jüngeren Piloten auszubilden und gleichzeitig zuzusehen, wie sich dieser Pilot in seine Frau verliebt (gespielt von Holly Hunter). Die Luftsequenzen sind spannend (an ihnen hat Industrial Light and Magic gearbeitet), aber die fesselndsten Sequenzen sind diejenigen, in denen Dreyfuss‘ Figur von einem jenseitigen Wesen namens „Hap“ (gespielt von Audrey Hepburn) besucht wird. Sanft surreal und zutiefst berührend sind es diese Zwischenspiele, die „Always“ seine Kraft verleihen.

Der Film, der Ende der 1980er Jahre in die Kinos kam, in dem Jahrzehnt, in dem Spielberg vom Filmemacher zum Mogul avancierte, hat etwas Übergangshaftes an sich – er hat viel im Kopf, ist aber immer noch voll von dem unglaublichen Wunder, das ihn gemacht hat ein bekannter Name. (In vielerlei Hinsicht fühlt sich „Always“ wie eine überlange Folge seiner TV-Serie „Amazing Stories“ an.) Nachdem er den dritten „Indiana Jones“ und „Always“ hintereinander gedreht hatte, nahm er sich eine Auszeit und kehrte mit „ Hook“, ein Film über ihn, wie er sich mit seinem Platz in der Welt auseinandersetzt. „Always“ ist ein viel besserer und aggressiverer Film. Und noch einer ist reif für eine Wiederentdeckung und Neubewertung.

Basierend auf Alice Walkers Pulitzer-prämiertem Roman von 1982 und beworben als „eine amerikanische Geschichte für die ganze Welt“, war „Die Farbe Lila“ Spielbergs erster Versuch, einen „ernsthaften“ Film zu machen. Und während er sich um Authentizität bemühte, mehrere unbekannte Schauspieler (darunter Whoopi Goldberg) besetzte und Walker damit beauftragte, das Drehbuch zu überwachen (das letztendlich von Menno Meyjes geschrieben wurde) und Notizen zu den Akzenten der Schauspieler zu machen, warfen einige dem Regisseur vor, den Stoff abzumildern und die Sentimentalität zu betonen über Realismus. (Spielberg gab später zu, dass er es bereute, die lesbische Beziehung zwischen zwei Charakteren heruntergespielt zu haben.)

Die Geschichte einer jungen Frau namens Celie (Goldberg) im Amerika des frühen 20. Jahrhunderts war deutlich erwachsener als die kommerzielleren Filme, die er bis zu diesem Zeitpunkt gedreht hatte, wobei sich „The Color Purple“ mit schweren Themen wie Inzest und Vergewaltigung befasste und Armut. Und es gelang ihm größtenteils; Obwohl es einige Proteste gegen den Film gab, wurde er für elf Oscars nominiert und Spielberg gewann für seine Bemühungen einen Preis der Directors Guild of America. Diese späteren, ernsteren Spielfilme wären zwar nicht so hoch angesehen wie etwa „Schindlers Liste“, aber ohne „Die Farbe Lila“ nicht möglich gewesen. Sicherlich ein Sprungbrettfilm, aber dennoch einer, der unglaublich bewegend ist.

„Die Post“-Regeln. Schnell produziert und veröffentlicht, während Spielberg an der mühsamen Postproduktion von „Ready Player One“ arbeitete und direkt nachdem „The Kidnapping of Edgardo Mortara“ auseinanderfiel, kann man diese chaotische Unmittelbarkeit in jedem Bild spüren. Nur wenige neuere Spielberg-Filme haben sich so wunderbar lebendig angefühlt. Angeblich handelt es sich um die Geschichte der Bemühungen der Washington Post, das Pentagon Paper zu veröffentlichen, aber es geht (ganz klar) auch um Amerika im Jahr 2017, einer Zeit, in der der Journalismus angegriffen wurde und die Regierung gerne diejenigen unterdrückte, die nach der Wahrheit suchten. Tom Hanks und Meryl Streep führen eine All-Star-Besetzung an, zu der auch Sarah Paulson, Bob Odenkirk, Tracy Letts und David Cross gehören, und füllen die geschäftige Zeitungswelt. In vielerlei Hinsicht fühlt sich „The Post“ wie ein Gegenstück zu dem anderen paranoiden Journalistendrama der Washington Post „All the President's Men“ an. Dieser ist weniger spannend, aber den gleichen Idealen zutiefst verpflichtet. Obwohl „The Post“ zu Recht für den Oscar für den besten Film nominiert wurde, sollte es wirklich mehr Diskussionen geben.

Spielbergs erster (und bislang einziger) Zeichentrickfilm ist eine ambitionierte Adaption von „Die Abenteuer von Tim und Struppi“ des belgischen Cartoonisten Hergé. Doch statt eines traditionelleren Animationsfilms entschied sich Spielberg für die Motion-Capture-Methode und „filmte“ den Film mit Schauspielern und Sets, bevor die Animation von den Genies von Peter Jacksons Wētā FX umgesetzt wurde. Und es ist wirklich ein umwerfend aussehender Film, viel ausdrucksvoller und lustiger als alles, was Spielbergs alter Kumpel Robert Zemeckis während seiner Zeit in den Motion-Capture-Schützengräben gemacht hat.

