Die 50 besten Serienmörderfilme aller Zeiten

Noch im Jahr 2017 schätzte eine gemeinnützige Organisation, die ungelöste Morde in der FBI-Datenbank untersuchte, dass in den Vereinigten Staaten zu jedem Zeitpunkt bis zu 2.000 Serienmörder aktiv sein könnten.

Es genügt zu sagen, dass es sich dabei nicht ausschließlich um den Stoff für die Handlung klassischer Horrorfilme handelt. Nur wenige sind Kannibalen. Nur wenige leben in weitläufigen alten Villen mit Geheimgängen und einem privaten Verlies im Keller. Noch weniger hinterlassen teuflisch komplexe Kryptografien, damit ein gehetzter, kettenrauchender Detektiv und sein Partner bei Tellern mit fettigen Diner-Eiern und schwarzem Kaffee diskutieren können. Die beängstigendere Realität ist, dass viele von ihnen als die „durchschnittlichen“ Menschen gelten, mit denen wir jeden Tag interagieren. So scheinen diese Geschichten zu laufen: Ein Serienmörder ist nicht der unheimlich aussehende Fremde, der gerade in die Stadt gerollt ist; Es ist der ruhige Nachbar, der „meistens für sich blieb“. Aber das ist nicht das, was man in Serienmörderfilmen sieht.

Vielleicht ist das der Grund, warum das Kino eine so große Faszination für die grandiosere, manische Version des Serienmörders hat – diese Geschichten begeistern uns, auch wenn sie uns von der drängenderen Gefahr und Alltäglichkeit des alltäglichen Bösen ablenken. Ungeachtet dessen ist das Konzept eines „Killers auf freiem Fuß“ schon seit fast der Zeit, in der es Filme gibt, ein fruchtbarer filmischer Boden. Gehen Sie zurück in das Kabinett des Dr. Caligari aus den 1920er Jahren und Sie haben im Grunde eine Serienmördergeschichte – allerdings eine, in der die Morde von einem hypnotisierten Schlafwandler ausgeführt werden. Aber der Punkt bleibt bestehen.

Nachfolgend haben wir die 50 besten Filme über Serienmörder zusammengestellt: eine albtraumhafte Galerie von Mördern, die sowohl fantastisch als auch verstörend alltäglich sind. Zugegeben, es gibt viele Filme über Menschen, die in Serie getötet werden – zu viele, um sie ohne einige grundlegende Parameter in Betracht zu ziehen und zu vergleichen. So definieren wir die Idee von Serienmörderfilmen.

Die Mörder in diesen Filmen müssen Menschen sein. Vampire, Werwölfe und Riesenhaie töten alle in Serie, aber sie sind per se keine „Serienmörder“.

Die Mörder können keine offensichtlichen übernatürlichen Kräfte oder Fähigkeiten besitzen. Es können keine Geister oder untote Wiedergänger sein. Das bedeutet zum Beispiel, dass sich Michael Myers aus „Halloween“ immer noch qualifizieren kann, da er definitiv ein Mensch ist, während Jason Voorhees aus „Freitag der 13.“ oder Freddy Krueger aus „A Nightmare on Elm Street“ dies nicht tun, vorausgesetzt, dass es sich (normalerweise) um einen Menschen handelt ) ein untoter Golem und der andere ist ein übernatürliches Traummonster.

Letztlich sind das alles Geschichten über echte Menschen, die andere Menschen töten. Habe es? Es gibt einige offensichtliche Überschneidungen mit unserer Liste der besten Slasher-Filme aller Zeiten, also schauen Sie sich das unbedingt auch an.

50. Stücke Jahr: 1982 Regie: Juan Piquer Simón

„Pieces“ ist eine Art alberner, kopfkratzender Slasher aus den frühen 80ern, bei dem es schwierig ist zu entscheiden, ob der Regisseur versucht, das Genre hinterlistig zu parodieren, oder ob er tatsächlich an das glaubt, was er tut. Ungeachtet dessen ist „Pieces“ ein herrlich dummer Film mit einem Mörder, der als Kind seine Mutter mit einer Axt ermordet, nachdem sie ihn ausgeschimpft hat, weil er ein unanständiges Erwachsenenpuzzle zusammengesetzt hat. Als Erwachsener verfolgt er Frauen auf einem College-Campus und sägt „Teile“ ab, um eine echte Puzzle-Frau zu erschaffen. Die einzelnen Mordsequenzen des Films sind absolut verrückt, die beste davon ist eine Sequenz, in der die weibliche Hauptrolle eine dunkle Gasse entlang geht und plötzlich von einem „Kung-Fu-Professor“ im Trainingsanzug, gespielt von „Brucesploitation“-Darsteller Bruce Le, angegriffen wird . Nachdem sie ihn außer Gefecht gesetzt hat, entschuldigt er sich und sagt, dass er „schlechtes Chop Suey“ gehabt haben muss, und verlässt den Film. Das Ganze dauert weniger als eine Minute. Pieces verfügt außerdem über einen der besten Film-Slogans aller Zeiten: „Pieces: Es ist genau das, was Sie denken!“ Wie Schlock sagt, ist es ein unangekündigter Klassiker. –Jim Vorel

49. The Clovehitch KillerJahr: 2018 Regie: Duncan Skiles

Das Leben im christlichen Kleinstadt-Amerika kann eine verdummende Wirkung auf einen Menschen haben, ihm jegliche Persönlichkeit und Vitalität entziehen und jede individuelle Identität durch ein besseres Leben durch Dogmen ersetzen. In „The Clovehitch Killer“ reproduziert Regisseur Duncan Skiles diesen Trick mit der Kamera des Kameramanns Luke McCoubrey. Der Film wird im Standbild gedreht, die Kamera ist von einer Szene zur nächsten mehr oder weniger fixiert, als ob sie von der Stimmung des routinemäßigen Summens in der Szenerie „Somewhere, Kentucky“ beeinflusst wäre. Fast keiner der Charaktere, denen wir im Film begegnen, hat einen Funken; Es handelt sich um Drohnen, die die Aufgabe haben, die Integrität des Bienenstocks gegen Eindringlinge aufrechtzuerhalten, die sich, Gott bewahre, tatsächlich die Mühe machen, jemand zu sein. In diese Dynamik verwickelt ist Tyler (Charlie Plummer), unbeholfen, ruhig und schüchtern, der Sohn von Don (Dylan McDermott), einem Handwerker und Pfadfinderführer, was bei Tyler als Pfadfinder selbst kein Ende der unausgesprochenen Bestürzung auslöst. Oberflächlich betrachtet sieht Don auch wie ein Automat aus und verhält sich auch so, mit gelegentlichen Anklängen von Humor und Wärme in seiner Eigenschaft als Vater und Pfadfinderführer. Darunter verbirgt sich jedoch etwas mehr, so vermutet Tyler zumindest: Der Clovehitch-Killer, ein Serienmörder, der einst ihre Gegend mit einer schrecklichen Mordserie heimgesucht hat, die längst abgeschlossen ist. Oder vielleicht nicht. Vielleicht hat Don einfach einen echten Kink-Fetisch und hält zum Spaß im Schlafzimmer Seile herum. Wie dem auch sei, Väter sind nicht immer die, die sie zu sein scheinen.

In Horrorfilmen dreht sich alles um das Zucken, den nervenaufreibenden Spannungsaufbau im Laufe der Zeit, der, richtig gemacht, den Zuschauer vor Angst schaudern lässt. In „The Clovehitch Killer“ wird dieses Gefühl ausschließlich durch Kunstfertigkeit und nicht durch Effekte hervorgerufen. Diese verdammte Kamera, bewegungslos und unbeweglich, ist immer bereit, das zu filmen, was sich vor ihr befindet, und schwenkt niemals herum, um neue Blickwinkel einzufangen. Was Sie sehen, ist das, was es Ihnen zeigt, aber was es Ihnen zeigt, ist möglicherweise schrecklicher, als Sie auf den ersten Blick ertragen können. Dies ist ein teuflischer Film, der mit den täuschend einfachsten Mitteln wunderbar das tut, wozu Horrorfilme gedacht sind – uns mit Angst zu quälen. – Andy Crump

48. The HitcherJahr: 1986 Regie: Robert Harmon

In Horrorfilmen liegt etwas Verlockendes an einem unerbittlichen und unaufhaltsamen Mörder, dessen Motivation nur darin besteht, unschuldiges Leben mit nihilistischer, fast übernatürlicher Leidenschaft zu zerstören. Einer der Gründe, warum das ursprüngliche Halloween immer noch so furchteinflößend ist, liegt in seiner erschreckend mühelosen Fähigkeit, Michael Myers als eine Figur des Todes selbst darzustellen: Kein Grund, kein Sinn, er wird nicht aufhören, bis man aufhört zu atmen. Das Original „The Hitcher“ operiert auf vielen der gleichen Ebenen, da die Einfachheit seiner Prämisse über ein Paar (C. Thomas Howell und Jennifer Jason Leigh, die eine Doppelrolle als Ober- und Unterkörperhälfte ihres Körpers übernimmt) verfolgt Ein mörderischer, wahnsinniger Anhalter (Rutger Hauer) nutzt das ungelöste Geheimnis rund um die Beweggründe des Mörders voll aus. (Verwandeln Sie den Lastwagen von Duel in Rutger Hauer, und Sie erhalten The Hitcher.) Der Film von Regisseur Robert Harmon strahlt eine angemessen eklige, minderwertige Aura aus, die perfekt zum philosophischen Standpunkt des Mörders passt, einem ästhetischen Ansatz, der den Machern von „The Hitcher“ entgeht das unglückselige Remake von 2007, das zu glänzend aussieht, um auf einer emotionalen Ebene zu funktionieren. Außerdem ist er bei allem Respekt vor Sean Bean kein Rutger Hauer. —Oktay Ege Kozak

47. Der Junge hinter der TürJahr: 2021 Regie: David Charbonier, Justin Powell

Das, worauf sich die Kindheitsentführungs-/Serienmördergeschichte „Der Junge hinter der Tür“ am meisten verlässt, ist nicht Nostalgie, obwohl es sich als Erwachsener möglicherweise so anfühlt. Die Kraft der Freundschaft ist es, die das Herz dieses Films bis zum Schluss mit frischem Blut versorgt. Eine echte Kindheitsverwandtschaft hat etwas so Süßes und Unzerbrechliches, und zwischen Bobby und Kevin ist diese geschätzte Bindung reif. Sie sind der Fels des anderen und ihre Dialoge und Charakterimpulse festigen dieses wichtige Puzzleteil, das ihnen durchweg hilft. Ihr Mantra „Freunde bis zum Ende“ trägt sie durch alle Prüfungen und Nöte, und es ist mehr als klar, dass ihre symbiotische Verbindung ihr größtes Kapital ist. Als Betrachter kann man bei diesem Element leicht eine tiefe Katharsis verspüren und die Gedanken werden zurück zu den idyllischen Kindheitsmomenten wandern, mit dem, der auch immer sein bester Freund war. Aber es scheint den Filmemachern auch wichtig zu sein, diese Gefühle noch einen Schritt weiter zu treiben: Ihre Geschichte macht einen so dankbar für diese Zeiten inmitten der Ungewissheit des Lebens und der Heimtücke der Menschheit, dass das Gefühl einen verunsichern wird. Und genau wie „Der Junge hinter der Tür“ sollte es auch so sein. – Lex Briscuso

