Die 38 besten Autofilme aller Zeiten, Rangliste

Es scheint eine gute Wette zu sein, dass der Autofilm immer bei uns bleiben wird. Natürlich kann ein „Autofilm“ viele Dinge bedeuten – von einem Rennfilm über ein Roadmovie bis hin zu einem Film, der sich einfach um Autos im Allgemeinen dreht. Lassen Sie uns trotzdem einen Schritt zurücktreten und uns einige der besten Autofilme der letzten Jahre ansehen, und zwar auf eine allumfassende und umfassende Art und Weise. Diese Liste von Filmen ist ziemlich vielseitig – sie umfasst Klassiker von Getrieben, Kultfilme, Noirs, moderne Blockbuster, Arthouse-Lieblinge und sogar einige echte Unbekannte. Dabei wurde uns klar, dass ein „Autofilm“ vor allem ein Film ist, in dem ein Auto eine Schlüsselrolle bei der Art und Weise spielt, wie eine Figur mit der Welt interagiert – sei es als Waffe, als Werkzeug usw Traum, eine Umgebung oder eine Metapher. Hier sind die 38 besten Autofilme. (Und wie üblich haben wir uns auf einen Film pro Franchise beschränkt, damit Sie sich nicht fragen, warum diese Liste nicht ein halbes Dutzend Fast and Furious-Filme enthält.)

Das ist im Grunde „Der weiße Hai mit einem Auto“, und es ist genauso verrückt, wie es sich anhört. Ein schwarzes Auto, vermutlich aus den Tiefen der Hölle, terrorisiert eine Kleinstadt, und es ist die Aufgabe des örtlichen Gesetzeshüters James Brolin, es zu stoppen. Absolut lächerlich, manchmal sogar lächerlich. Aber darin liegt auch seine Genialität: Da dieses Auto alles Mögliche kann, was ein Auto eigentlich nie tun könnte, weiß man nie genau, was einen erwartet. Unter der Regie von Elliot Silverstein war dieser Kult-Horrorfilm ein fester Bestandteil der späten 80er-Jahre: Jedes Kind, das in den 80er-Jahren spätabends den Kanal wechselte, als die unheilvollen „Dies Irae“-Akkorde erklangen, wusste, dass ihm oder ihr etwas Besonderes bevorstand.

Dieser Film ist nicht ganz das Meisterwerk, als das er damals angekündigt wurde, aber er ist eine faszinierende Mischung aus Pop-Einflüssen – den prägnanten Gearhead-Klassikern der 70er, dem New-Age-Stil der 80er, der hippen Ironie der Millennials Epoche. Regisseur Nicolas Winding Refn weiß, wie man Gewalt filmt, aber was noch wichtiger ist: Er weiß, wie man Gewalt antizipiert. Und mit einem geradezu komisch ausdruckslosen Ryan Gosling (der einen Stunt- und Fluchtfahrer spielt, nicht unähnlich Ryan O'Neal in „The Driver“) baut er aufwändige, ausdruckslose Versatzstücke, die auf die Art und Weise beunruhigend sind, wie sie anschauliche Brutalität versprechen Schrecken, die der Film nur gelegentlich zeigt. Und seien wir ehrlich: Der Soundtrack ist cool.

In diesem klassischen Noir-Film aus dem Jahr 1958 spielt Robert Mitchum einen jungen Tierarzt, der als Transporter arbeitet und in der Welt der illegalen Schnapsbrenner in den Bergen spielt – einen „dieser wilden und rücksichtslosen Männer, die illegalen Whiskey von der Quelle bis zum Vertriebsort transportieren“, indem er Suppe verwendet -Up-Autos. Dies war keine fantasievolle Filmkreation; es war eine echte Subkultur. Der Film verfügt vielleicht nicht über die authentischen Details der Oldtimerfilme, die etwa ein Jahrzehnt später herauskamen, aber Mitchum ist und bleibt die coolste Katze auf der Leinwand. Gib ihm einen Hot Rod und er ist plötzlich cooler.

„Du hättest nur die verdammten Türen wegblasen sollen!“ Der Cockney-Betrüger Michael Caine, der kürzlich aus dem Gefängnis entlassen wurde, plant einen wirklich lächerlichen Raubüberfall, um mit Mini Coopers Mafia-Goldbarren im Wert von 4 Millionen US-Dollar aus der Innenstadt von Turin zu stehlen. Es ist ein seltsamer, alberner kleiner Film, aber voller bezaubernder Szenen, von Noel Coward als aristokratischem Gangster über Benny Hill als perversen Professor bis hin zur jazzigen Filmmusik von Quincy Jones. Am wichtigsten ist, dass der zentrale Raubüberfall und seine lächerlichen Folgen wunderbar gut umgesetzt sind. Auch wenn sie in Ton und Stil ganz anders sind, haben die „Fast and Furious“-Filme diesem quirligen Kultklassiker viel zu verdanken.