„The Adventures of Tim und Struppi“ hat einen wunderbaren Look, der fast fotorealistisch ist und übertrieben genug ist, um an Hergés ikonische Originalkunstwerke zu erinnern. Nicht alles von „Tim und Struppi“ funktioniert; Das Drehbuch von Steven Moffat, Edgar Wright und Joe Cornish, in dem es darum geht, den alten Schatz zu finden, ist manchmal zu katastrophal (und clever), als es ihm nützt, und der Kranichkampf im dritten Akt ist ein ohrenbetäubender Overkill. Aber wenn „The Adventures of Tim und Struppi“ so richtig brodelt, reicht es aus, um Sie (wärme) an Spielbergs Blockbuster-Blütezeit zu erinnern. Insbesondere gibt es in Marokko eine Sequenz, die in einer Verfolgungsjagd gipfelt, die sich über eine einzige, ununterbrochene Einstellung erstreckt – es ist der klassische „Spielberg-Film“, losgelöst von den Beschränkungen der Physik oder der Realität. Es ist absolut berauschend. Als ursprünglich geplant war, sollte Jackson bei einem Fortsetzungsfilm Regie führen, wobei Spielberg für den dritten Film zurückkehren sollte. Obwohl die Filmemacher gelegentlich nachfolgende Filme erwähnen, erscheint dies an dieser Stelle unwahrscheinlich. Allerdings bedeutet die Magie der Animation zumindest, dass man sich keine Sorgen machen muss, dass einer der Schauspieler (darunter Jamie Bell, Daniel Craig und Andy Serkis) tatsächlich altert.

Spielberg war eines seiner persönlichen Leidenschaftsprojekte und besaß seit 2001 die Rechte an dem Buch von Doris Kearns Goodwin. Zuvor hatten die Dramatiker John Logan und später Paul Webb mehrere Versuche unternommen, das Material zu adaptieren. Spielberg hat Liam Neeson locker für die Titelrolle vorgesehen. Schließlich übernahm Tony Kushner den Auftrag und reichte zunächst ein 500-seitiges Drehbuch ein, das sich auf vier Monate im Leben des Präsidenten konzentrierte, und reduzierte es schließlich, um sich auf Lincolns Bemühungen um die Verabschiedung des Dreizehnten Verfassungszusatzes zu konzentrieren. Kushners Drehbuch ist fragwürdig und erweckt die Geschichte auf einer fast molekularen Ebene zum Leben. Aber das Design des Films ist seltsam, und obwohl er zeigen soll, wie sehr Lincoln mit seinen Backchannel-Handlungen und geschickten Manövern menschlich war, hinterlässt die Struktur oft eine emotionale Distanz zwischen dem Publikum und dem Thema. (Kaminskis wirklich aus den Fugen geratene Kinematographie ist ein hauchdünner Albtraum, mit regennassen Schlachtfeldern, die nachts funkeln, und jedem Fenster, das gesprengt ist, als ob ein Raumschiff zu Besuch wäre.)

Daniel-Day Lewis ist in der Oscar-prämierten Rolle des Lincoln offensichtlich unglaublich, auch wenn sein Prozess, diese Rolle zu übernehmen, zutiefst bizarr war (er schickte Sally Field Textnachrichten als Lincoln). Dennoch macht es Spaß, die Charakterdarsteller zu sehen, die in winzigen Rollen mit zeitgemäßen Schnurrbärten und seltsamen Hüten auftauchen (Tommy Lee Jones! James Spader! Adam Driver!), auch wenn man nicht ganz in den Film vertieft ist. „Lincoln“ wurde für Platz 12 nominiert Oscar-Verleihung und wurde von Kritikern begeistert rezensiert. Es ist eine Schande, dass dies die einzige Zusammenarbeit zwischen Day, Lewis und Spielberg war. Können Sie sich vorstellen, was sie sonst noch gemeinsam hätten erreichen können?

Lassen Sie uns das zunächst gleich vorwegnehmen: „Indiana Jones und der Tempel des Todes“ enthält nicht die kultursensibelsten Darstellungen einheimischer Kulturen. Tatsächlich ist es oft offen beleidigend und wirbt um die Art von müden Tropen, die überraschenderweise in den 1980er Jahren noch hartnäckig waren. Allerdings ist der erste Nachfolger von „Jäger des verlorenen Schatzes“ (und der erste, der den Namen der Figur im Titel trägt) ein absoluter Triumph, ein düster gefärbtes Juwel, das wahrscheinlich offener gefeiert würde, wenn es nicht so wäre. t für all das eklige andere Zeug. In diesem Beitrag tritt der archäologische Abenteurer (gespielt von Harrison Ford, der äußerlich bedrohlicher wirkt) gegen eine Bande von Kindesentführungen und herzzerreißenden Kultisten im ländlichen Indien an. Der Film beginnt mit einer Musiknummer, die mit allem in „West Side Story“ mithalten kann, und ist voller einfallsreicher Versatzstücke (viele sind aus früheren Entwürfen von „Jäger des verlorenen Schatzes“ entlehnt) und einer gruseligen Sensibilität, die durch die Tatsache geprägt ist, dass sowohl Spielberg als auch George Lucas erlebte zu dieser Zeit umstrittene Scheidungen (Spielberg heiratete später die Hauptdarstellerin des Films, Kate Capshaw).

Tatsächlich war der gemeine „Temple of Doom“ (eigentlich ein Prequel!) so gewalttätig und verstörend, dass die MPAA einige Monate nach seiner Veröffentlichung eine neue Einstufung (PG-13) einführte. Wenn Sie sich auf seiner besonderen, blutgetränkten Wellenlänge befinden, ist der Film ein Genuss (Roger Ebert nannte ihn einen „fröhlich spannenden, bizarren, albernen, romantischen Abenteuerfilm“).