46. ​​Summer of SamJahr: 1999 Regie: Spike Lee

Streng genommen geht es bei „Summer of Sam“ nicht um den Son of Sam-Mörder, der New York City im Sommer 1977 mit der Waffe seiner Wahl, einer Handfeuerwaffe vom Kaliber 44, terrorisierte – es ist für Regisseur Spike Lee eine Rückkehr zur Untersuchung, wie viel irreversibler Schaden unbegründet ist Paranoia und unkontrollierte Vorurteile können sich auf Nachbarschaften, Freundschaften und Beziehungen auswirken. In gewisser Weise handelt es sich bei „Summer of Sam“ um eine Mini-Runderneuerung von „Do The Right Thing“, die sich weniger offen auf die Rasse konzentriert und mehr darauf, wie die Gesellschaft Menschen an den Rand drängt, die, aus welchen Gründen auch immer, anders sind. Als Richie (Adrian Brody) in sein konservatives italienisches Viertel zurückkehrt und sich wie ein stolzes Mitglied einer britischen Punkband verkleidet und benimmt, ist die sofortige Reaktion seiner alten Freunde, dass er ein Freak ist und daher für die Morde verantwortlich sein muss, die die Stadt heimsuchen . Lee behandelt die Heldentaten von „Son of Sam“ als Nebenhandlung – „Summer of Sam“ wirkt vielleicht etwas aufgebläht und überlang, mit zu vielen Charakteren und Nebenhandlungen – und trägt tatsächlich dazu bei, den Schock über die Morde im Film zu verstärken: Die Todesszenen fehlen die übliche Spannung eines normalen Serienmörderfilms, sodass die Gewalt plötzlich beginnt und plötzlich endet, wenn der Mörder sich seinen Opfern beiläufig nähert und seine Waffe leert, sodass wir über die Sachlichkeit des Films nachdenken können, im direkten Gegensatz zu mehr seltsam makabere Sequenzen, etwa wenn der Mörder ein Gespräch mit einem Hund führt. —Oktay Ege Kozak

45. Creep 2Jahr: 2017 Regie: Patrick Brice

„Creep“ war kein Film, der nach einer Fortsetzung bettelte. Über einen der außergewöhnlichsten Serienmörder des Kinos – einen Mann, der scheinbar eine enge persönliche Bindung zu seinem Ziel aufbauen muss, bevor er sie als Beweis seiner „Kunst“ loslässt – war das Original von 2014 ausreichend autark. Aber „Creep 2“ ist dieser seltene Nachfolger, bei dem das Ziel offenbar nicht „Lass es uns noch einmal machen“, sondern „Lass uns tiefer gehen“ zu sein scheint – und mit „tiefer“ meinen wir viel tiefer, da dieser Film die Psyche des zentralen Psychopathen auslotet ( (der jetzt an Aaron (Mark Duplass) vorbeikommt) auf völlig unerwartete und erschreckend aufrichtige Weise, während wir Zeuge eines Mörders werden (und irgendwie mit ihm sympathisieren), der seine Leidenschaft fürs Morden und damit auch seine Lebensfreude verloren hat. Tatsächlich verzichtet der Film beinahe auf die Idee, ein „Horrorfilm“ zu sein, und bleibt es nur, weil wir um die Gräueltaten wissen, die Aaron in der Vergangenheit begangen hat Verletzlichkeit. Desiree Akhavan ist atemberaubend als Sara, die einzige andere Hauptdarstellerin des Films, die eine Figur schafft, die in der Lage ist, sich auf eine humanistische Art und Weise mit Aaron zu verbinden, wie es ein Fan des ersten Films nicht für möglich gehalten hätte. Zwei Darsteller legen alles offen, sowohl im wörtlichen als auch im übertragenen Sinne: „Creep 2“ ist einer der überraschendsten und emotionalsten Horrorfilme der letzten Zeit. –Jim Vorel

44. Serial MomJahr: 1994 Regie: John Waters

Als stets vorausschauender Dreckskerl und Raffinesse hat John Waters Amerikas wahre Verbrechensfixierung vorhergesehen – im Gefolge der Menendez-Brüder und der Pamela-Smart-Prozesse, noch vor Gus Van Sants bahnbrechendem „To Die For“ und im Glanz der Morde an OJ Simpson die augenzwinkernde Serienmutter. Als Farce im Vordergrund versteht Waters voll und ganz, welche Macht es hat, wenn Kathleen Turner die titelgebende Mörderin spielt, eine Frau, deren Attraktivität, Häuslichkeit und Klassenstatus ihr das unverdiente Mitgefühl und die Vergebung verschaffen, die ihre abscheulichen Verbrechen erfordern, um fortzufahren, aber sie scheut nie davor zurück, Gegenüberstellungen zu machen die Freundlichkeit von Beverly Sutphins (Turner) Verhalten mit der faulen Natur ihrer Psyche, was einen ebenso verstörenden wie urkomischen Film über den korrupten Kern des Verlangens der Gesellschaft nach solchen beschissenen Dingen ergibt. Auch wenn ihre Familie versucht, ihr mörderisches Verhalten einzudämmen, gelingt es Beverly, das Leben derjenigen zu beenden, deren Leben sie beenden möchte. Ihr Mann (Sam Waterston), ihre Tochter (Ricki Lake) und ihr Sohn (Matthew Lillard) sind der Flut der Einschaltquoten hilflos ausgeliefert und Nielsen-Zahlen arbeiten daran, sie zu vereiteln. Da es kaum Raum für Diskussionen gibt, schiebt Waters uns die Schuld für dieses unbeschwerte Elend in die Schuhe und betont, dass wir mit jedem bisschen Elend im Reality-TV, das wir konsumieren, einen anderen Psychopathen ermutigen, diesen zusätzlichen Schritt in Richtung seiner eigenen 15 Minuten finsterer Berühmtheit zu wagen. –Dom Sinacola

43. Black WidowRegie: Bob Rafelson Jahr: 1987

Regisseur Bob Rafelson, zu dessen Werken unter anderem „Five Easy Pieces“ und die Neuverfilmung von „Der Postmann klingelt zweimal“ aus dem Jahr 1981 zählen, bringt die Femme-Fatale-Einbildung auf die Spitze und liefert einen modernen Noir, der durch zwei erstklassige Hauptdarsteller aufgewertet wird. Debra Winger verkörpert die Rolle des FBI-Agenten Alex, der von dem Täter einer Reihe ungelöster Ehen und Morde besessen wird. Theresa Russell spielt Note für Note die Goldgräber-Füchsin Catharine, die im langen Trick ebenso gut ist wie im Katz-und-Maus-Spiel mit Wingers eintönigem Anzug. Dann ist da noch die unglaubliche Menge an Recherche, die damit verbunden ist – Catharine über die Leidenschaften ihrer zukünftigen Opfer, Alex über ihren Verdächtigen. Es ist klug, mit pointierten Geschlechterkommentaren obendrein. Die schlichte Jane Fed spielt Feindschaft mit dem glamourösen Chamäleon, während der großartige Kameramann Conrad L. Hall (Cool Hand Luke, American Beauty) für Spannung im Schatten sorgt, um so Russells stählerne Augen und Porzellanfurnier hervorzuheben – sie ist schaurig. Bonuspunkte gibt es für einen witzigen Cameo-Auftritt von Dennis Hopper als einer von Catharines Figuren und der geilen, langhaarigen Diane Ladd als einer seiner Verwandten. –Amanda Schurr

42. Death ProofJahr: 2007 Regie: Quentin Tarantino

Kurt Russell spielt den Serienmörder Stuntman Mike in Death Proof, Quentin Tarantinos Hälfte des Doppelfilms Grindhouse, aber die Autos sind die wahren Stars. Wie in all seinen Werken erfüllt Tarantino das Leben seiner vielfältigen Figurenmenagerie mit seiner typischen Mischung aus banalem, popkulturellem Dialog und wahnsinniger Gewalt. In einer aufregenden Sequenz klammert sich die echte Stuntfrau Zoe Bell in einer der großartigsten Verfolgungsjagden der Filmgeschichte gefährlich an die Motorhaube eines rasenden Autos. Letztlich wird „Death Proof“ nie als eines von Tarantinos „Hauptwerken“ gelten – insbesondere nach den jüngsten Enthüllungen über Uma Thurmans Autounfall am Set von „Kill Bill“ –, aber es ist immer noch ein befriedigender Adrenalinstoß, zu sehen, wie Stuntman Mike endlich versteht, was ihn erwartet zu ihm. –Tim Basham

41. Deranged: Confessions of a NecrophileJahr: 1974 Regie: Alan Ormsby, Jeff Gillen

Stellt man sich „Deranged“ als lose Fortsetzung von „Kevin – Allein zu Hause“ vor, werden Buzz‘ große Geschichten über den gruseligen Nachbarn zu echten Albträumen. In Alan Ormsbys und Jeff Gillens fiesem kanadischen Kult-Kuriositätenroman spielt Roberts Blossom Ezra Cobb (seine einzige Hauptrolle, die jedoch nie annähernd die Aufmerksamkeit erlangte, die er als missverstandener Old Man Marley erlangte), einen zutiefst beunruhigenden Kleinstadt-Verrückten der eine beunruhigende Obsession mit seiner kürzlich verstorbenen Mutter hegt, die sich natürlich zu einem mörderischen Amoklauf entwickelt, um weitere Leichen zu sammeln, um den Leichen seiner Mutter Gesellschaft zu leisten. Wie die meisten Geschichten über Serienmörder basieren Ezras psychische Leiden großzügig auf der morbiden Faszination der Popkultur für die – hust – geistesgestörten Individuen, die es in jedem domestizierten Winkel des Planeten gibt und ihre Neurosen tarnen, um innerhalb der Gesellschaft zu funktionieren, und so greift Deranged auf die Geschichte von zurück Ed Gein scheint sich so sehr an dem schockierenden Realismus von „The Texas Chain Saw Massacre“ zu orientieren, der im selben Jahr herauskam (die beiden Filme basieren wahrscheinlich auf demselben kollektiven Pool unbewusster jungianischer Ängste) und genießt es, ein Tabu nach dem anderen zu brechen , unbeeindruckt von der Grausamkeit, die auf der Leinwand dargestellt wird. „Deranged“ wird tatsächlich ekelhaft, seine letzten Momente zeigen, dass dies, wie so viele Filme seiner Art, nur in einem gottlosen Universum passieren kann, einem Universum, in dem es keinen Grund und Zweck für das Böse gibt. Dabei liefert Blossom eine Leistung ab, die einem den Magen umdreht, sein Gesicht ist ein Friedhof aus Schatten und schrecklichen Erinnerungen, die auf ein Jim-Carrey-ähnliches Maß an Elastizität gebracht werden, das ebenso unmenschlich wie rein körperlich ist. Rückblickend versteht man Buzz‘ Warnungen, so manipulativ sie auch gewesen sein mögen: Blossoms Gesicht ist das Gesicht eines Mannes, der einen unschuldigen Passanten mit einer Schneeschaufel zu Tode prügeln könnte, ohne mit der Wimper zu zucken. –Dom Sinacola