Jason Statham, der jetzt der Fast and Furious-Reihe beigetreten ist, erzielte sein erstes Franchise in der Rolle eines erfahrenen Fahrers, der dafür bezahlt wird, Fracht zu transportieren – jede Art von Fracht, keine Fragen. Viele von uns haben diesen Film damals unterschätzt; Die Albernheit schien einfach zu viel zu sein, und Stathams stoisches Auftreten fühlte sich trotz seiner beträchtlichen körperlichen Leistungsfähigkeit steif an. Aber im Laufe der Jahre sind er und der Film uns ans Herz gewachsen und haben einen wunderbar surrealen, rückwirkenden Glanz gewonnen. Dies ist ein lustiger, freizügiger und ach so französischer Actionfilm – die Art von Film, der langsamer werden kann, um über Madeleines und Proust nachzudenken, bevor er mit dem Chaos fortfährt. Das ist natürlich der Hausstil von EuropaCorp. Die von Luc Besson geführte Produktionsfirma hat uns auch die Taken-Filme „Lucy“ und jede Menge anderer verrückter, abgedroschener und pleite gehender Actionspektakel beschert.

Teils „Die Fahrraddiebe“, teils „Der alte Mann und das Meer“ ist dieses wenig bekannte türkische Juwel eine urkomische, ergreifende Geschichte über einen armen Dorfbewohner, der in Deutschland arbeitet und spart, um sich einen geliebten gelben Mercedes zu kaufen. In der Hoffnung, im Ruhm seines hart erkämpften Erfolgs zu schwelgen, versucht er, ihn zurück in sein Dorf zu bringen, stößt dabei jedoch auf viele Hindernisse – viele davon haben mit seiner eigenen Bestechlichkeit und seinem Materialismus sowie dem berüchtigten der Türkei zu tun schreckliche Fahrer. Eine sehr menschliche Geschichte, die es auch schafft, eine scharfsinnige Gesellschaftssatire zu sein.

Peter Fonda und Adam Roarke spielen zwei 0:100-Überfallkünstler/Rennfahrer, die einen riesigen Supermarkt ausrauben, nur um dann mit dem NASCAR-Groupie (Susan George) abgeschleppt zu werden, mit dem Fondas Figur am Abend zuvor geschlafen hat. Das Trio raste zunächst in einem aufgemotzten 68er Chevy Impala und dann in einem grellen Dodge Challenger von den Bullen weg und streitet und scherzt unermüdlich. Unterdessen muss sich der angepisste, frustrierte Gesetzeshüter (Kenneth Tobey), der versucht, die Fahndung zu koordinieren, mit völliger Inkompetenz und verblüffender Bürokratie auseinandersetzen, außerdem mit seinem eigenen Wunsch, seine Jugend noch einmal zu erleben. In diesem Film gibt es keine einzige vernünftige Person, aber die gewaltigen Stunts, gepaart mit der überraschend lockeren Atmosphäre des Films, haben ihn zu einem Autoklassiker gemacht.

Zunächst ein Wort zum Original: „Gone in 60 Seconds“ aus dem Jahr 1974 unter der Regie des Stuntmans und Abschlepp-/Beschlagnahme-Impresarios HB Halicki ist einer der seltsamsten Filme aller Zeiten, eine Reihe zusammengefügter Autoszenen und Stunts, die durch Dialoge zusammengehalten werden das versucht, die ausführliche Geschichte einer Diebesgruppe zu erzählen, die eine ganze Menge Autos ausgeraubt hat; Es ist grenzwertig unanschaubar. Das Remake ist so ziemlich das genaue Gegenteil: ein unglaublich raffinierter, von Jerry Bruckheimer produzierter, mit Stars besetzter Raubüberfallfilm, der reibungslos und einfach ankommt. Nicolas Cage ist der Meisterdieb, der in 96 Minuten 50 Autos stehlen muss. Zu seinen Teamkollegen zählen Robert Duvall und Angelina Jolie. Die Teile des Autosets sind lächerlich und machen unglaublich viel Spaß.

In seiner besten Form kann Will Ferrell mühelos den wahnhaften, fast psychotischen Machismo des amerikanischen Mannes zerfetzen – und er schafft es mit einem Lächeln. In NASCAR fand er das perfekte Ziel. Einer von Ferrells größten und besten Filmen war diese urkomische Rennparodie, die den Aufstieg und Fall eines selbstgefälligen Champion-Rennfahrers, seine komplizierte Freundschaft mit seinem besten Kumpel und Mitrennfahrer John C. Reilly und seine Rivalität mit einem verweichlichten, rotzigen Franzosen verfolgte gespielt von Sacha Baron Cohen. Der Film bewegt sich zwischen überheblichem Triumph und völliger Demütigung mit einer solchen Leichtigkeit, dass einem fast übel wird.