Was für ein film. „1941“ ist das, was Spielberg einem Kultfavoriten am nächsten kommt – eine laute, ausgelassene Komödie, die nur Spielberg hätte inszenieren können und die zwar finanziell erfolgreich war, aber ausgerechnet dank einer längeren Ausstrahlung des Films eine Aufwertung fand auf einem aufstrebenden Disney Channel. (Ja, im Ernst.) „1942“ dreht sich um den sehr realen großen Luftangriff auf Los Angeles im Jahr 1942 (ein Ereignis, von dem viele damals glaubten, dass es sich tatsächlich um eine UFO-Invasion handelte), der sich nur sechs Tage nach Pearl Harbor ereignete einzigartiger Ansatz. Die Besetzung ist voll von Weltklasse-Schauspielern, sowohl komödiantischen als auch anderen (in welchem ​​anderen Film sind Dan Aykroyd, Kurosawa-Stammgast Toshiro Mifune, Christopher Lee, Warren Oates und John Belushi zu sehen?), die die beste Schauspielerei leisten, die sie je gemacht haben, mit a Die schusselige Herangehensweise des Mad Magazine an den Humor (er beginnt mit einer Nachbildung des Anfangs von „Der Weiße Hai“, nur dieses Mal mit einem deutschen U-Boot anstelle eines Hais), grenzt an Opern- und Riesen-Actionsequenzen aus der Luft, die wie immer von ihm betreut werden Industrielles Licht und Magie. Es ist viel Film.

Wenn man es sich heute noch einmal ansieht, wird einem klar (oder auch nicht), wie klanglich es nicht nur mit Filmen von heute, sondern auch mit Filmen aus der damaligen Zeit nicht synchron war. Das Drehbuch wurde von den „Zurück in die Zukunft“-Masterminds Bob Gale und Robert Zemeckis (ausgerechnet mit Hilfe von John Milius) geschrieben und ist spritzig und unterhaltsam. Aber es ist nicht jedermanns Geschmack. Der Director's Cut ist die bevorzugte Version, enthält aber weitere 30 Minuten ununterbrochenen Wahnsinns. Es ist nur für echte Köpfe.

Spielbergs neuester Film ist der Film, auf den er 40 Jahre lang gewartet hat, eine zutiefst persönliche, autobiografische Reise, die nach außen hin davon handelt, wie seine Liebe zum Film kultiviert und verfeinert wurde, in Wirklichkeit aber von einer noch gefährlicheren Suche, zu verstehen, wer er ist (als Künstler, als Person) und woher er kam. „The Fabelmans“ steckt offensichtlich voller Weltklasse-Filme, und Spielberg hatte Recht, Tony Kushner als seinen Co-Drehbuchautor zu engagieren, um der Geschichte dramatische Form zu geben und ihre Konturen zu prägen. Die erste halbe Stunde oder so ist etwas wackelig, aber der Film kommt richtig in Schwung, als die Teenagerversion von Spielberg (gespielt von dem großartigen Gabriel LaBelle) im Mittelpunkt steht. Mit dieser Version der Figur findet der Film seinen Mittelpunkt – sehen Sie, wie er die Untreue seiner Mutter entdeckt, sich in der High School verliebt, zum „Filmkind“ seiner Klasse wird und schließlich eine schicksalhafte Interaktion mit John Ford (gespielt von David) hat Lynchen).

Was auch Spaß macht, ist, dass Spielberg seine eigene Geschichte nacherzählt und sie mit Referenzen und Prüfsteinen zu seinen anderen Werken übersät hat (nicht, dass es nur dann gelingt, wenn man ein enzyklopädisches Wissen über seine Filmografie hat, aber es hilft). Wenn man bedenkt, dass Spielberg sich bereits einem viel offener kommerziellen Projekt zugewandt hat (einer Art Remake des Steve-McQueen-Thrillers „Bullitt“), könnte er durch die kommerzielle Gleichgültigkeit, die „The Fabelmans“ begegnete, verletzt sein. Oder vielleicht möchte er nach der Austreibung dieser Dämonen einfach nur ein bisschen Spaß haben.

Die zweite von Spielbergs beiden Kooperationen mit dem größten Filmstar der Welt, Tom Cruise, ist der kleinere Film, aber nur geringfügig. „Krieg der Welten“ greift die ursprüngliche Geschichte von HG Wells auf und rekontextualisiert sie für ein Publikum nach dem 11. September (etwas, das er in seinem anderen Klassiker „München“ aus dem Jahr 2005 verarbeiten würde); Anstatt aus dem Weltraum zu kommen, tauchen die Marsmenschen aus der Erde auf und verdampfen Zivilisten in demselben gräulichen Dreck, den wir nach dem Einsturz der Türme überall sahen. Cruise spielt in einer fein abgestimmten und merkwürdig unterschätzten Darstellung einen bösen Vater in einem Vorort von Neuengland, der neben dem Stress, das Sorgerecht für seine Kinder zu haben, auch mit dem Ende der Welt klarkommen muss (geht das jemals zu Ende?), sagte Spielberg in diesem Teil Seine Inspiration für „Krieg der Welten“ war, dass er genug knuddelige Alien-Geschichten geschrieben hatte; Er war bereit, eine gruselige Alien-Geschichte zu schreiben. Und das tat er.