40. I Am Not a Serial KillerJahr: 2016 Regie: Billy O'Brien

Oberflächlich betrachtet fühlt sich dieses übersehene Juwel aus dem Jahr 2016 denjenigen, die vielleicht Serien wie „Dexter“ gesehen haben, auf subtile Weise bekannt an: Ein Junge (Max Records) mit ausgeprägten soziopathischen Tendenzen befürchtet, dass er „das Schicksal“ habe, ein Serienmörder zu werden, und lebt daher nach einem Plan von Regeln, die die Menschen um ihn herum schützen sollen. Aber der Film macht den ungewöhnlichen Unterschied, dass die Menschen um ihn herum den geistigen und emotionalen Zustand des jungen John Wayne Cleaver viel besser verstehen, als es für Filme dieses Genres typisch ist – sie versuchen zumindest, Verbündete zu sein, ob er es sehen kann oder nicht nicht. „Records“ ist in der Hauptrolle fesselnd und zeigt eine Faszination für das eklige Innenleben des menschlichen Körpers und der menschlichen Verfassung, während der 78-jährige Christopher Lloyd als Johns schwankender, aber gefährlicher Nachbar die Show stiehlt. Low-Budget, aber blutrünstig und stilvoll: „I Am Not a Serial Killer“ ist ein Film, dessen letzter Akt von der erwarteten Erzählung auf eine Art und Weise abweicht, die gelinde gesagt schockierend sein mag, die aber durchwegs absolut im Griff behält Grundthemen Emotion, Familie und Prädestination. –Jim Vorel

39. ManiacJahr: 2012 Regie: Franck Khalfoun

Maniac ist eine ziemlich beeindruckende Neuinterpretation des gleichnamigen Exploitation-Horrorfilms aus dem Jahr 1980, ein Versuch, Grindhouse-Material in ein modernes Gewand zu verwandeln, das gleichermaßen schockierend und zum Nachdenken anregt. Elijah Wood liefert eine transformative Darstellung des Mörders Frank Zito ab, auch wenn man Woods Gesicht fast nie sieht, da der gesamte Film aus der Perspektive des Mörders gedreht wird – ja, der gesamte Film. Vielmehr hört das Publikum das laufende Hintergrundgeräusch seines Wahnsinns, während er vor sich hin murmelt und seine weiblichen Opfer verfolgt. Seien Sie gewarnt: Die Gewalt von „Maniac“ ist selbst für erfahrene Horror-Veteranen schwer zu sehen, und die ständige POV-Aufnahme aus der Perspektive des Mörders löst beim Zuschauer sofort ein Schuldgefühl wegen ihrer Mitschuld und ein schlechtes Gefühl wegen ihrer Solidarität mit dem Mörder aus. Manche würden ihn in Bezug auf seine Brutalität als zu unbegründet bezeichnen, aber der Film ist in seinen künstlerischen Zielen so sicher, dass es schwierig ist, der Kritik standzuhalten. Mit einer Partitur aus abwechselnd Carpenter-artigem Synthesizer und klassischer/Opernmusik ist „Maniac“ ein Arthouse-Gore-Film, falls es jemals einen gab. –Jim Vorel

38. CruisingJahr: 1980 Regie: William Friedkin

William Friedkins „Cruising“ löste bei seiner Erstveröffentlichung Aufruhr und Protest aus. Der Regisseur tauchte erneut in die schwule Subkultur ein, und obwohl er aus den alkoholgetränkten Mittelklassewohnungen von „The Boys in the Band“ (1970) in den Untergrund wechselte, schweißbefleckte Lederstangen, wenig verändert in Bezug auf die Art und Weise, wie er sich vorstellte, wie schwule Männer ihre eigenen Ängste und Wünsche konzeptualisierten. Außenseiterperspektive hin oder her, die Verbindung zwischen seiner Adaption von Mart Crowleys Albee-artigem Stück und Gerald Walkers breiigem Noir-Thriller ist selbsthassend, denn beide handeln von erwachsenen Männern, deren gesamte Identität davon abhängt, wie gut sie sich selbst betäuben können. Friedkins Cruising fasst diese Angst in die Geschichte eines Polizisten, Steve Burns (Al Pacino), ein, der sich verdeckt in die New Yorker Lederkultur begibt, um einen Serienmörder zu finden, der am Tatort Männer ermordet. Friedkens Zusammenhang zwischen Sex und Tod wird durch seine Seltsamkeit noch verstärkt. Wenn der Regisseur einen schlauen, wandernden Blick hat, erscheint es logisch, dass auch Pacinos „Burns“ von einer Manifestation der Männlichkeit fasziniert, abgestoßen, angezogen und fasziniert ist, die bewusst Fremdes und Vertrautes vermischt. Wie eine Mischung aus der Gefahr toxischer Männlichkeit und einer prophetischen Meditation über die AIDS-Krise (der erste Bericht über AIDS wurde erst am 3. Juli 1981 in der New York Times veröffentlicht), ist „Cruising“ atemberaubend als der widerwillige Ausflug eines Mannes auf ein schwules Kaninchen (Glory) Loch. —Kyle Turner

37. XYJahr: 2022 Regie: Ti West

„X“ ist für Regisseur Ti West eine bemerkenswerte und unerwartete Rückkehr zur Form, ein Jahrzehnt von einem früheren Leben als „aufstrebender“ angehender Horrorautor entfernt, der in den letzten zehn Jahren hauptsächlich als Söldner-TV-Regisseur gearbeitet hat. Auf solch spritzige Weise zurückzukehren, durch eine A24-Neuinterpretation des klassischen Slasher-Films, der als erster Film einer neuen Trilogie oder sogar mehr gedacht ist, ist die beeindruckendste Wiederauferstehung, die wir in der jüngsten Vergangenheit im Horror-Genre gesehen haben. „X“ ist eine schillernde Kombination aus angenehm Vertrautem und äußerst Exotischem, mit sofort erkennbarer Struktur, aber tieferem Thema, Reichtum und Zufriedenheit als fast alle seiner Mitbewerber. Wie viele Versuche mit Retro-Slasher-Stylings haben wir in den letzten fünf Jahren gesehen? Die Antwort wäre „unzählig“, aber nur wenige kratzen an der Oberfläche der Spannung, Spannung oder gar des Pathos, die X in eine von einem Dutzend oder mehr Szenen stopft. Es ist ein Film, der uns unerwartet dazu bringt, uns nach seinen Charakteren zu sehnen, uns (anschaulich) ihren Verletzlichkeiten aussetzt und sogar zutiefst sympathische „Bösewichte“ hervorbringt – aus Gründen, die immer klarer werden, wenn wir erkennen, dass dies nur das erste Kapitel einer umfassenderen Geschichte ist Horrorfilme, die einen ironischen Kommentar dazu liefern, wie die Gesellschaft durch das Kino geprägt wird. Mit fesselnder Kinematographie, exzellentem Sounddesign und Charakteren, die tiefer gehen als die breiten Archetypen, die sie zunächst als ein abgestumpftes Horrorpublikum wahrnehmen, bietet „X“ eine moderne Meditation über die blutige Grausamkeit von Mario Bava oder Lucio Fulci und lässt alte Hits einmal frisch, zeitgemäß und eklig wirken wieder. Im Jahr 2022 ist dieser Film ein echtes Geschenk an das Konzept des Slasher-Kinos. –Jim Vorel

36. The CellJahr: 2000 Regie: Tarsem Singh

Die Karriere des Regisseurs Tarsem Singh hat es nie ganz geschafft, das Versprechen einzulösen, das erstmals im Jahr 2000 in „The Cell“ zu sehen war. In dieser futuristischen, fantasievollen Variante von „Das Schweigen der Lämmer“ taucht eine Psychologin (Jennifer Lopez, damals, als sie in erster Linie Schauspielerin war) durch ein experimentelles Stück in die verdrehten Gedanken eines Serienmörders (eines nicht wiederzuerkennenden Vincent D'Onofrio) ein Technologie, die es ermöglicht, das Bewusstsein einer Person in das Unterbewusstsein einer anderen Person einzufügen. Als Vorbote von „Inception“ ist „The Cell“ zuweilen verblüffend fantasievoll, ein visuelles Fest, das an Clive Barkers Fixierung auf Grandiosität und Sadomasochismus erinnert, als Lopez auf die mentale Projektion des Mörders trifft, der sich als allmächtiger Gottkönig in einer verdrehten Gestalt verkleidet und verhält Traumwelt wie etwas aus HP Lovecraft. Manchmal ungeschliffen und selbstgefällig, muss man dennoch seine pure Chuzpe bewundern. Wenn einer dieser Filme 2018 als Folge von Black Mirror neu gedreht würde, wäre es wahrscheinlich dieser. –Jim Vorel

35. TenebraeJahr: 1982 Regie: Dario Argento

Wenn Sie ein Ultraviolett-Horrorbuch schreiben würden und wenn Ihr Ultraviolett-Horrorbuch einen alltäglichen Psychopathen zu seinem eigenen Ultraviolett-Tötungsrausch inspirieren würde, würden Sie sich dann abschrecken lassen oder es als Kompliment auffassen? Vielleicht ist das nicht die Frage, die Dario Argento in seinem berüchtigten Giallo-Film Tenebrae von 1982 stellt, aber die Handlung erinnert an ein bestimmtes altes Sprichwort über Nachahmung und Schmeichelei: Der amerikanische Autor Peter Neal (Anthony Franciosa) reist nach Italien, um für sein neues Buch zu werben, und findet heraus, dass ein Serienmörder auf freiem Fuß ist, der durch Neals Bibliographie ermutigt wird und in seinem Namen Römer ermordet. Das muss sich für Neal ziemlich gut anfühlen, wenn auch nicht so sehr für die Opfer des Mörders. Der Typ steht nicht gerade auf Effizienz; Er zieht es vor, seine Beute leiden zu lassen, was angesichts der Quelle von Tenebrae keine Überraschung sein sollte. (Argento steht auch nicht auf Effizienz. Wenn ihm danach ist, tötet er Menschen mit zufälligen Vorräten an Stacheldraht.)