Der Outlaw-Klassiker von Burt Reynolds und Hal Needham war der sprichwörtliche filmische Außenseiter: Er wurde zunächst in den Südstaaten unter Umgehung großer Medienmärkte und Kritiker veröffentlicht und gelangte erst nach und nach in den Rest des Landes. Dieser Basis-Kinostart (den Steven Soderbergh Jahre später mit Logan Lucky zu reproduzieren versuchte) machte Smokey zum zweitgrößten Hit des Jahres, nur hinter Star Wars. Reynolds spielt den Bandit, der mit seinem Trans-Am als hochfliegender Lockvogel für seinen Kumpel Snowman (Jerry Reed) dient, der einen Lastwagen voller verbotenem Coors-Bier über die Staatsgrenzen fährt. Sally Field ist die außer Kontrolle geratene Braut, die sie mitnimmt, was wiederum dazu führt, dass der örtliche Sheriff (und ihr zukünftiger Schwiegervater) Smokey Bear (Jackie Gleason!) sie verfolgt. Regisseur Needham war eine Legende in der Welt der Stunts (Brad Pitts Figur in Once Upon a Time in Hollywood basiert teilweise auf ihm) und er füllt den Film mit rasenden, sich drehenden und sich drehenden Autos. Aber das Besondere daran ist die Art und Weise, wie Bandits Reise, insbesondere während sie über CB-Radio übertragen wird, ganze Gemeinschaften zusammenbringt und ihn im Laufe des Films nach und nach in einen Volkshelden verwandelt.

Im Jahr 1990 wurde der russische Regisseur Nikita Mikhalkov (der später einen Oscar für „Burt by the Sun“ gewann) engagiert, einen kurzen Werbefilm für Fiat zu drehen, doch am Ende drehte er diesen magischen Kurzfilm. In dieser eindrucksvollen, melancholischen Geschichte wird ein italienischer Meisterrennfahrer damit beauftragt, ein Auto von Italien nach Russland zu steuern. Unterwegs, während die sauberen Straßen Europas der verschneiten, bedrohlichen Trostlosigkeit Russlands weichen, wird der Film zu einer eindringlichen Meditation über Zugehörigkeit: Dieser einsame Mann ohne Familie und scheinbar ohne Leben lebt von einem bedeutungslosen, nächtlichen Leben Interaktionen bis hin zur unabsichtlichen Zusammenstellung einer seltsamen, dysfunktionalen Ersatzfamilie für sich. Und wie in den besten Autofilmen wird eine scheinbar banale Geschichte über Mensch und Maschine zu einer Metapher dafür, wie wir unser Leben leben.

Jeff Bridges fand eine seiner großartigen frühen Rollen in diesem Drama über Junior Jackson, einen brillanten jungen Mondscheinläufer, der sich der Stockcar-Rennstrecke zuwendet, nachdem sein Vater hinter Gittern landet. Basierend auf einer wahren Begebenheit ist dies sowohl eine Coming-of-Age-Geschichte als auch ein Autorennenfilm – von bodenständigen Demolition-Derbys bis hin zur großen NASCAR-Rennstrecke ist Juniors Reise voller Ehrgeiz, Versuchung und … wachsendes Selbstbewusstsein. Die Autoszenen sind rau, authentisch und oft zutiefst fesselnd – vor allem, weil der junge Bridges so verdammt charismatisch ist.

Tom Hardy sitzt in einem Auto und jongliert mit verschiedenen Aufgaben: Eine Frau, mit der er eine Affäre hatte, steht kurz vor der Entbindung und er versucht, es ins Krankenhaus zu schaffen; er muss einen riesigen „Betonguss“ für ein neues Bauwerk aus der Ferne überwachen (das ist eine viel größere Sache, als es sich anhört, vertrauen Sie uns); und er muss seiner Familie erklären, warum er nicht zu Hause ist, um mit seinem Sohn ein großes Fußballspiel zu sehen. Die Spannung des Films entsteht nicht durch das Auto, sondern durch die zunehmende Dringlichkeit all dieser Dinge, die auf unseren Helden einwirken. Und Hardy, der einen seiner größten Auftritte abliefert, ist der Inbegriff kühler, ruhiger Kompetenz. Als sein Selbstvertrauen zu schwinden beginnt und sein sanft dahinrasendes Fahrzeug immer mehr wie ein Gefängnis wirkt, wird der Film fast herzzerreißend spannend.

Dieses Werk von John Frankenheimer aus dem Jahr 1966 und „Le Mans“ aus dem Jahr 1971 (siehe nächster Eintrag) begannen zunächst als konkurrierende Studio-Rennepen über die europäische Rennstrecke, und in einigen Fällen endeten die Filme furchtbar ähnlich: Lächerliche Authentizität und beeindruckende Rennsequenzen, gemildert durch Hollywood-Pablum. Grand Prix ist wohl das eher „Studio“ von beiden: Frankenheimer arbeitete auf dem Höhepunkt seines Könnens, und die Rennsequenzen, die er mit dem legendären Saul Bass zusammengestellt hat, sind atemberaubend intensiv und wunderschön, während das Paint-by -Zahlenmelodrama über verschiedene Fahrer, die einen gefährlichen Sport betreiben, und die Frauen, die sie lieben und gelegentlich verraten, wird durch einige gute Darbietungen unterstrichen. (James Garner! Yves Montand! Toshiro Mifune! Eva Marie Saint! Jessica Walter!) Es ist ehrlich gesagt die Art von Film, für die das Studiosystem existierte. Wie großartig wäre es gewesen, dies in 70 mm auf der größten Leinwand zu sehen, die man sich vorstellen kann?