Dieser Film ist absolut furchteinflößend, da Spielberg sowohl die außerirdischen Besucher (besonders in einer gruseligen Szene, in der wir sie aus ihren Stativen heraus in einem zerstörten Haus herumpirschen sehen) als auch die Art und Weise, wie die Menschheit nach ihrer Ankunft zusammenbricht, für schrecklich hält. (Obwohl dieser Film von einem R-Rating hätte profitieren können.) Voller unvergesslicher Versatzstücke (der Angriff der Stative auf eine Fähre gehört zu den besten), gelegentlichen Rückblicken auf Paramounts Film von George Pal aus dem Jahr 1953 (er konnte einfach nicht anders). Es!) und einigen der gruseligsten visuellen Effekte von ILM ist „War of the Worlds“ ein weiterer wundersamer Spielberg-Blockbuster und der Beweis dafür, dass es, wie Carly Simon einst sang, niemand besser kann.

In gewisser Weise fühlte sich „Minority Report“ so an, als würde Spielberg einen Ruf zu den Waffen annehmen. Konnte er immer noch die großen, klugen Extravaganzen machen, die er in seiner Jugend gemacht hat? Und könnte er es tun, während er einen der größten Filmstars der Welt bedient? Die Antwort auf alle Fragen war mit „Minority Report“ ein eindeutiges Ja. Die Eröffnungssequenz, in der Cruises Polizistenfigur versucht, die Ereignisse eines Mordes zu rekonstruieren, der noch nicht stattgefunden hat, um das Verbrechen zu stoppen, bevor es begonnen hat, ist visuell anspruchsvoll und technisch versiert. Außerdem fühlt es sich frech und neu an, wie man es in einem Film von David Fincher sieht. Die Handlung des Films basiert auf einer Geschichte von Phillip K. Dick und das Drehbuch stammt von Jon Cohen und Scott Frank. Sie ist ziemlich kompliziert und handelt von einer Zukunft, in der Mord geächtet ist, weil einige verrückte Mutanten ihn zuerst sehen können. Cruise muss einen der Mutanten entführen, um seinen Namen reinzuwaschen und herauszufinden, wer ihn beschuldigt, also begibt er sich auf eine Hitchcock’sche Irre-Odyssee durch eine glänzende, futuristische Stadtlandschaft. (Colin Farrell ist der Idiot des Justizministeriums, der dem Programm skeptisch gegenübersteht und dann damit beauftragt wird, Cruise einzubeziehen.)

„Minority Report“ ist düster-komischer und schlichtweg gruseliger als einige von Spielbergs anderen Mainstream-Stücken (siehe: der ganze Abschnitt mit Peter Stormare) und ein ausgelassener, zum Nachdenken anregender Thriller, der noch prickelnder ausgefallen wäre, wenn Spielberg dabei geblieben wäre Ursprüngliches Ende: eine Textkarte, auf der stand, dass es im folgenden Jahr in Washington DC eine große Anzahl von Morden gab. War Cruises Suche die Mühe wert? In den letzten Jahren ist eine noch provokativere Lesart aufgetaucht, dass der größte Teil des dritten Akts (nachdem Cruise gefangen genommen und in Tim Blake Nelsons gruselige Techno-Katakombe gebracht wurde) eigentlich nur Cruises Träume sind, nachdem er für den Rest seines Lebens eingesperrt war. In gewisser Weise würde diese Art von Science-Fiction-Filmen mit großen Ideen den Weg für die Entstehung von jemandem wie Christopher Nolan bereiten.

„Duel“ begann als „ABC-Film der Woche“ und baute auf dem Erfolg auf, den Spielberg als Regisseur von Episoden von „Columbo“ und „Night Gallery“ hatte. Aber der Film war so gut, dass eine erweiterte Fassung, die 16 Minuten länger als die TV-Fassung lief, auf internationalen Märkten in die Kinos kam. Deshalb steht es auf dieser Liste! (Außerdem ist die Kinofassung im Grunde die einzige, die man noch sehen kann.) Die Prämisse von „Duel“ ist einfach und schonungslos effizient und basiert auf einer Kurzgeschichte und dem anschließenden Drehbuch des legendären Richard Matheson. Im Grunde handelt es sich bei Dennis Weaver um einen Verkäufer, der auf einer Geschäftsreise unterwegs ist und dabei von einem bedrohlichen, rauchenden großen Lastwagen verfolgt wird. Der Fahrer des Lastwagens ist nie zu sehen, was sowohl im Auto als auch draußen zu Spannungen führt (es gibt einen großartigen Moment, in dem Weaver zum Essen angehalten wird und versucht herauszufinden, welcher der Männer im Restaurant der Fahrer des Lastwagens ist). ). Spielbergs Talent ist unerbittlich und furchteinflößend und wird von Anfang an deutlich, mit einer aufwändigen POV-Sequenz, die seinen Weg von der Auffahrt bis zur Autobahn zeigt. Und von da an wird es einfach besser. Es war Spielbergs Arbeit an „Duel“, die ihm den Auftrag einbrachte, „Der Weiße Hai“ zu drehen – er hatte das Gefühl, dass sowohl der Truck als auch der Hai Motoren unsichtbarer Böswilligkeit waren. Und er hatte recht.