Tenebrae ist, mehr als andere Argento-Filme, schwer anzusehen; Es ist eine besonders blutige Angelegenheit, aber sein künstlerischer Wert erfordert, dass wir ihn als unverzichtbares Kino betrachten. Der Film inszeniert arterielle Geysire, um seine Sets ebenso oft in Purpur zu tauchen, wie er Argentos eigene verdrehte Genüsse als Filmemacher zugibt. Er eröffnet den Film mit einer Erzählung darüber, wie man Freiheit findet, indem man um Christi willen das Leben nimmt. Du findest es heraus. Es ist nicht so, dass Argento Mord oder etwas so Verrücktes gutheißt; Es geht vielmehr darum, dass er bereit ist, seine hoffnungslose Fixierung auf die Darstellung von Morden auf der Leinwand zuzugeben. Welcher vernünftige Mensch kann es Ihnen verübeln, wenn Sie über eine so große Begabung für solche Dinge verfügen wie Argento? – Andy Crump

34. FrenzyJahr: 1972 Regie: Alfred Hitchcock

Hitchcocks vorletzter (und wohl letzter großer) Film ist auch sein gruseligster. Als die Filmzensur in den 1970er Jahren etwas lockerer wurde, durfte Hitchcock mehr Gewalt und sogar etwas Nacktheit zeigen. Nach heutigen Maßstäben ist es immer noch harmlos, aber die Geschichte eines Londoner Serienmörders, der seine weiblichen Opfer mit einer Krawatte vergewaltigt und erwürgt, ist ein Meister der Spannung in seiner anschaulichsten Form, behält aber die typisch kurvige Handlung bei, die man erwarten würde. —Bonnie Stiernberg

33. Black ChristmasJahr: 1974 Regie: Bob Clark

Interessante Tatsache: Neun Jahre bevor er den Weihnachtsklassiker „A Christmas Story“ inszenierte, schuf Bob Clark mit „Black Christmas“ den ersten echten, unangreifbaren „Slasher-Film“. Ja, dieselbe Person, die TBS den alljährlichen Heiligabend-Marathon lieferte, war auch für die erste große filmische Anwendung des Satzes „Die Anrufe kommen aus dem Inneren des Hauses!“ verantwortlich. „Black Christmas“, das 2006 langweilig neu verfilmt wurde, ist vier Jahre älter als John Carpenters „Halloween“ und weist viele der gleichen Elemente auf, insbesondere optisch. Wie an Halloween bleibt es stark bei POV-Aufnahmen aus den Augen des Mörders, während er durch ein schwach beleuchtetes Studentenwohnheim streift und seine zukünftigen Opfer ausspioniert. Als der geistesgestörte Mörder im Haus anruft und obszöne Telefongespräche mit den weiblichen Bewohnern führt, muss man unweigerlich an die Szene in Carpenters Film erinnert werden, in der Laurie (Jamie Lee Curtis) ihre Freundin Lynda anruft, nur um sie zu hören mit dem Telefonkabel erdrosselt. Black Christmas ist auch maßgeblich und praktisch archetypisch dabei, den Slasher-Stil des sogenannten „Final Girl“ zu festigen. Jessica Bradford (Olivia Hussey) gehört tatsächlich zu den verwirklichteren dieser letzten Mädchen in der Geschichte des Genres, eine bemerkenswert starke und einfallsreiche junge Frau, die sowohl in ihren Beziehungen als auch in tödlichen Szenarien für sich selbst sorgen kann. Es ist fraglich, wie viele nachfolgende Slasher es geschafft haben, Protagonisten zu erschaffen, die eine so glaubwürdige Kombination aus Können und Realismus darstellen. –Jim Vorel

32. Parfüm: Die Geschichte eines MördersJahr: 2006 Regie: Tom Tykwer

Ein Waisenkind mit einem übermenschlichen Geruchssinn macht die verblüffende Entdeckung, dass er keinen eigenen Geruch hat, und seine Suche nach dem ultimativen Parfüm nimmt eine sehr düstere Wendung. Die Adaption von Patrick Susskinds Roman „Parfüm“ spielt im Frankreich des 18. Jahrhunderts und spielt in „Parfüm: Die Geschichte eines Mörders“ mit Ben Whishaw als Jean-Baptiste Grenouille, einem unglücklichen Bengel, der an einen Gerber verkauft wird, aber eine Ausbildung zum Parfümeur findet. Der Parfümeur (Dustin Hoffman) schickt ihn schließlich zu den Parfümmeistern nach Grasse, Frankreich, um Enfleurage zu erlernen, die Kunst, Essenzen durch Überziehen mit Fett zu extrahieren. Jean-Baptiste interessiert sich allerdings nicht für Jasmin und Lavendel. Er möchte die Essenz der Menschen, insbesondere der schönen Jungfrauen, destillieren und reproduzieren. Daher begibt er sich natürlich auf eine Mordserie, um persönliche Gerüche einzufangen. Letztendlich wird er gefasst und für eine sehr grausame Hinrichtung vorgesehen, aber er hat das Parfüm, das er von den Frauen, die er getötet hat, gebraut hat, versteckt und bedeckt sich damit, was alle dazu veranlasst, zu erklären, er sei unschuldig und möglicherweise ein Engel, was eine Raserei auslöst, in der die Die Stadtbewohner verschlingen ihn.

Der von Tom Tykwer inszenierte Film erhielt gemischte Reaktionen von Kritikern, wobei allgemeiner Konsens herrschte, dass die hervorragende Kameraführung durch ein nicht gerade herausragendes Drehbuch untergraben wurde. (Selbst Alan Rickman als wohlhabender Antoine Richis, Vater des letzten Opfers, konnte zeitweise nicht hundertprozentig überzeugend klingen.) Fans des Romans könnten die Abweichungen des Films als störend empfinden, und es ist eine große Herausforderung, den Sinn dafür erfolgreich hervorzurufen Geruch auf Film. Allerdings sollte jeder Kenner von Serienmörderfilmen diesen Film im Gepäck haben, schon allein wegen des ungewöhnlichen und leicht magischen, hohen Konzepts. Hinter der ungleichmäßigen Schrift verbergen sich ziemlich tiefe philosophische Fragen über die Natur der menschlichen „Essenz“ oder Seele und wie es wäre, ohne sie zu sein. –Amy Glynn

31. ManhunterJahr: 1986 Regie: Michael Mann

Damals erhielt er gemischte Kritiken, sein hyperästhetischer Reiz war überraschenderweise etwas zu sehr für den Geschmack des Publikums Mitte der 80er Jahre. Mehr als 30 Jahre später stellt „Manhunter“ (vielleicht ironischerweise) dar, wie sich die Mitte der 80er für diejenigen anfühlte, die es fühlten Ich kann mich nicht mehr genau daran erinnern. Mit anderen Worten, es ist ein Film, der nicht in der Zeit stecken geblieben ist, ein Produkt eines Jahrzehnts, das längst vergangen ist, aber so surreal und voller Symbolik und hervorragend manikürt, dass es den Anschein hat, als ob darin Generationen des Schreckens zu verbergen wären. Manhunter, die erste von vielen Adaptionen der Romane von Thomas Harris, hat das Modell entworfen und den Ernstfall für jede Folge festgelegt, indem er traumhafte Bilder mit einem sorgfältigen Polizeiverfahren verknüpfte und versuchte, die erschütternde emotionale Erfahrung eines FBI-Profilers darzustellen ohne dabei am Melodram zu sparen.

Währenddessen zieht Mann große, abstruse Linien um den Serienmörder im Zentrum des Films – einen lakonischen Mann, Francis Dollarhyde (Tom Noonan), die sogenannte „Zahnfee“, der jede Szene mit einer Vorahnung erfüllt versprechen, dass er eine Person ist, deren Realität eine fragile Täuschung ist. Brian Cox geistert am Rande des Films herum, der erste Schauspieler, der Hannibal Lecktor bewohnt (aus irgendeinem Grund wurde er zuerst so geschrieben), die Manifestation von Agent Will Grahams (William Peterson) Identität, ein Gegenstück zum „Guten“ und ein Psychopath dessen mangelndes Einfühlungsvermögen Manns intuitives Gespür für die Bildgestaltung noch deutlicher macht. Begünstigt durch DP Dante Spinottis Bereitschaft, Farben so zu behandeln, als würde er ein Giallo anzünden, ebenso wie einen Miami Vice-gesinnten Krimi-Thriller, fand Mann in „Manhunter“ schon früh in seiner Karriere ein Gleichgewicht zwischen den düsteren Details der Ermittlungsarbeit der Polizei und der abstrakten, zerebralen Gewalt der Ermittlungen sich. Dollarhyde möchte nur gewollt werden, also tötet er, um von seinen Opfern wirklich „gesehen“ zu werden, was ihn dann in seinen Gedanken in etwas Mächtiges verwandelt. Manhunter verhält sich ähnlich und wird stärker, je intensiver man hineinstarrt. –Dom Sinacola

30. Deep RedJahr: 1975 Regie: Dario Argento

Dario Argentos Filme lassen sich leicht aus einer Reihe von Polizeiauftritten herauspicken, denn wenn man all seine kleinen Macken zusammenzählt, ergeben sie sofort einen ikonischen Stil. „Deep Red“ ist einer dieser Filme, die einfach kein anderer hätte machen können – Mario Bava hätte es versuchen können, aber er hätte weder den typischen Soundtrack der Argento-Kollaborateure Goblin noch die treibende, exzentrische Kameraführung gehabt, die uns ständig in Frage stellt ob wir nun aus der Perspektive des Mörders schauen oder nicht. Und die Geschichte ist ein klassischer Giallo-Krimi: Nach der brutalen Trennung einer deutschen Hellseherin (Macha Méril) beginnt ein Musiklehrer (David Hemmings), der in ihrem Gebäude wohnt, die Einzelteile zusammenzusetzen, um das Mordgeheimnis zu lösen, und deckt eine tragische Familiengeschichte auf . Unterwegs erhält jeder, der der Antwort nahe kommt, von einem mysteriösen Angreifer mit schwarzen Lederhandschuhen ein Fleischerbeil an den Kopf – außer denen, die auf viel schlimmere und grausamere Weise sterben. Argento hat ein echtes Gespür dafür, was körperlich beunruhigend anzusehen ist – er nimmt Szenen, die für das Horror-Genre „Standard“ sind, und macht sie viel unangenehmer, als man denken würde, wenn man einfach eine Beschreibung der Sequenz liest. In Argentos Händen wird ein Hiebmesser zum Pinsel. –Jim Vorel

29. CreepJahr: 2014 Regie: Patrick Brice

Creep ist ein etwas vorhersehbarer, aber fröhlich verrückter Indie-Horrorfilm, das Regiedebüt von Patrick Brice, der auch The Overnight aus dem Jahr 2015 veröffentlichte. Mit dem immer produktiven Mark Duplass in der Hauptrolle handelt es sich um eine Charakterstudie über zwei Männer: einen naiven Videofilmer (gespielt von Brice) und einen nicht ganz so heimlich psychotischen Einsiedler (Duplass), wobei letzterer den ersteren anheuert, um sein Leben draußen in einer Hütte zu dokumentieren der Wald. Der Found-Footage-Zweihandfilm basiert ausschließlich auf seinen Darbietungen, die ausgezeichnet sind, wobei das frühe Hin und Her zwischen den beiden mit einer Art unangenehmer Intensität knistert. Duplass, der in so etwas wie „Safety Not Guaranteed“ charmant und verrückt sein kann, glänzt hier als geistesgestörter Verrückter, der sich in das Leben des Protagonisten drängt und ihn in jedem wachen Moment verfolgt. Jeder, der sich mit Genres auskennt, wird zweifellos sehen, wohin es führt, aber es ist immer noch ein gut gemachter Ritt, der auf der Stärke der Chemie zwischen seinen beiden Hauptdarstellern basiert und mich auf eine Art und Weise an die Szenen zwischen Domhnall Gleeson und Oscar Isaac in „Ex“ erinnert Machina. –Jim Vorel