Noch mehr als „Grand Prix“ fühlt es sich an wie zwei Filme: Der eine ist im Grunde eine Dokumentation über das 24-Stunden-Rennen von Le Mans 1970, mit Aufnahmen der echten Autos und Fahrer, kombiniert mit beeindruckenden Aufnahmen hinter den Kulissen. (Berichten zufolge haben die Filmemacher eine schändliche Menge an Filmen gedreht, von denen ein großer Teil offenbar verloren gegangen ist.) Das andere ist ein seltsam unterentwickeltes Drama über Steve McQueen, der sich mit der Witwe seines Mitfahrers anfreundet, dessen feuriger Tod er fürchtet, er verursacht zu haben. Natürlich war McQueen wahrscheinlich abgelenkt: Er war selbst ein Rennfahrer und wollte, dass der Film so viel Authentizität wie möglich hatte. In gewisser Weise dient die dürftige Erzählung dazu, die verblüffend authentischen Rennszenen hervorzuheben: Alles fällt weg, damit wir uns auf die Autos konzentrieren können, was offensichtlich die Filmemacher selbst getan haben.

Dem iranischen Regisseur Jafar Panahi wurde von seiner Regierung das Filmemachen verboten, obwohl ihn das irgendwie nicht davon abgehalten hat, einige wirklich persönliche, formverändernde, dokumentarische Untersuchungen seines eigenen Lebens durchzuführen. Dieser Film spielt vollständig in einem Taxi, mit dem Panahi durch Teheran fährt, während verschiedene Menschen mit ihren eigenen seltsamen und sehr persönlichen Dramen in sein Auto ein- und aussteigen. Es ist nicht alles ganz so Sachliteratur, wie es auf den ersten Blick erscheinen mag: Viele dieser Interaktionen wirken geskriptet und pointiert – sie enthüllen auf subtile Weise beunruhigende Aspekte der iranischen Gesellschaft sowie von Panahis eigener Rolle in dieser Welt. Es ist ein aufschlussreicher, packender Film. Und es ist auch ein großartiger existenzieller Blick auf das Innere: Aus Panahis Sicht scheint der Kokon, den ein Auto zwischen dem Fahrer und der Außenwelt schafft, dem zwischen einem Künstler und der Welt nicht unähnlich zu sein.

Nur wenige Menschen halten diesen von Ridley Scott inszenierten und von Callie Khouri geschriebenen Klassiker jemals für einen „Autofilm“, aber wenn man darüber nachdenkt, passt er vollkommen. Auf der Flucht vor ihrem bedrückenden Leben schlagen unsere Helden, gespielt von Geena Davis und Susan Sarandon, den Standardweg der Befreiung ein, der im Macho-Roadmovie verkörpert wird, und verleihen ihm einen feministischen Kick. Dabei übernehmen und transformieren sie auch einige der typischen Elemente solcher Filme – die Waffe, den One-Night-Stand und, ja, das Auto. Und das vieldiskutierte, kontroverse Finale des Films – mit seinen Anspielungen auf Butch Cassidy und Sundance Kid sowie den Höhepunkten von Getriebeklassikern wie „Vanishing Point“ und „Dirty Mary, Crazy Larry“ – bekommt beim Nachdenken eine neue Farbe des Ganzen als Autofilm.

John Carpenters Adaption des Romanklassikers von Stephen King ist so ziemlich das letzte Wort in Sachen besessene Autos. Der nerdige, schüchterne Teenager Keith Gordon ist besessen von seinem neuen Plymouth Fury von 1958 und wird aggressiver, rücksichtsloser … anders. Ist es das Auto? (Es ist ganz und gar das Auto.) Kings verrückte Prämisse fesselte die Seite, aber Carpenters kühl-effiziente Regie – zusammen mit der großartigen Schauspielerei der jungen Stars Gordon und John Stockwell, die beide später selbst gefeierte Filmemacher werden sollten – macht daraus etwas mehr: ein böser Albtraum jugendlicher Selbstverwirklichung.

Walter Hills spannender Thriller über einen stoischen Stuntman (Ryan O'Neal), der als Fluchtfahrer arbeitet, hatte einen entscheidenden Einfluss auf spätere Filme wie „Drive“, aber er selbst ist im Wesentlichen ein amerikanisiertes, automobiles Remake von Jean-Pierre Melvilles bahnbrechendem Auftragskiller-Drama Le Samourai. Wie in Melvilles Film fühlt sich ein besonnener Profi, der darauf achtet, keine Bindungen oder emotionalen Ballast zu haben, zu einem Mitmenschen hingezogen. Und nach und nach löst sich seine Isolation (in diesem Fall sein Auto) auf und er fühlt sich verletzlicher als je zuvor.