Der wohl wichtigste Film der letzten 20 Jahre von Spielbergs Karriere, vor allem weil er die fruchtbare Beziehung des Regisseurs zum mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichneten Autor Tony Kushner begründete. Aber „München“ ist auch deshalb unglaublich wichtig, weil es zeigte, dass Spielberg in der Lage ist, einen wirklich erwachsenen Film zu machen – er ist voll von blutiger Gewalt, expliziter Nacktheit und heiklen thematischen Themen (die bis zur allerletzten Einstellung anhalten, die über den Zwillingstürmen der Stadt verweilt). World Trade Center). Es ist einer seiner rauesten und kompromisslosesten Filme. Was „München“ noch beeindruckender macht, ist die Tatsache, dass es viel einfacher hätte sein können, aber Spielberg entschied sich dafür, daraus einen insgesamt chaotischeren und provokativeren Film zu machen.

Basierend auf George Jonas‘ Buch „Vengeance“ aus dem Jahr 1984 über die Operation Wrath of God, eine israelische Geheimoperation, die darauf abzielte, gegen die Terroristen zurückzuschlagen, die für das Massaker der palästinensischen Organisation Black September bei den Olympischen Spielen 1974 in München verantwortlich waren. (Zu den unglaublich inszenierten Szenen des Films gehören die Szenen, in denen Spielberg die Geiselnahme nachstellt und die Handlung manchmal mit tatsächlichem Nachrichtenmaterial des Ereignisses unterbricht.) Aus der tatsächlichen Operation hätte ein geradlinigerer Film gemacht werden können, und Spielberg hat Spaß daran die Männer-auf-Mission-Mechanik der Erzählung (darunter Männer: Eric Bana, Daniel Craig, Ciarán Hinds und Mathieu Kassovitz), aber Spielberg und Kushner werfen ständig Komplikationen ein – praktisch (z. B. wenn eine Bombe nicht richtig funktioniert). detonieren), spirituell und philosophisch – bis zu dem Punkt, dass das, was als gerechte Mission begann, immer unklarer wird. Ein Beispiel dafür ist eine spaltende Sexszene, in der Bana mit seiner Frau Liebe macht, aber immer noch von der Tragödie des Massakers bei den Olympischen Spielen und all dem Bösen, das darauf folgte, heimgesucht wird. Eines der wenigen Male in seiner Karriere versuchte Spielberg nicht, das Publikum mit Staunen und Spektakel zu verführen; Diesmal versuchte er, das Publikum aufzurütteln.

„Saving Private Ryan“ wurde von manchen als der größte Film über den Zweiten Weltkrieg aller Zeiten gelobt, eine Behauptung, die sogar im Vergleich zu einem anderen Film über den Zweiten Weltkrieg aus dem Jahr 1998, Terrence Malicks lyrischem und eindringlichem „The Thin Red Line“, an Glaubwürdigkeit gewinnt. Und bei näherer Betrachtung hält Spielbergs mit dem Oscar ausgezeichnetes Drama nicht ganz stand – die modernen Buchstützen sind von „Schindlers Liste“ entlehnt und, ehrlich gesagt, nicht so effektiv; Der Film ist vollgestopft mit Klischees aus Kriegsfilmen. und die 169 Minuten lange Laufzeit wirken unnötig lang und oft geradezu ausgebeult, insbesondere im zweiten Akt. Aber die rohe Kraft der Eröffnungssequenz, die während der Normandie-Invasion am Omaha Beach spielt, ist so atemberaubend, dass der Rest des Films wie Tom Hanks beim Kartenspielen hätte ausfallen können und er wahrscheinlich trotzdem Spielbergs Top 10 geknackt hätte. Diese Sequenz ist eine davon Der eindringlichste Film, der sich jemals dem Film verschrieben hat, und die Tatsache, dass der Film trotz dieser Szene immer noch nur mit R bewertet wurde, zeugt von Spielbergs Ansehen in der Branche und der Ernsthaftigkeit, mit der er das Thema angegangen ist.

Es gibt Momente, die fast den Höhepunkt dieser Sequenz erreichen, insbesondere der Höhepunkt (der unterschätzt wirkt, aber verständlicherweise im Schatten des Anfangs steht), und es gibt einige fein abgestimmte Darbietungen (insbesondere Hanks), die einigen davon Form und Form verleihen Die eher zuckersüßen Tendenzen des Films. Es ist die Art von großem, aufgeschlossenem, altmodischem Epos, wie es nur Steven Spielberg schaffen konnte. Seine Ernsthaftigkeit ist ein Merkmal, kein Fehler.

Ursprünglich von Stanley Kubrick konzipiert, der Anfang der 1970er Jahre mit der Arbeit an einer Adaption von Brian Aldiss‘ Geschichte „Supertoys Last All Summer Long“ begann, übernahm Spielberg das Projekt, nachdem Kubrick 1999 auf tragische Weise starb. Der daraus resultierende Film ist eine seltsame Mischung der Sensibilität der beiden Filmemacher und eine wahnsinnige Übung zur Verarbeitung von Trauma und Trauer (Spielbergs eigene) in Form eines 100-Millionen-Dollar-Science-Fiction-Spektakels. Gelegentlich prallen die beiden Weltanschauungen von Spielberg, dem Sentimentalisten, und Kubrick, dem Zyniker, lautstark aufeinander, aber zumeist verweben sie sich gegenseitig und schaffen so einen Film, der wahrscheinlich interessanter wäre, wenn nur einer von ihnen daran mitgearbeitet hätte. Haley Joel Osment spielt einen Androidenjungen, der nach seinem Platz in der Welt sucht, nachdem seine menschliche Familie ihn verlassen hat; Er trifft sich mit Gigolo Joe (Jude Law), einem Sex-Bot, dem Mord angelastet wird, und begibt sich zusammen mit seinem schroffen Teddybären auf eine unglaubliche Odyssee bis ans Ende der Welt.