28. Blood and Black LaceJahr: 1964 Regie: Mario Bava

Man kann Filmen wie „Psycho“ oder „Peeping Tom“ zugute halten, dass sie den Grundstein für das Slasher-Genre gelegt haben, und „Black Christmas“ von 1974 dafür, dass er erstmals alle Elemente zu einem unbestreitbar „Slasher-Film“ zusammengeführt hat, aber Mario Bavas grundlegender „Giallo“ von 1964 kommt dem so nahe um diesen Titel als erster „wahrer“ Slasher in fast jeder Hinsicht fast zu verdienen. „Blood and Black Lace“ ist ein absolut wunderschöner, prächtiger Film, den man umso besser auf der großen Leinwand sehen kann, wenn man kann, mit dramatischen Spritzern von Primärfarben, die mit maximaler Wirkung eingesetzt werden. Die Geschichte ist eine Mischung aus düster-komischem Krimi und spannungsgeladener Ausbeutung, in der eine Schar weiblicher Models von einem mysteriösen Angreifer verfolgt wird, dessen Gesicht von einer undurchdringlichen Strumpfmaske mit ausdruckslosen Gesichtszügen bedeckt ist – ein Mörder, der in jeder Hinsicht so aussieht die DC Comics-Figur The Question. Es handelt sich um ein sofort ikonisches Bild, das sich in ein ganzes italienisches Genre eingeprägt hat, und die nachfolgenden Mörder spiegelten so viele Merkmale des Mörders dieses Films wider, von den schwarzen Handschuhen und dem langen Mantel bis hin zur Maske selbst. Obwohl viele versuchten, die Optik nachzuahmen, konnten nur sehr wenige mit der Dekadenz und dem Gefühl von luxuriösem (und tödlichem) Exzess mithalten, die Bava in „Blood and Black Lace“ einfängt. –Jim Vorel

27. Das Element des VerbrechensJahr: 1984 Regie: Lars Von Trier

Während Lars von Trier seine Ausbildung an der führenden Filmhochschule Kopenhagens absolvierte, feierte sein verdrehter kleiner Verstand 1984 mit „Das Element des Verbrechens“ sein verheißungsvolles Debüt. Schon vor „Dogma 95“, in dem er eine Reihe von Regeln aufstellte, nur um sie dann reumütig zu brechen, beschäftigte sich von Trier damit von Anfang an auf dem Subversiven. Diese Neo-Noir-Erkundung von Schuld und Besessenheit legte den Grundstein für Filme wie „Europa“ mit seinem kniffligen traumwandlerischen Ton und sogar für Filme wie „Nymphomaniac“, in denen er erneut die Grenzen des Verlangens und der Zerstörung zwischen Männern und Frauen austestete. In „The Element of Crime“, seiner postapokalyptischen Vision von Europa (Teil seiner „Desintegration of Europe“-Trilogie), erinnert sich ein ehemaliger Polizist und derzeitiger Expat-Detektiv, Fisher (Michael Elphick), an seinen letzten Fall, bei dem es um einen Serienmörder ging der junge Mädchen erwürgte, vergewaltigte und verstümmelte. Ebenso von Blade Runner wie von Kafka beeinflusst, spinnt von Trier eine klassische Geschichte der spirituellen Vernichtung durch Nachahmung: Fisher verwendet ein Buch mit dem Titel „Das Element des Verbrechens“, um sich mit dem Mörder zu identifizieren, und beginnt daher zu sehen, wie er mit ihm verschmilzt schwer fassbarer Täter. Von Trier drückte direkt von Anfang an den Knopf, seine Palette war urinfarben und grell und seine Obsessionen provozierend. Mit seinem ersten Spielfilm etablierte sich der dänische Regisseur bewusst als unvergleichliches Enfant terrible. —Kyle Turner

26. The Bad SeedJahr: 1956 Regie: Mervyn LeRoy

„The Bad Seed“ ist eines der verstörendsten amerikanischen Porträts reiner Psychopathie oder Soziopathie und stammt aus der am wenigsten verdächtigen Quelle: einem 8-jährigen Mädchen. Die durchdringenden Augen der kleinen blonden Rhoda (Patty McCormack) mit den Zöpfen sind erschreckend anzusehen, umso mehr, wenn wir anfangen zu ahnen, was sich hinter ihrer Fassade verbirgt. Rhodas Fähigkeit, mit listiger List zu funktionieren und ihr wahres Selbst zu verbergen, lässt auf Personen wie Patrick Bateman oder Henry in „Henry: Porträt eines Serienmörders“ schließen, aber die scheinbare Leichtigkeit, mit der sie dies tut, ist besonders beunruhigend. Es könnte kein We Need to Talk About Kevin geben, wenn The Bad Seed nicht die Frage stellen würde: Was ist die Natur des angeborenen Bösen? Die Bedrohung und der schiere, unerschütterliche Blick auf die menschliche Grausamkeit in „The Bad Seed“ sind für seine Zeit wirklich einzigartig, wobei die Leistung des jungen McCormack zu den besten Horrorfilmen für Kinder aller Zeiten zählt. In „The Bad Seed“ geht es um die Schrecken der Verantwortung als Eltern, wenn man weiß, dass etwas getan werden muss, die Welt aber nie verstehen wird, wie es ausgeführt wird. Es ist ein Film, der Sie vielleicht ein Leben lang vom Zöpfenmachen abhält. –Jim Vorel

25. Man Bites DogJahr: 1992 Regisseure: Rémy Belvaux, André Bonzel, Benoît Poelvoorde

Man Bites Dog, ein unbestreitbarer Vorgänger von Behind the Mask: The Rise of Leslie Vernon, gewann 1992 den Internationalen Kritikerpreis bei den Filmfestspielen von Cannes, erhielt jedoch bei seiner Veröffentlichung in den USA eine NC-17-Bewertung, die in Schweden gänzlich verboten war. Man kann die Zimperlichkeit verstehen: „Man Bites Dog“ schildert unbeirrt Serienmord in seiner anschaulichen Banalität, Opfer reichen von Kindern über ältere Menschen bis hin zu einer mehrfach vergewaltigten Frau, deren Leiche später fotografiert wird, während ihre Eingeweide über den Tisch verstreut sind, auf dem sie verletzt wurde. Die Täter lagen betrunken nach dem Feierabend, gehäuft auf dem Boden. Als Mockumentary gefilmt, unternimmt „Man Bites Dog“ erschütternde Anstrengungen, um die Erfordernisse des Mordes so gemein wie möglich darzustellen, wobei die Zurückhaltung der Crew, die solche Schrecken filmt, einbezogen wird, um dem Publikum einen Eindruck davon zu vermitteln, wie sie wahrscheinlich reagiert haben. Die faszinierte Trauer, die der Regisseur des Dokumentarfilms (Rémy Belvaux) zum Ausdruck bringt, als er erkennt, was es eigentlich bedeutet, einen Dokumentarfilm über einen Serienmörder zu drehen, und sich im Laufe des Films immer mehr an den Morden beteiligt, weist ausdrücklich auf unsere Bereitschaft als Zuschauer hin Magen die Schrecken gezeigt. Dennoch reagieren wir instinktiv, während der Film konzeptionelle Themen wie wahre Kriminalität als Ware der Popkultur und Reality-TV als schädliche Abschwächung der Wahrheit erkundet, was letztendlich dazu führt, dass die Zuschauer diesen Film genießen und gleichzeitig auf sie eingehen. Benoit (Benoît Poelvoorde), das Thema des falschen Films, ist natürlich ein unglaublich intelligenter, von Fremdenfeindlichkeit und Frauenfeindlichkeit geplagter Außenseiter der Gesellschaft, der hinter seiner Psychopathie und seinem Serienmord, den er als legitimen Job betrachtet, unzählige Neurosen zu erforschen bereithält. Bei „Man Bites Dog“ geht es jedoch mehr um die Art und Weise, wie wir einen Film wie „Man Bites Dog“ konsumieren. Dabei geht es uns weniger um die eklatante Tötung, die er zum Lachen anrichtet, als vielmehr um das Lachen selbst, was bedeutet, dass die eigentliche Schuld an solch einem bekannten Horror bei uns liegt unsere Füße, in denen wir jeden Tag große, grundlegende Schritte unternehmen, um die Gewalt und den Hass, die uns ständig umgeben, zu normalisieren. –Dom Sinacola

24. American PsychoJahr: 2000 Regie: Mary Harron

Mit Patrick Bateman (Christian Bale) stimmt etwas nicht – wirklich falsch. Obwohl er sich in einem Christopher-Nolan-ähnlichen „Was ist ein Traum“-Rätsel windet, ist Bateman einfach rundum böse und bringt unverhohlen zum Ausdruck, wie verrückt er ist, leider für gleichgültige oder verständnislose Ohren, denn die Welt, in der er lebt, ist genauso falsch, wenn nicht sogar noch schlimmer. Außerdem neigt der drogensüchtige Banker dazu, mit seinen Tötungswaffen kreativ zu werden. (Nagelpistole, irgendjemand?) Als ob irgendjemand einen weiteren Grund brauchte, reiche Angestellte in Manhattan zu hassen: Mar Harrons Adaption von Bret Easton Ellis ist ein schillerndes Porträt der Seelenlosigkeit von Unternehmen und des schnöden Wohlstands. —Darren Orf

23. FrailtyJahr: 2001 Regie: Bill Paxton

Gebrechlichkeit ist auf die gleiche Weise beängstigend, wie Jeff Nichols‘ „Take Shelter“ so beunruhigend ist: Beide handeln von Vätern, die von der Vorstellung besessen werden, dass sie eine Mission im Leben haben, ein geheimes Gebot von oben, das vielleicht wahr ist oder auch nicht aufgrund des langsamen Beginns einer psychischen Erkrankung. Der verstorbene Bill Paxton war Autor und Hauptdarsteller dieses leidenschaftlichen Projekts und gab sich damit eine der besten Rollen seiner Karriere als jener zerfallende Vater, der zu der Überzeugung gelangt ist, dass er in einer Welt lebe, die von „Dämonen“ umgeben ist, deren Ausrottung Gott ihm befohlen hat. Aus der Sicht seiner jungen Protagonistensöhne sind sie in einer Situation gefangen, die sowohl hoffnungslos als auch beängstigend ist: zwischen ihrem Vater, einer außerirdischen, unbekannten Persönlichkeit, der ihnen befiehlt, ihm bei der Begehung von Gräueltaten zu helfen, und der Tatsache, dass sie seine scheinbare Offenlegung preisgibt Wahnsinn für die Welt wird wahrscheinlich bedeuten, ihn für immer zu verlieren. Matthew McConaughey erhält eine unerwartet spannende, unangekündigte Rolle als einer der erwachsenen Brüder, der sich mit seiner schlimmen Kindheit abgefunden hat, aber Paxton stiehlt wirklich die Show mit einer Art nervöser Energie, die es unmöglich macht, zu sagen, was er ist. Mache ich als nächstes. Außerdem: Bereiten Sie sich auf ein verrücktes Ende vor. –Jim Vorel