„Dies ist die wahre Geschichte eines Mannes, einer Waffe und eines Autos. Die Waffe gehörte dem Mann. Das Auto hätte Ihnen gehören können …“ Dieser Thriller aus dem Jahr 1953, einer der großartigsten Film Noirs aller Zeiten, wurde von der großartigen Ida inszeniert Lupino. Zwei Männer schnappen sich auf dem Weg nach Mexiko zum Angeln einen Anhalter, der sich als psychotischer Killer herausstellt. Der Mann nimmt sie als Geiseln und lässt sich nach Kalifornien fahren. Oh, und er sagt den beiden Männern, dass er sie töten wird, wenn die Reise vorbei ist. Der Film ist nicht nur wegen seiner klaustrophobischen Spannung bemerkenswert, sondern auch wegen der Art und Weise, wie er subtil mit der Freiheit der aufkeimenden amerikanischen Autokultur und der offenen Straße spielt. Der Mörder ist ein Mann, der sich trotz all seiner Wahnvorstellungen über die Selbstgefälligkeit und Häuslichkeit der anderen Männer lustig macht – was diesen Thriller zu einem Vorläufer für alles macht, von Easy Rider über The Hitcher bis hin zu Collateral.

In Richard Sarafians surrealem Kult-Roadmovie führt ein mysteriöser Geschwindigkeitsfreak (im wahrsten Sinne des Wortes) die Polizei mehrerer westlicher Bundesstaaten auf eine epische Verfolgungsjagd, während er auf einen Querschnitt von Untergangenen nach den 60er-Jahren stößt und sich an die verschiedenen Ereignisse seines Lebens erinnert (einschließlich eines spektakulären Rennstreckenunfalls). Unterdessen erzählt, ermutigt und mythologisiert ein blinder Radio-DJ aus einer Kleinstadt die Reise. Der Film ist zu gleichen Teilen ein Arthouse-Whats-It-Film und ein Auto-Fetisch-Klassiker und funktioniert dank der Fähigkeit von Regisseur Sarafian, eine Verfolgungsjagd zu drehen, sowie seinem Gespür für die Landschaft so gut.

Ron Howards Biografie über die Rivalität zwischen den Formel-1-Rennfahrern Niki Lauda (Daniel Brühl) und James Hunt (Chris Hemsworth) in den 70er-Jahren ist in jeder Hinsicht übertrieben. Der Regisseur hat schon immer in großen Zügen gehandelt, und hier stellt er diese beiden Männer als elementare Gegensätze einander gegenüber: den nerdigen Schreiberling gegen den lässigen Hedonisten. Die beiden Hauptdarsteller sind ausgezeichnet und sie halten die etwas vorhersehbare Geschichte der obsessiven Konkurrenz auf dem Boden. Während sich ihre Rivalität – und damit natürlich auch ihre Freundschaft – entwickelt, liefert uns der Film auch große, gewagte, verrückte Sequenzen, die die Gefahr und den Reiz des Rennsports einfangen. Wir zucken vor Angst zusammen und verlangen immer wieder mehr. Es ist ein wunderbarer Film, der aus irgendeinem Grund vom Publikum ignoriert wurde.

Edgar Wrights ehrgeiziges Krimikomödie-Romantik-Musical-Action-Epos – über einen brillanten jungen, iPod-besessenen Fluchtfahrer (Ansel Elgort), der versucht, sich von dem Mafia-Boss (Kevin Spacey) zu befreien, für den er gearbeitet hat – enthält einige der surrealsten Szenen verrückte Verfolgungsjagden aller Zeiten, perfekt choreografiert zum coolsten Rock-Soundtrack aller Zeiten. Diese entscheidende Verbindung zwischen Autos und Musik wurde im Laufe der Jahre sicherlich von anderen Filmemachern untersucht, aber Wright geht noch einen Schritt weiter: Er findet in der ursprünglichen Verbindung des Protagonisten zu Autos und Musik ein ergreifendes Symbol für seine emotionale Isolation, sein Bedürfnis, die Welt im Zaum zu halten Bucht.

Regisseur Francis Ford Coppola und Produzent George Lucas haben sich für dieses schillernde, schöne und überraschend persönliche Biopic über den Nachkriegserfinder Preston Tucker (Jeff Bridges) zusammengetan, der es als unabhängiger Autohersteller mit den großen Autokonzernen aufnahm und praktisch vernichtet wurde. Aber nach Aussage von Coppola und Lucas hat Tucker eine Art Sieg errungen. Viele seiner Erfindungen und Innovationen, wie zum Beispiel Sicherheitsgurte, sind heute alltäglich, und der Film behandelt seine Geschichte nur einigermaßen ironisch als eine Geschichte des Triumphs. Es ist leicht zu erkennen, wie sich diese beiden mächtigen, unabhängigen Filmemacher – insbesondere Coppola, für den dies ein langfristiges Traumprojekt war – in dieser Geschichte eines störrischen, brillanten Mannes wiedererkennen, der versucht, mit seinen mächtigeren, rücksichtslosen auf der gleichen Bühne zu spielen Konkurrenten.