Melancholisch und traurig, es war anders, als irgendjemand erwartet hatte – dies ist weder die kuschelige Geschichte einer Freundschaft zwischen den Spezies wie „ET“, noch ist es so hart und unversöhnlich wie etwas wie „A Clockwork Orange“. „AI“ ist ein ganz eigenes Ding – seltsam, großartig gerendert (wieder einmal dank einer umwerfenden Zusammenarbeit von Stan Winston und Industrial Light & Magic) und seiner Zeit voraus. Das Ende des Films, in dem empfindungsfähige Androiden aus einer fernen Zukunft Osments Charakter besuchen, wurde zunächst als zu fröhlich und optimistisch angesehen. Spielberg behauptete, es sei schon immer Teil von Kubricks Vision gewesen. Die Wahrheit liegt, wie beim Rest der „KI“, wahrscheinlich irgendwo in der Mitte.

„Catch Me If You Can“ war ein hochkarätiges Projekt in der Entwicklung bei Spielbergs DreamWorks. Als eine Reihe hochkarätiger Filmemacher kamen und gingen (darunter Cameron Crowe, Gore Verbinski und David Fincher), wählte Spielberg den „Na ja, ich mache es selbst“-Ansatz und verpflichtete sich als Regisseur. Und es ist schwer vorstellbar, dass irgendjemand dem Film die gleiche Mischung aus umwerfenden Kapriolen und tiefen Emotionen verleiht und damit beweist, dass er auch nach all diesen Jahren immer noch die nervenaufreibenden Emotionen eines Scheidungskindes anzapfen kann. Leonard DiCaprio spielt einen echten Schlingel, der einen Großteil seines Erwachsenenlebens betrügt und sich als Flugzeugpilot und Arzt ausgibt, dessen Weg der Zerstörung wahrscheinlich weitaus weniger charmant war als der, den DiCaprio und Spielberg darstellen.

Tom Hanks ist der hartnäckige Gesetzeshüter, der ihm auf der Spur ist, und während DiCaprios diverse Streiche mit Spielbergs wirbelnder Kamera und John Williams‘ jazziger Filmmusik lebhaft dramatisiert werden, liegt der eigentliche Film in der Verbindung zwischen DiCaprio und Hanks, zwei gebrochenen Charakteren, die es irgendwie finden Ganzheit ineinander. Dem ansonsten lebhaften und lustigen „Catch Me If You Can“ liegt eine tiefe Traurigkeit zugrunde, die es unendlich tiefgründiger macht, als es gewesen wäre. Obwohl der Film ein Kassenerfolg war, erhielt er nur zwei Oscar-Nominierungen – für Williams und Christopher Walken als bester Nebendarsteller. Es hätte für viel mehr nominiert werden sollen (einschließlich Bester Film) und findet auch heute noch großen Anklang. Ein Genuss.

Er ist einer der beliebtesten Filme aller Zeiten und zugleich einer der künstlerisch versiertesten. „ET“ ist eine liebevolle Coming-of-Age-Geschichte über einen kleinen Jungen (Henry Thomas), der sich mit einem kleinen Außerirdischen anfreundet, der in der Nähe seines malerischen Vorstadthauses ausgesetzt wurde. Der kleine Junge ist wie Spielberg ein Scheidungskind, und man kann die Authentizität der Geschichte des Jungen spüren, auch wenn die offenkundigeren Science-Fiction-Spielereien (fliegende Fahrräder, anmaßende Regierungsbehörden und dergleichen) die Oberhand gewinnen. Es ist dieses Maß an emotionalem Realismus und die Verbindung zwischen dem Jungen und dem Außerirdischen (konstruiert von Carlo Rambaldi, der nach „Unheimliche Begegnung der dritten Art“ erneut mit Spielberg zusammenarbeitete), die „ET“ mehr als jeder visuelle Effekt zum Höhenflug verhalfen. (Obwohl es wahr ist, dass John Williams‘ unvergleichliche Filmmusik das bereits Vorhandene verschönert und verstärkt.) Es ist bezeichnend, dass der Film tatsächlich so perfekt ist, dass nach der Veröffentlichung von Spielberg eine Jubiläumsausgabe mit einigen neuen Szenen und verbesserten visuellen Effekten (u. a ein computeranimierter ET, der durch den Wald hüpft, geliefert von der Originaleffektfirma Industrial Light & Magic), dass Spielberg die neue Version offen verurteilte und den Klassiker „ET“ wieder einführte. Mit einem Klassiker kann man sich nicht anlegen.

Wer hätte gedacht, dass Spielberg es in sich hat? Im selben Jahr, in dem er den Popcorn-Moloch „Jurassic Park“ entfesselte, eröffnete er auch „Schindlers Liste“, eine eindringliche Geschichte über den Holocaust, die auf Thomas Keneallys historischem Roman „Schindlers Arche“ basiert. Der Film wurde von Janusz Kaminski (dies ist ihre erste – und bisher beste – Zusammenarbeit) in strengem Schwarzweiß aufgenommen und wirkt fast wie ein Dokumentarfilm. Und es fühlt sich auch so an. Liam Neeson spielt Oskar Schindler, einen deutschen Industriellen und Mitglied der NSDAP, der im Zweiten Weltkrieg einen Weg fand, 1.200 Juden vor der Vernichtung zu retten. Die Bilder des Films sind eindringlich, aber das Gefühl ist es auch – sowohl extreme Trauer und Traurigkeit als auch Verzweiflung. Hätte er nicht mehr tun können?