22. Eyes Without a FaceJahr: 1960 Regie: Georges Franju

Ich erinnere mich an meinen ersten Auftritt von Édith Scob im Jahr 2012, als Leos Carax‘ „Holy Motors“ an die US-Küste gelangte und mein Erbsenhirn zum Schmelzen brachte. Ich erinnere mich auch daran, wie Scob am Ende des Films eine Seafoam-Maske aufsetzte, die genauso ausdruckslos und ausdruckslos war wie die von Michael Myers, und sich dachte: „Mensch, das würde wie ein Gangster in einem Horrorfilm ablaufen.“

Was für ein Idiot ich war: Als ich „Holy Motors“ sah, war Scob bereits in dem Horrorfilm „Eyes Without a Face“ von Georges Franju zu sehen, einem eisigen, poetischen und doch liebevoll gemachten Film über eine Frau und ihren verrückten Wissenschaftler/Serienmörder Vater, der nur junge Damen entführen will, die ihre Gesichtszüge teilen, in der Hoffnung, deren Haut auf ihre eigene entstellte Tasse aufzupfropfen. (Das ist genau das Material zum Vater des Jahres.) Natürlich läuft in der Erzählung des Films nichts reibungslos, und das Ganze endet in Tränen und einem wilden Blutdurst bei Hunden. „Eyes Without a Face“ wird in genau dem richtigen Tonfall von beunruhigend, pervers und intim gespielt, wie die langlebigsten, breiigen Horrorgeschichten zu sein pflegen. Wenn Franju dafür den größten Teil des Lobes für sich beanspruchen kann, sollten Sie sich zumindest einen Teil davon für Scob aufheben, dessen Augen der beste Spezialeffekt im Repertoire des Films sind. Ihre Leistung kommt direkt aus der Seele. – Andy Crump

21. Henry: Porträt eines SerienmördersJahr: 1986 Regie: John McNaughton

Henry spielt Merle selbst, Michael Rooker, in einem Film, der im Wesentlichen das Leben des Serienmörders Henry Lee Lucas zusammen mit seinem wahnsinnigen Kumpel Otis Toole (Tom Towles) darstellen soll. Der Film wurde mit einem Budget von nur 100.000 US-Dollar in Chicago gedreht und spielt und ist eine verdorbene Reise in die Tiefen der Dunkelheit, die die menschliche Seele infizieren kann. Das hört sich vielleicht wie eine Übertreibung an, aber „Henry“ ist wirklich ein hässlicher Film – schon beim Ansehen fühlt man sich schmutzig, von den dreckverkrusteten Straßen der Stadt bis hin zu den höchst unsympathischen Charakteren, die Jagd auf lokale Prostituierte machen. Es ist kein einfacher Film, aber wenn Sie auf düstere, wahre Kriminalität stehen, ist er ein Muss. Einige der Sequenzen, wie zum Beispiel das „Heimvideo“, in dem Henry und Otis eine ganze Familie foltern, verschafften dem Film selbst unter Horrorfans den berüchtigten Ruf, einen unerbittlichen Blick auf die Natur des verstörend alltäglichen Bösen zu werfen. –Jim Vorel

20. ScreamJahr: 1996 Regie: Wes Craven

Bevor „Scary Movie“ oder „A Haunted House“ überhaupt schlecht durchdachte Ideen waren, erfand Wes Craven einige der besten Horrorsatire überhaupt. Auch wenn ein Teil des Charmes von „Scream“ in seinen schlauen, fairen Seitenhieben auf das Genre lag, hielt das den Regisseur nicht davon ab, sich einige der brutalsten Messer-gegen-Menschen-Szenen der 90er Jahre auszudenken. Mit der Geburt des „Ghost Face“-Killers nahm Craven das Publikum mit auf eine Reise durch die Horrorfilm-Fangemeinde und machte allzu gängige Tricks des Handwerks zu einer Grundvoraussetzung fürs Überleben: Sex ist gleich Tod, trinke nicht und nimm keine Drogen, Sagen Sie niemals: „Ich bin gleich wieder da.“ Mit einer Crossover-Besetzung aus Neve Campbell, Courteney Cox, David Arquette, Matthew Lillard, Rose McGowan und Drew Barrymore (OK, sie ist nur in der Eröffnung, aber trotzdem) kam Scream mit einer prägnanten Interpretation einer müden Reihe von Filmen. Es war nicht das erste seiner Art, aber es war das erste, das von einem riesigen Publikum angenommen wurde, was wesentlich dazu beitrug, den Genre-IQ des aufstrebenden Horrorfans zu steigern. –Tyler Kane

19. I Saw the DevilJahr: 2010 Regie: Kim Jee-woon

„I Saw the Devil“ ist ein südkoreanisches Meisterwerk der Brutalität des Regisseurs Kim Ji-woon, der auch hinter Südkoreas größtem Horrorfilm „Eine Geschichte von zwei Schwestern“ stand. Es ist ein wirklich schockierender Film, der einem Mann folgt, der um jeden Preis auf Rache aus ist, nachdem seine Frau von einem Psychopathen ermordet wurde. Wir verfolgen, wie der „Protagonist“ des Films es sich zum Spaß macht, den besagten Psychopathen zu jagen, indem er einen Fährtenleser in den Mörder einbaut, der es ihm ermöglicht, immer wieder aufzutauchen, ihn bewusstlos zu schlagen und ihn dann für weitere Folter wieder freizulassen. Es ist ein Film über die Natur von Rache und Besessenheit und darüber, ob es wirklich einen Wert hat, ein schreckliches Unrecht zu vergelten. Wenn Sie immer noch unsicher sind, wissen Sie, dass Choi Min-sik, der Star von Park Chan-Wooks Originalfilm „Oldboy“, die Rolle des gejagten Serienmörders spielt und eine weitere herausragende Leistung abliefert. Dies ist kein traditioneller „Horrorfilm“, aber er gehört sowohl hinsichtlich der Bilder als auch der emotionalen Wirkung zu den schrecklichsten auf der Liste. –Jim Vorel

18. Memories of MurderJahr: 2003 Regie: Bong Joon-Ho

Basierend auf dem Fall von Südkoreas erstem Serienmörder ist dies Bong Joon-Hos Interpretation des Polizeidramas. Die Spannung entsteht durch den Stilkonflikt zwischen einem Detektiv vom Land (Song Kang-Ho) und seinem städtischen Gegenstück (Kim Sang-Kyung), der die Ermittlungen beschleunigen soll, die aufgrund verpasster Gelegenheiten und unrechtmäßiger Verhaftungen immer wieder scheitern. Der eine nutzt seine Fäuste, der andere die Forensik, und beide dienen als kulturelle Archetypen, deren Handlungen sich vor dem Hintergrund der Militärdiktatur Mitte der 1980er Jahre abspielen. So seltsam es auch klingen mag, „Mord“ kommt auch nicht ohne Lacher aus, die sowohl grob als auch durchdringend sind. —Steve Dollar

17. Das verschwindende Jahr: 1988 Regie: George Sluizer

Haben Sie sich jemals gefragt, was einen Mastermind wie Stanley Kubrick zum Zittern bringt? Die Antwort lautet „The Vanishing“, was offenbar der „furchteinflößendste“ Film war, den er je gesehen hatte (und dieser kam von dem Mann, der „The Shining“ gemacht hat). Was diesen Thriller tatsächlich so beunruhigend macht, ist, dass er völlig auf den Kopf gestellt wird: Anstatt zwei Stunden damit zu verbringen, die Identität des Bösewichts herauszufinden, wird er uns sofort vorgestellt. Basierend auf Tim Krabbés Buch „Das goldene Ei“ (Het Gouden Ei) erzählt der Film die Geschichte von Raymond (Bernard-Pierre Donnadieu), einem selbst diagnostizierten Soziopathen, der versucht, sich der ultimativen Prüfung zu stellen. Nachdem er ein junges Mädchen vor dem Ertrinken gerettet und von seinen Töchtern als Heldin gefeiert hat, möchte er herausfinden, ob auf seine freundliche Tat eine ähnlich beeindruckende böse Tat folgen kann. Während der Film es Raymond ermöglicht, im Laufe der Zeit die Grenze zwischen Soziopathie und Psychopathie zu untersuchen, verbringt er Stunden damit, akribisch zu planen, wie er am besten vorgehen kann, um eine Frau zu entführen, anstatt sie zu retten. Er experimentiert mit Chloroform, kauft ein abgelegenes Haus und übt verschiedene Methoden aus, um unwissende Frauen in sein Auto zu locken. Später drehte Sluizer mit Jeff Bridges und Kiefer Sutherland seinen eigenen Film für das amerikanische Publikum neu, dessen Ende jedoch drastisch geändert wurde. –Roxanne Sancto

16. OperJahr: 1987 Regie: Dario Argento

„Giallo“ ist nicht die Art von Genre, in der Regisseure am Ende viel kritisches Souveränität genießen … mit gelegentlicher Ausnahme von Dario Argento. Er ist für den blutigen italienischen Vorläufer des Slasher-Films so, wie es beispielsweise jemand wie Clive Barker für englischsprachige Horrorfilme ist: ein Autor, der bereit ist, Risiken einzugehen, dessen farbenfrohe Werke gelegentlich brillant sind, aber ebenso oft scheitern. „Opera“ ist jedoch einer von Argentos reinen Zuschauerfilmen, in dem es um eine junge Schauspielerin geht, die offenbar einen ziemlich mörderischen Verehrer entwickelt hat, denn jeder, der ihrer Karriere im Weg steht, endet auf seltsame Weise mit dem Tod. Unterdessen deuten ihre ständigen Albträume auf eine lange verborgene Verbindung zum Mörder hin. Im Wesentlichen das Giallo-Äquivalent von Phantom der Oper, ist die Leinwand von Opera mit Argentos charakteristischer Farbpalette aus hellen, grellen Tönen und übertriebenen Todesfällen übersät, gespickt mit interessanten Subtexten über die Natur des Anschauens von Horrorfilmen, zu denen die Heldin oft gezwungen wird vom Mörder, um Zeuge der Verbrechen zu werden. Wie selbst Argentos schlechtestes Werk ist Opera ein Meisterkurs für Handwerkskunst. –Jim Vorel