In Stanley Donens klassischem Liebesdrama spielen Albert Finney und Audrey Hepburn ein verbittertes, wohlhabendes Ehepaar, das mit seinem Mercedes durch Frankreich fährt und dabei wichtige Ereignisse in ihrem gemeinsamen Leben Revue passieren lässt – bei vielen davon geht es auch darum, irgendwohin zu fahren. Der Film wurde von Frederic Raphael geschrieben (der „Darling“ geschrieben hatte und später „Eyes Wide Shut“ schrieb) und ist ein faszinierendes Porträt davon, wie die Liebe vergeht. Und in seiner ständigen Bewegung, mit seinem fast hektischen Tempo, deutet es darauf hin, dass die Zeit, ähnlich wie dieser Mercedes, eine Art Gefängnis ist, wenn es um die Liebe geht. Der seltsame Ton des Films – treibend und doch melancholisch, schneidend und doch nachdenklich – scheint die Tatsache zu verkörpern, dass nichts immer gleich bleibt.

In Regisseur James Mangolds epischer Dramatisierung der Versuche von Carroll Shelby (Matt Damon) und Ken Miles (Christian Bale) Anfang der 60er Jahre, einen amerikanischen Rennwagen zu bauen, der Ferrari beim 24-Stunden-Rennen von Le Mans schlagen könnte, koexistiert fachmännisch geschriebener Getriebe-Technospeak mit intensiven Du-sind-da-Fahrsequenzen. Bale liefert eine seiner besten Darbietungen als wortkarger, brillanter und schnörkelloser Ingenieur und Fahrer ab, und Tracy Letts ist an der Reihe, als Henry Ford II auf atemberaubende Weise zwischen Macho-Gepolter und schwacher Ehrfurcht hin und her wechselt, aber die wahren Stars der Show sind die Autos. oft von innen aufgenommen, um ein unglaublich fesselndes Werk zu schaffen. Während andere Autofilme eher surreale und selbstbewusst künstliche Richtungen eingeschlagen haben, bleibt dieser Film auf dem Boden der Tatsachen, mit wunderbaren Ergebnissen: Es ist der Oldtimerfilm als moderner Blockbuster.

Quentin Tarantinos Hommage an Exploitation-Filme der Z-Klasse und Kultautofilme – ursprünglich als eine Hälfte des Sammelfilms Grindhouse präsentiert – ist ein exzellenter Horrorfilm, der ultimative Auto-Stuntfilm und ein bizarrer Hangout-Film voller patentierter Longueurs des Regisseurs und ausgedehnte Szenen scheinbar irrelevanter Dialoge. Tarantino stellt uns einen Stuntfahrer (Kurt Russell) zur Seite, der es sich zur Aufgabe macht, Wagenladungen ahnungsloser Frauen zu töten. In der ersten Hälfte des Films sehen wir, wie er seine Beute verfolgt und verzehrt; In der zweiten Hälfte beobachten wir, wie eine Gruppe von Opfern sich wehrt. Der Film ist gleichermaßen berührend, verführerisch und spannend – aber wie viele der größten Filme Tarantinos hat er auch die spielerische, experimentelle Qualität eines narrativen Rätsels.

Der verstorbene iranische Regisseur Abbas Kiarostami hat so viele Filme gedreht, die in und um Autos herum spielen, dass ich mir manchmal wünschte, er hätte einen Teil von „Fast and Furious“ bekommen, nur um zu sehen, welchen Wahnsinn er sich ausgedacht haben könnte. In diesem mit der Goldenen Palme ausgezeichneten Drama fährt ein iranischer Mann mittleren Alters umher und sucht nach jemandem, der ihn begraben wird, nachdem er Selbstmord begangen hat. Das ist ein deprimierendes Setup, aber der Film ist viel sanfter. Kiarostami nutzt das Auto sowohl als psychologisches als auch als soziologisches Werkzeug – es stellt die Isolation unserer Figur dar, stellt aber auch eine Möglichkeit dar, dass Einzelpersonen in diesem streng kontrollierten religiösen Staat private Interaktionen führen können. Während Kiarostami uns mit ausgedehnten Szenen verwöhnt, in denen sein Protagonist herumfährt und die Landschaft an seinen Fenstern vorbeigleitet, entsteht etwas Faszinierendes und sogar irgendwie Aufregendes. Auf seine Art ist dies ein ebenso großartiger Autofilm wie etwas ikonischeres wie „Vanishing Point“ oder „Two-Lane Blacktop“.

In einem der großartigsten, unterschätzten Thriller der letzten zwei Jahrzehnte konkurrieren die Brüder Paul Walker und Steve Zahn (ersterer ist ein frischgesichtiger Romantiker, letzterer ein zügelloser Ex-Häftling) um die Studentin Leelee Sobieski, während sie in Konflikt geraten ein gesichtsloser, verrückter Trucker, mit dem sie im CB spielten. Sex und Autos: Regisseur John Dahl bringt die beunruhigenden Untertöne zum Vorschein, auch wenn er einige fantastisch furchteinflößende Versatzstücke inszeniert. Als sympathischer, aber selbstsüchtiger Verlierer war Zahn noch nie besser; und der jungenhafte, charmante Walker flippt aus, als ginge es niemanden etwas an; Der größte Vorzug des Films ist die brüderliche Chemie zwischen diesen beiden.