Spielbergs Bericht über diese Zeit ist unerschütterlich und erschütternd, aber er schafft es dennoch, Schnörkel einzusetzen, die nur er hätte erreichen können – den roten Mantel des kleinen Mädchens, der es ermöglicht, sie später in dem Leichenhaufen zu identifizieren; das Flackern von Kerzen als Metapher für Hoffnung (beide realisiert von Industrial Light & Magic, der gleichen Firma, die die Dinosaurier von „Jurassic Park“ zum Leben erweckt hat). „Schindlers Liste“ war der Film, der Spielberg schließlich seinen Oscar für die beste Regie einbrachte, zusammen mit einer weiteren Statue für den besten Film und mehreren weiteren (darunter eine für Steve Zaillians makelloses Drehbuch). Es ist schwierig, sich den Film immer wieder anzusehen, aber wenn man das tut, ist es schwer, nicht wieder mitgerissen zu werden.

Sicher, es war ein technologischer Durchbruch und ein Beweis dafür, dass computergenerierte Bilder die Art und Weise, wie wir Filme schauen und drehen, revolutionieren würden, aber im Grunde ist „Jurassic Park“ in erster Linie ein Triumph fantasievoller Unterhaltung. „Jurassic Park“ basiert auf dem Bestseller-Roman von Michael Crichton (der einen frühen Entwurf des Drehbuchs geschrieben hat) und handelt von einer Gruppe von Wissenschaftlern und Ingenieuren (und zwei kleinen Kindern), die damit beauftragt sind, einen Freizeitpark voller gentechnisch veränderter Pflanzen einem Betatest zu unterziehen Dinosaurier. Natürlich entkommen die Dinosaurier und die Hölle bricht los. Als die Option für den Film ausgewählt wurde, hatte jedes Studio seinen eigenen Regisseur parat (Tim Burton und James Cameron waren unter denen, die darum wetteiferten), aber es ist schwer vorstellbar, dass jemand außer Spielberg sich mit dem Material auseinandersetzt. Der Film zeigt nicht nur Spielbergs patentierte Mischung aus Schrecken und Ehrfurcht, manchmal in derselben Sequenz (wie der atemlos inszenierte T.-Rex-Angriff), sondern im Mittelpunkt stehen auch zwei Kinder, deren Eltern aufgrund der bevorstehenden Scheidung noch mehr zu tun haben beweisen.

Während die endlosen Fortsetzungen und Spin-offs das Franchise verwässert haben, bleibt die ursprüngliche Kraft des ursprünglichen „Jurassic Park“ bestehen. Es war ein aufregendes Erlebnis, diesen Film im Kino zu sehen, und man spürte, wie sich die Erde veränderte, während man ihn sah; So etwas hatte es noch nie zuvor gegeben, und die darin erzielten Fortschritte würden alles zum Erliegen bringen. Selbst jetzt versuchen die Leute immer noch, den unglaublichen Nervenkitzel von „Jurassic Park“ zu wiederholen. Und sie haben es immer noch nicht annähernd erreicht.

Die Geschichte besagt, dass George Lucas und Steven Spielberg direkt nach der Premiere von „Star Wars“ am Strand saßen. Von der Abendkasse wollte Lucas nichts wissen. Er wollte einfach nur mit seinem Freund davonkommen. Während er im Sand war, drückte Spielberg seine Trauer darüber aus, dass er keinen James-Bond-Film drehen konnte. Lucas erzählte ihm, dass er eine Idee hatte, die noch besser als 007 war. Das Ergebnis war „Jäger des verlorenen Schatzes“. Im Stil altmodischer Serien der späten 1930er und frühen 1940er Jahre, in denen der Held in eine Reihe haarsträubender Cliffhanger gerät, schlüpft Lucas‘ alter Kumpel Harrison Ford in die Rolle von Indiana Jones, einem Professor bei Tag und Schatzsucher bei Nacht, der von der amerikanischen Regierung beauftragt wird, ein Artefakt zu bergen, bevor es in die Hände der Nazis fällt. Es ist eine so geniale Prämisse, dass man kaum glauben kann, dass noch niemand daran gedacht hat, und sie wurde durch Lawrence Kasdans Drehbuch (basierend auf einem Originalvorschlag von Phillip Kaufman), in dem Jones vom Herzen des Dschungels in die Wüste reiste, wunderbar zum Leben erweckt Wüste des Nahen Ostens auf der Suche nach der Bundeslade.

Vielleicht der größte Action-Adventure-Film aller Zeiten, voller Versatzstücke und Sequenzen, die den Verstand verblüffen und einem die Kinnlade auf den Boden hängen lassen. Es war Spielberg, der verstand, dass Jones nicht nur ein Superheld mit Laternenkiefer sein konnte. Sein Indiana Jones hat eine chaotische Beziehung zu seiner Freundin Marion (einer bezaubernden Karen Allen) – auf eine Weise, die heute nie mehr funktionieren würde – und er vermasselt so viel, wie es ihm gelingt. Es ist diese Fehlbarkeit, die es noch einfacher macht, ihn anzufeuern, während er stolpert, stolpert und peitscht, um die Welt vor einem okkulten Übel zu retten. Was für eine Fahrt.