15. HalloweenJahr: 1978 Regie: John Carpenter

Für Studierende der Filmografie von John Carpenter ist es interessant festzustellen, dass „Halloween“ in fast jeder messbaren Hinsicht tatsächlich ein deutlich weniger ambitionierter Film ist als sein vorheriger Film „Assault on Precinct 13“. Es fehlt die große Besetzung an Statisten oder die umfangreiche FX- und Stunt-Arbeit. Es ist nicht mit Actionsequenzen gefüllt. Aber was es uns bietet, ist die erste vollständige Destillation des amerikanischen Slasher-Films und eine gehörige Portion Atmosphäre. Carpenter baute auf früheren Proto-Slashern wie Bob Clarks „Black Christmas“ auf und schrieb die Legende von Michael Myers, einem unaufhaltsamen Phantom, das in der Halloween-Nacht in seine Heimatstadt zurückkehrt, um Highschool-Mädchen zu verfolgen (der Originaltitel lautete eigentlich „The Babysitter Murders“, wenn man so will). (Diese Kleinigkeit habe ich noch nie gehört.) Carpenter setzt in großem Umfang Werkzeuge ein, die zum Synonym für Slasher werden würden, wie zum Beispiel die POV-Perspektive des Killers, was Myers zu einer Art Voyeur macht (er wird im Abspann nur „The Shape“ genannt), der mit unmenschlicher Geduld schweigend in der Dunkelheit lauert, bevor er schließlich seine eigene macht bewegen. Es ist ein dürftiger, gemeiner Film mit einigen absurden Charakterisierungen in der ersten Hälfte (besonders durch den albernen PJ Soles, der nicht aufhören kann, „total“ zu sagen), der sich dann in ein klaustrophobisches Crescendo der Spannung verwandelt, als Jamie Lee Curtis‘ Laurie Strode zum ersten Mal auftritt in Kontakt mit Myers. Absolut unverzichtbar für das Ganze ist der großartige Donald Pleasance als Dr. Loomis, der persönliche Hypeman des Mörders/Ahab, dessen einziger Zweck im Drehbuch darin besteht, dem Publikum mit schäumender Übertreibung zu vermitteln, was für ein Monster dieser Michael Myers wirklich ist. Es kann gar nicht genug betont werden, wie wichtig „Pleasance“ ist, um diesen Film zum kulturellen Prüfstein zu machen, der den Slasher-Boom der frühen 80er-Jahre inspirieren sollte. –Jim Vorel

14. Arsenic and Old LaceJahr: 1944 Regie: Frank Capra

Frank Capras Adaption dieses düster-komödiantischen Broadway-Stücks (einige der Broadway-Darsteller spielten ihre Rollen im Film erneut) spielt Cary Grant als Mortimer Brewster, einer aus einer Familie von Mayflower-Blaustrumpf-WASP-Typen, die im Laufe der Generationen – glaube ich – zum … geworden sind Ist der Ausdruck „kriminell verrückt“? Brewster, Autor zahlreicher Wälzer über die Dummheit der Ehe, heiratet. Am Vorabend der Flitterwochen kommt er bei seiner Familie vorbei, um sich bei seinen verrückten und liebevoll mörderischen Tanten (Josephine Hull und Jean Adair), einem charmant wahnhaften Bruder (John Alexander), der glaubt, er sei Theodore Roosevelt, und einem weiteren Bruder, Jonathan, zu melden (Raymond Massey), der Leichen zu begraben hat und einen durch und durch verrückten, alkoholkranken Schönheitschirurgen im Schlepptau hat. Peter Lorre spielt den Chirurgen, der Jonathans Gesicht so verändert hat, dass er (natürlich) wie Boris Karloff aussieht. Und das ist nur das Setup. Mehr als sieben Jahrzehnte nach seiner Veröffentlichung ist dieser Film immer noch witzig, auch wenn er nach heutigen Maßstäben zahm und etwas dämlich ist. Die Ausdauer dieses Films ist ein Beweis sowohl für das wunderbare Drehbuch als auch für die Magie von Frank Capra, der über eine Reihe talentierter komödiantischer Schauspieler verfügt (und nicht im Sinne von „Leichen im Keller“). –Amy Glynn

13. Hinter der Maske: Der Aufstieg von Leslie VernonJahr: 2006 Regie: Scott Glosserman

In den Jahren nach Scream gab es keinen Mangel an Filmen, die eine ähnliche Dekonstruktion des Horror-Genres versuchten, aber nur wenige verdienen es, in einem Atemzug mit dem kriminell unterschätzten Film Behind the Mask genannt zu werden. Diese Mockumentary spielt in einer Welt, in der übernatürliche Mörder wie Jason Voorhees und Freddy Krueger tatsächlich existierten, und handelt von einem Mann namens Leslie Vernon (Nathan Baesel), der davon träumt, der „nächste große Psychokiller“ zu sein. Auf diese Weise bietet es Antworten und Einblicke in Dutzende von Horrorfilm-Tropen und -Klischees, wie zum Beispiel: Wie trainiert der Killer? Wie wählt er seine Opfer aus? Wie kann er scheinbar an zwei Orten gleichzeitig sein? Es ist ein brillanter, verdrehter Liebesbrief an das Genre, der gleichzeitig einen unerwarteten stilistischen Wandel vollzieht, genau dann, wenn man zu wissen glaubt, wohin die Reise geht. Und trotz mangelnder Starpower bietet „Behind the Mask“ jede Menge Gastauftritte von Horrorgrößen: Robert Englund, Kane Hodder, Zelda Rubinstein und sogar Scott Wilson von „The Walking Dead“. Jeder, und ich meine wirklich jeder Horrorfan, muss „Behind the Mask“ sehen. Es ist kriminell, dass Glosserman es nie geschafft hat, eine richtige Fortsetzung auf die Beine zu stellen, aber eine von Fans finanzierte Comicserie hat ihr Ziel auf IndieGoGo verdoppelt, also ist es vielleicht noch möglich. –Jim Vorel

12. The Honeymoon KillersJahr: 1969 Regie: Leonard Kastle

In einem Film, der als spiritueller Vorläufer der Sensibilität von John Waters, Terrence Malicks „Badlands“ und den Exploitation-Filmen der 70er Jahre fungierte, liefert Leonard Kastle mit „The Honeymoon Killers“ Großartiges ab. Mit absoluter Sorgfalt gefilmt – in einem authentischen Stil, der keine Scheu davor hat, grausame Details zu zeigen – und einer wunderbaren Liebe zum Detail inmitten langer, verweilender Bilder ist dies der einzige Ausflug in die Regie für Kastle, einen Künstler, der weiß, was die meiste Kraft in sich birgt er zeigt sich nicht. Kastles Gespür für Licht ist eine der Stärken des Films, ganz zu schweigen von den ziemlich großartigen Darbietungen von Shirley Stoler und Tony Lo Bianco, die das echte Paar Martha Beck und Ray Fernandez spielen, deren Geschichte sich mit jedem grotesken Akt immer mehr entfaltet Horror, ihr Streit während eines der Highlights dieses Low-Budget-Schockklassikers. –Nelson Maddaloni

11. MonsterJahr: 2004 Regie: Patty Jenkins

Charlize Therons Verwandlung in die berüchtigte Serienmörderin Aileen Wuornos in Patty Jenkins‘ herzzerreißendem Drama geht über ihre bloße Unkenntlichkeit in der Rolle hinaus. (Roger Ebert wusste bekanntlich nicht, dass sie die Rolle spielte, als er Monster zum ersten Mal sah.) Alles, was wir bisher über Therons Persönlichkeit und Verhalten als Filmstar wussten, lässt sie völlig außer Acht, um diese äußerst beunruhigende, aber von Natur aus tragische Figur zu verkörpern. Theron ist völlig in ihre Figur versunken. Jeder Blick, jede Handbewegung und jedes körperliche Ticken scheinen von Wuornos zu stammen. Es gibt keinen einzigen Moment im Film, in dem die Schauspielerin hinter diesen Augen hervorschaut. Charlize Theron hat etwas Wesentliches und Magisches (wenn auch sehr Verstörendes) eingefangen – Oktay Ege Kozak und Tim Regan-Porter

10. Das Kabinett des Dr. CaligariJahr: 1920 Regie: Robert Wiene

Das Kabinett des Dr. Caligari, das Inbegriffswerk des deutschen Expressionismus, wurde von Roger Ebert als „erster echter Horrorfilm“ beschrieben, obwohl eine moderne Betrachtung verständlicherweise keine Gänsehaut hervorrufen dürfte. Dennoch ist die fantastische visuelle Palette von Robert Wiene und Willy Hameister, ähnlich wie Nosferatu, sofort ikonisch: Gebäude neigen sich in unmöglichen Winkeln und Licht spielt seltsame Tricks – sind diese Schatten echt oder direkt auf das Set gemalt? Die Geschichte dreht sich um einen verrückten Hypnotiseur (Werner Krauss), der einen gestörten Schlafwandler (Conrad Veidt) als seinen persönlichen Attentäter einsetzt und ihn zwingt, nachts Feinde auszurotten. Die erstaunlich kreativen und frei denkenden Designs des Films hatten in den fast 100 Jahren seitdem einen unauslöschlichen Einfluss auf jede dargestellte Fantasielandschaft. Man kann die Wurzeln des Kinos einfach nicht wertschätzen, ohne den Film gesehen zu haben. –Jim Vorel

9. Se7enRegie: David Fincher Jahr: 1995

Es gibt kaum einen Film, der der Länge Ihrer Fingernägel in den 90er-Jahren kurzfristig mehr Schaden zugefügt hat als David Finchers „Se7en“. Der Film begleitet die Detektive David Mills (Brad Pitt) und den fast pensionierten William Somerset (Morgan Freeman) auf der Spur von John Doe, einem Mörder, der seine Tötungen rund um die sieben Todsünden plant. Naive Mills lernt wertvolle Lektionen fürs Leben rund um den Fall, der moralisch aufgeladene Ergebnisse hat und sich an Opfer richtet, zu denen ein gefräßiger Mann und ein gieriger Anwalt gehören. Trotz aller beunruhigenden Tatorte ist „Se7en“ nie so unvorhersehbar oder emotional belastend wie in seinem berüchtigten Finale, in dem Mills und Somerset herausfinden, „was in der Kiste ist“, nachdem sie ihren Mann gefangen genommen haben. –Tyler Kane