Es lag nicht so sehr daran, dass die früheren „Fast and the Furious“-Filme realistisch waren. Aber auf ihre eigene verrückte Art hatten sie an einem Anschein von Plausibilität festgehalten. Mit ihrem Fokus auf die Straßenrenn-Subkultur und auf die spezifischen Fähigkeiten der Autos selbst waren es übertriebene Carploitation-Filme. Mit dem fünften Eintrag im Franchise wurde die Serie jedoch zu Bond – und entwickelte sich zu einer internationalen Fantasie immer fantastischerer Versatzstücke, von denen jedes lächerlicher als das andere war. Es gab keinen Grund dafür, dass es funktionierte, aber Regisseur Justin Lin (der inzwischen fünf dieser Filme betreut und das Franchise dabei von einem Kassenschlager zu einem internationalen Phänomen gemacht hat) hat genau den richtigen unbeschwerten, cartoonhaften Ton eingefangen um alles zum Singen zu bringen. „Furious 7“ hätte es fast übertroffen – und wer weiß, vielleicht wird es das mit der Zeit auch –, aber vorerst bleibt „Fast Five“ der Höhepunkt dieser Serie.

Wie lässt sich Lana und Lilly Wachowskis Adaption der beliebten Anime-Serie aus den 1960er-Jahren überhaupt beschreiben? Dies „Live-Action“ zu nennen, würde seiner wirbelnden Kinetik, seinen atemberaubenden Farben und der komplizierten, äußerst emotionalen Erzählung und dem Geschwindigkeitstempo nicht wirklich gerecht werden; Es ist, als wäre man zwei Stunden lang in einem Kaleidoskop gefangen, im besten Sinne. Emile Hirschs „Speed ​​Racer“ ist voller Tatendrang, als er versucht, das Erbe seines vermeintlich toten Bruders Rex wiedergutzumachen – John Goodman und Susan Sarandon spielen seine Eltern und Christina Ricci seine Freundin Trixie – und die Wachowskis filmen den Familienkram mit der gleichen bonbonfarbenen Hektik Sie bringen zu den Rennsequenzen. Den Regisseuren ist klar, dass der Reiz des Originals nichts mit Autos zu tun hatte, sondern vielmehr mit Cartoon-Spektakel und extremen Emotionen. Aus diesem Grund versuchen sie nicht, es in irgendeiner Weise realistisch zu gestalten – wenn überhaupt, sieht ihr Speed ​​Racer sogar noch gefälschter aus als die Serie. Aber die bahnbrechenden Effekte schaffen praktisch eine andere Ebene des Seins: etwas, das über bloße Animation oder bloße Live-Action hinausgeht. So etwas haben Sie noch nie gesehen. Und es war ein Flop, sodass Sie so etwas wahrscheinlich nie wieder sehen werden.

Obwohl er für das Fernsehen gemacht wurde, halten die meisten Leute ihn für den ersten echten Spielfilm von Steven Spielberg. Es ist sicherlich das erste Mal, dass wir einen umfassenden Einblick in sein großartiges Talent erhalten. Dennis Weaver ist der sanftmütige Pendler, der am Steuer eines Autos festsitzt, das ohne erkennbaren Grund von einem mysteriösen Sattelzug terrorisiert wird. Was als spannender kleiner Thriller beginnt, wird zu einer faszinierenden Studie über Männlichkeit. Weaver ist der ewige Schwächling, der Typ, auf den ständig getreten und beiseite geschoben wird. Sein gewaltiger, bestialischer, scheinbar unzerstörbarer Verfolger ist alles, was er nicht ist. Das Hin und Her zwischen diesen beiden Figuren – im Wesentlichen zwischen Mensch und Schicksal – hat einen köstlichen, wahnsinnigen existenziellen Kick. Außerdem ist dieser von Richard Matheson geschriebene Film einfach höllisch spannend.

In Leos Carax‘ Meisterwerk fährt der rätselhafte Monsieur Oscar (Denis Lavant) in einer Limousine durch Paris und schlüpft dabei in völlig unterschiedliche Charaktere – jede Szene scheint einen großen, emotional befreienden Moment zu ergeben … bevor Oscar einfach beiläufig zum nächsten Schritt übergeht . Was in Gottes Namen ist das? Eine religiöse Allegorie? Eine Metapher über Schauspiel und/oder Filmemachen? Eine Meditation über die sich ständig verändernde Natur der modernen Welt? Eine Vision einer treibenden Seele? Eines ist sicher: Mit dem wiederkehrenden Bild von Oscar, der in seiner Limousine durch die Stadt gefahren wird, fängt Carax eine perfekte visuelle Metapher für die episodische, etwas distanzierte Reise der Figur durch dieses bizarre Patchwork-Dasein ein.