Können Sie glauben, dass „Der Weiße Hai“ erst Spielbergs zweiter Kinofilm als Regisseur war? Zumindest aus praktischer Sicht wäre dies möglicherweise unklug gewesen, da die Produktion von „Der Weiße Hai“ bekanntermaßen hinter dem Zeitplan zurückblieb und aufgrund (hauptsächlich aufgrund der Entscheidung, auf dem offenen Meer zu drehen) und technologischen Rückschlägen (Unklarheiten) kostspielige Überschreitungen verursachte Der Hai diente den größten Teil des Films sowohl der Notwendigkeit als auch der Kunst. Die Dreharbeiten sollten 55 Tage dauern, am Ende dauerte es 159 Tage, und das Drehbuch war nie fertig und ständig im Fluss (Carl Gottlieb, der die wesentliche Chronik der Entstehung des Films „Der weiße Hai“ schrieb, war für den größten Teil verantwortlich der endgültige Entwurf). Und all diese Strapazen und Widrigkeiten führten zu einem der besten und unterhaltsamsten Filme aller Zeiten. Spielbergs Kreaturenfilm untermauert die Idee eines „Sommerfilms“ und ist intelligent, gruselig und voller Herz. Er hat den Film perfekt besetzt: Roy Scheider als wasserscheuen Großstadtpolizisten Brody, Richard Dreyfuss als nerdiger Hai-Spezialist Hooper und Robert Shaw als hartgesottener Fischer Quint. Jeder Darsteller hatte seinen eigenen Schauspielstil und jede Aufführung hatte ihr eigenes Tempo, aber zusammen schufen sie eine Symphonie.

Spielberg hat Peter Benchleys Originalroman klug umgestaltet, alberne Nebenhandlungen über Hoopers Affäre mit Brodys Frau (Lorraine Gary) und Gangstern über Bord geworfen und unvergessliche Schnörkel wie Quints Geschichte mit Haien (größtenteils geschrieben, je nachdem, wem Sie glauben, von John Milius) hinzugefügt der Moment, in dem Brody Augenkontakt mit seinem kleinen Sohn aufnimmt. Das sind die Momente, die einem in Erinnerung bleiben und die Art von Szenen, die nur Spielberg hinzugefügt hätte. Spielberg ist bereits ein Meister des Tons und wechselt vom geradlinigeren Horror der ersten Hälfte des Films zu einem Abenteuer auf hoher See in der zweiten Hälfte, ohne einen Takt auszulassen und nie etwas zu machen, das unzusammenhängend wirkt. (Die Musik von John Williams hilft auch dabei, diese Lücke zu schließen, da das Thema des Hais in den vergangenen Jahren immer wieder wiederholt und parodiert wurde.) „Der weiße Hai“ ist eine unglaubliche technische Meisterleistung, aber auch ein Triumph purer Emotionen. Wie sonst könnte er eine ganze Generation davon abhalten, jemals ins Meer zu gehen?

Es fühlt sich an, als ob wir die Genialität von „Close Encounter of the Third Kind“ für selbstverständlich halten. Oder vielleicht liegt es auch daran, dass es von offenkundigeren Publikumswundern wie „ET“ oder „Jurassic Park“ in den Schatten gestellt wurde. Aber das ändert nichts an dem Film, der immer noch wie Spielbergs visuell großartigster, psychologisch komplexester und strukturell abenteuerlichster Blockbuster wirkt. Die Handlung des Films verläuft parallel: Die eine folgt dem Arbeiter-Junggesellen Roy (Richard Dreyfuss), der auf Kosten seiner Karriere und seiner Familie von dem Luftphänomen, das er am Himmel sieht, besessen wird; der andere zeichnet die Bemühungen eines nebbischen UFO-Forschers (gespielt von Francois Truffaut) nach, dieselben jenseitigen Besuche zu untersuchen. Ihre Handlungsstränge kollidieren schließlich am Devil's Tower, einer geografischen Formation, in der die außerirdischen Besucher Kontakt mit der Menschheit aufnehmen sollen. Wenn das nach viel klingt, ist es das auch, insbesondere in den frühen Sequenzen, die zwischen eintönigem Vorstadtstreit und Truffauts weltreisenden Ermittlungen schwanken. Aber sobald die beiden Wege zusammenlaufen, beginnt der Film erst richtig zu brummen; Dreyfuss‘ Figur gerät in Kontakt mit einer jungen alleinerziehenden Mutter, deren Kind entführt wurde, und die Regierung vertuscht die bevorstehende Verbindung. (Es gibt einen wundervollen Moment, als Dreyfuss und Melinda Dillon auf den Ort zufahren, an dem die Regierung geräumt wird. Er versichert ihr, dass das alles eine List ist. Dann halten sie eine Weile inne und setzen Gasmasken auf.)

In den Jahren seit der Veröffentlichung von „Unheimliche Begegnung der dritten Art“ hat sich Spielberg sowohl damit beschäftigt (er erstellte zwei zusätzliche Schnitte des Films, von denen einer 1980 in die Kinos kam) als auch sich davon distanziert (indem er verkündete, dass, wenn er (Wenn er den Film heute gedreht hätte, hätte er Roy nicht an Bord des Mutterschiffs gelassen). Er sollte niemals vor diesen Elementen des Films zurückschrecken; Sie verleihen ihm seine steinerne Anmut. Und die visuellen Effekte des Films, die von Douglas Trumbull realisiert wurden, gehören zu den kraftvollsten seiner gesamten Karriere, und die Begrüßungsnotizen für das außerirdische Mutterschiff gehören zu den kultigsten in der Science-Fiction. Es ist eine Abkürzung für großartige Science-Fiction mit großen Augen. Und für eine Verbindung zu etwas, das über uns selbst hinausgeht.

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