Der Kultklassiker von Alex Cox ist eine nicht zuzuordnende Komödie über einen Punk-Kids aus der Vorstadt (Emilio Estevez), der sich mit einem erfahrenen Repo-Mann (Harry Dean Stanton) anfreundet und „den Repo-Code“ erfährt Agenten, Fernsehevangelisten und Ex-Hippies wirbeln um ihn herum. Regisseur Cox thematisiert Konsumismus, Kommerzialisierung, Kapitalismus und Konformismus, aber er ist kein Schelter. Er hat die einzigartige Fähigkeit, scharfsinnige Satire zu erschaffen und gleichzeitig unglaublich einprägsame Charaktere hervorzuzaubern, ohne zuzulassen, dass sein gerechter Zorn seinem Humanismus im Wege steht. Das Ergebnis ist ein Film, der das Punk-Ethos einer ganzen Generation von Zuschauern prägte.

Michael Manns Thriller über einen Taxifahrer aus Los Angeles (Jamie Foxx) und seinen Killer-Beifahrer (Tom Cruise) ist absolut ein Autofilm, falls Sie sich fragen: Es geht darum, wie Foxx‘ Taxi einen sicheren Kokon darstellt, durch den er das erlebt Welt, und die ihn davon abhält, das Leben an sich zu reißen, das er leben könnte. Als Cruises weißhaariger Attentäter diesen Kokon betritt, beginnt er, Foxx‘ vorsichtiges, kontrolliertes Selbstbewusstsein anzutasten; Die Taxifahrt aus der Hölle entpuppt sich als Übergangsritual. Wie passend ist es also, dass Foxx seine Identität am wichtigsten bekräftigt, wenn er mit beiden Fahrern das Taxi überfällt. Unterdessen waren Manns geliebte Stadtansichten von Los Angeles noch nie so lebendig und schön.

Monte Hellmans klassisches (und klassisch ruhiges) Roadmovie über einen Fahrer (James Taylor), einen Mechaniker (Dennis Wilson) und ein Mädchen (Laurie Bird), die mit einem Mann in einem GTO (Warren Oates) querfeldein Rennen fahren, ist irgendwie launisch , ein betörender Film, den man immer wieder sehen möchte – und der bei jedem Anschauen ein bisschen mehr offenbart. Der von Rudy Wurlitzer mitgeschriebene Film ist nicht gerade eine Metapher, nicht gerade ein Drama. Stattdessen entsteht in den gelegentlich verwirrenden Interaktionen zwischen diesen Charakteren ein seltsames kleines Ökosystem aus Konkurrenz, Co-Abhängigkeit, Groll und Entfremdung. Am unvergesslichsten sind jedoch die fantastischen Fahrsequenzen und die fast beiläufig fesselnden Darbietungen – wobei James Taylor für eine absolut intensive (und überraschend charismatische) Hauptrolle sorgte, ein idealer Kontrast für den geschwätzigen, leicht hilflosen Oates.

Die „Mad Max“-Reihe war schon immer die großartigste Autofilm-Reihe – sie vermischte die pechschwarzen dystopischen Visionen des Regisseurs George Miller mit hochstilisiertem Filmemachen und atemberaubenden, realen Auto-Stunts. Die Debatte darüber, ob Fury Road (der vierte Eintrag) The Road Warrior (der zweite) übertrifft, wird wahrscheinlich ewig dauern, aber es ist schwer zu leugnen, dass dieser neueste Teil alle oben genannten Elemente auflädt: Die Dystopie ist noch düsterer Das Filmemachen ist stilisierter und die Stunts verrückter. Sogar die Hauptrolle ist düsterer als zuvor, da Tom Hardy seinen Vorgänger Mel Gibson deutlich übertrifft. Und natürlich ist dieses Bild dasjenige, das uns so unauslöschliche Charaktere wie Imperator Furiosa und Immortan Joe präsentiert. Das wirklich Unglaubliche an „Fury Road“ ist jedoch, wie wir inmitten seiner unerbittlichen, treibenden Actionsequenzen – und dies ist wirklich ein Film, der fast nie zur Ruhe kommt – so viel über diese Charaktere und die schreckliche Welt, in der sie leben, erfahren. Es ist ein wacher Albtraum, eine atemberaubende Achterbahnfahrt und ein verwirrendes Kunstwerk.

Keine Beschwerde. Es ist absolut ein Autofilm. Klar, Martin Scorseses Meisterwerk ist kein verrückter Klassiker; Sie werden keine Autoverrückten finden, die es fetischisieren oder ähnliches. Aber in dieser Studie über Einsamkeit, Wahnsinn und Gewalt dreht sich alles um die Art und Weise, wie Taxifahrer Travis Bickle (Robert De Niro) durch die Stadt driftet – die feuchten, rauchigen Straßen bilden eine Vision der Hölle, wenn sie an seiner Windschutzscheibe vorbeigleiten. In der Art und Weise, wie es eine scheinbar undurchdringliche Grenze zwischen Travis und der Welt schafft und in der Art und Weise, wie die Figuren, die in sein Taxi steigen, jede auf ihre eigene Weise, sein Identitätsgefühl durchdringen, ist dies nicht nur ein Autofilm; Es ist der ultimative Autofilm.