8. The Texas Chain Saw MassacreJahr: 1974 Regie: Tobe Hooper

Einer der brutalsten Mainstream-Horrorfilme, die jemals veröffentlicht wurden, The Texas Chain Saw Massacre, basierend auf dem berüchtigten Serienmörder Ed Gein aus Wisconsin, ähnelt Arthouse Verité, das auf der körnigen Körperlichkeit seines flachen Texas-Settings basiert. Außerdem wurde der überaus unheimliche Leatherface vorgestellt, der ikonische Kettensägen schwingende Riese eines Mannes, der eine Maske aus menschlicher Haut trägt, dessen verrückter Sadismus nur durch die Einführung seiner kannibalischen Familie, mit der er in einem heruntergekommenen Haus in der Stadt lebt, in den Schatten gestellt wird Mitten in der Wildnis von Texas fressen sie gemeinsam das Fleisch, das Leatherface und seine Brüder ernten, während Opa Blut trinkt und Möbel aus den Knochen der Opfer herstellt. Dennoch ist „The Texas Chain Saw Massacre“ vielleicht nicht der blutrünstigste Horrorfilm, der jemals gedreht wurde, aber als imaginäre Ausgrabung der unterirdischen Ängste einer ländlichen amerikanischen Bevölkerung nach dem Vietnamkrieg ist er so ziemlich beispiellos. Es ist verdreht, düster und schön zugleich und durchläuft eine Vielzahl von Tönen und Techniken, ohne jemals seine einzigartige Intensität zu verlieren. (Und es gibt in dieser Ära des Horrors nur wenige Szenen mit einem verstörenderen Sounddesign als die Stelle, in der Leatherface einen Mann mit einem einzigen dumpfen Hammerschlag auf den Kopf überfällt, bevor er die Metalltür hinter sich zuschlägt.) – Rachel Hass und Brent Ables

7. Jahr: 1931 Regie: Fritz Lang

Es ist schon erstaunlich, wenn man bedenkt, dass „M“ der erste Tonfilm des deutschen Regisseurs Fritz Lang war, der dem Publikum mit „Metropolis“ bereits eines der wegweisenden Stummfilmepos beschert hatte. Lang, ein schneller Lerner, machte sich sofort die Vorteile der neuen Technologie zunutze, indem er M und die Figur des Kinderserienmörders Hans Beckert (Peter Lorre), dessen markantes Pfeifen von „In der Halle des Bergkönigs“ beides ist, zum Kernstück machte ein wirkungsvoll gruseliges Motiv und ein wichtiger Handlungspunkt. Es war der Film, der Peter Lorre in Hollywood bekannt machte, wo er schließlich ein klassischer Charakterdarsteller wurde: der großäugige, sanfte, schwere Mann mit einem Hauch von Angst und Bedrohung. Jahre später bezeichnete Lang M als seinen Lieblingsfilm, dank seines aufgeschlossenen Gesellschaftskommentars, insbesondere in der klassischen Szene, in der Beckert gefangen genommen und vor ein verrücktes Verbrechergericht gestellt wird. Anstatt sich den Anklägern anzuschließen, weckt Lang tatsächlich Mitgefühl für den Kindermörder, der scharfsinnig argumentiert, dass seine eigene Unfähigkeit, seine Taten zu kontrollieren, mehr Sympathie hervorrufen sollte als diejenigen, die sich aktiv für ein Leben als Kriminelle entschieden haben. „Wer weiß, wie es ist, ich zu sein?“ fragt er den Betrachter, und wir müssen zugeben, dass wir nicht in der Lage sind, wirklich zu urteilen. –Jim Vorel

6. Peeping TomJahr: 1960 Regie: Michael Powell

In gewisser Hinsicht ist „Peeping Tom“ von Michael Powell ein akribischer, menschlicher und nachdenklicher Film über die Mechanismen und emotionalen Impulse, die den Prozess des Filmemachens antreiben. In einem anderen Fall handelt es sich um einen Slasher-Streifen über einen verrückten Serienmörder und Dokumentarfilmer, der mit dem Stativ seiner Kamera Menschen ermordet. (Auf dem Stativ liegt ein Messer.) Im Grunde ist „Peeping Tom“ genau so albern oder so ernst, wie man es lesen möchte, obwohl der Film alles andere als auf der Leinwand zu sehen ist, so absurd die Prämisse auf der Seite auch klingt. Tatsächlich galt es eine Zeit lang als ziemlich kontrovers – und je nachdem, wen man fragt, ist es vielleicht immer noch so. Um zu verstehen, warum das so ist, muss man sich nicht viel Mühe geben; Filme über Frauen in Gefahr haben eine Art, die Nerven ihres Publikums zu erregen, und „Peeping Tom“ treibt diese Idee auf die Spitze, indem er der Gruppe der künftigen Opfer kaum Luft zum Atmen gibt, während Mark Lewis (Carl Boehm) auf sie zukommt und sie einfängt Ihre Angst nimmt von Sekunde zu Sekunde exponentiell zu, während ihnen langsam klar wird, dass ihr Tod bevorsteht. Wie jeder Film über einen Psychopathen mit der Angewohnheit, Frauen brutal zu ermorden, ist es ein harter Film, den man durchstehen muss, aber er ist auch gründlich, aufschlussreich, tadellos gemacht und brillant durchdacht. – Andy Crump

5. BadlandsJahr: 1973 Regie: Terrence Malick

Warum unternahmen zwei scheinbar normale Menschen einen Amoklauf quer durchs Land, und was unterscheidet ihren Film so deutlich von all den anderen Filmen über Serienmörder auf der Flucht? Diese beiden großen Fragen leiten den Debüt-Regisseur Terrence Malick in „Badlands“. Es beginnt mit Spaceks Erzählung als Holly; Die gesamte Hintergrundgeschichte stammt aus diesem ersten Monolog, in dem uns erzählt wird, dass ihre Mutter an einer Lungenentzündung gestorben ist und dass „[ihr Vater] nach ihrem Tod nie von dem kleinen Fremden getröstet werden konnte, den er in seinem Haus fand“. Dann zeigt uns der Film eine Montage von Bildern aus dieser kleinen Stadt in Texas, bevor er uns Kit (Martin Sheen) vorstellt, der als Müllmann arbeitet. Kit sieht, wie Holly vor ihrem Haus einen Schlagstock herumwirbelt und ihr Schicksal besiegelt ist. Die Grundhandlung von „Badlands“ basiert auf der Mordserie von Charles Starkweather mit seiner Freundin im Jahr 1958, aber Malick nutzt diese Geschichte nur als losen Rahmen für seine großen Fragen über die Natur des Bösen und unseren Drang, Filme wie diesen anzusehen. „Unser Sinn für die Vergangenheit wird immer bereits von unserem gegenwärtigen Verständnis der Welt beeinflusst (wir sehen die Vergangenheit durch die Gegenwart); und doch ist unser gegenwärtiges Verständnis der Welt selbst immer bereits von der Vergangenheit beeinflusst und bestimmt (wir sehen die Gegenwart). durch die Vergangenheit). Das Verständnis der „Rezeptionstheorie“ des Theoretikers Leland Poague bietet einen idealen Rahmen für Terrence Malicks Debütfilm von 1973. Es ist unmöglich, Badlands außerhalb der Linse seines späteren Werks zu betrachten, aber es ist auch unmöglich, sein späteres Werk außerhalb der Linse von Badlands zu betrachten. – Sean Gandert und David Roark

4. Die Nacht des JägersRegie: Charles Laughton Jahr: 1955

Film Noir oder Horror – in welche Kategorie gehört Charles Laughtons Night of the Hunter? Ehrlich gesagt sind all diese Spitzfindigkeiten unnötig. Der Film passt perfekt zu beiden Bezeichnungen, denn zum einen ist er eine hybride Version beider. Zum anderen ist es ein Meisterwerk, also scheut euch vor Etiketten. „Night of the Hunter“ lauert im Schatten und schwelgt in Frauenfeindlichkeit. Ob Sie es gesehen haben oder nicht, Sie haben wahrscheinlich dank der Osmose der Popkultur das Bild von Robert Mitchums tätowierten Knöcheln in Ihrem Gehirn eingeprägt. Reverend Harry Powell ist ein ziemlicher Bösewicht, ein Mann, der genauso schnell die Wahrheit mit honigsüßen Lügen verdreht, wie Laughton die Realität durch schräge Perspektiven, den nervigen Einsatz von Schatten und Licht und eine schwindelerregende Vielfalt an Kamerakompositionen verzerrt, die eine Kleinstadt wirken lassen West Virginia wirkt völlig außerirdisch. – Andy Crump

3. ZodiacRegie: David Fincher Jahr: 2007

Ich hasse es, das Wort „mäandrierend“ zu verwenden, weil es wie eine Beleidigung klingt, aber David Finchers Thriller aus dem Jahr 2007 ist auf die bestmögliche Art und Weise mäandrierend – es ist eine Detektivgeschichte über die Jagd nach einem Serienmörder, die sich in das Scheinbare hinein und wieder heraus schlängelt Hunderte verschiedener Milieus, die die Spannung immer weiter steigern. Jake Gyllenhaal ist großartig als Robert Graysmith, ein Amateurdetektiv und die Hauptfigur des Films, während die Geschichte sich damit zufrieden gibt, ihre Hinweise und Theorien langsam an ihn weiterzugeben, so dass der Zuschauer, wie Graysmith, über weite Strecken im Unklaren bleibt, sich aber dennoch wie ein… fühlt rasanter Brenner. Es ist nicht Finchers berühmtester Film, aber er ist absolut einer der am meisten unterschätzten Thriller seit 2000. Es gibt wenige Szenen im modernen Kino, die angespannter sind, als wenn Ermittler zum ersten Mal den unangekündigten Charakterdarsteller John Carroll Lynch befragen, der als Fassade den Hauptverdächtigen Arthur Leigh Allen darstellt beginnt langsam zu erodieren – so denken wir zumindest. Der Film zeugt vom Kummer und der Frustration beim Versuch, ein kurzlebiges Rätsel zu lösen, das oft einfach außer Reichweite zu sein scheint. –Shane Ryan

2. Das Schweigen der LämmerJahr: 1991 Regie: Jonathan Demme

Trotz grotesker Fortsetzungen, kleinerer Prequels und zahlreicher Parodien gilt „Das Schweigen der Lämmer“ immer noch als filmisches Kunstwerk unter den Krimis und Serienmörderfilmen und ist erst der dritte Film überhaupt, der die fünf goldenen Ringe der Oscar-Verleihung gewonnen hat: Bester Film, Regisseur, Hauptdarsteller, Schauspielerin und Drehbuch. Anthony Hopkins‘ Darstellung des mörderischen Hannibal Lecter beweist besonders, wie wertvoll es ist, einen der größten Schauspieler des Kinos mit einem herausragenden Nebenteam zu umgeben, obwohl Regisseur Jonathan Demme den Pinsel dieses Talents geschickt einsetzt, um das Publikum in die dunkle, sadistische Welt von Dr. Lecter zu entführen während sie angesichts der Wendungen der grausig wunderbaren Geschichte des Schriftstellers Thomas Harris nach Luft schnappen. Wie bei allen großartigen Filmen schmälern das zweite und dritte Ansehen den Reiz nicht, sondern offenbaren vielmehr noch mehr Feinheiten der Charakterisierung. Und Demmes eigener Stil hinter der Kamera macht die Nahaufnahmewelt von „Das Schweigen der Lämmer“ zu einem unvergesslichen visuellen Salon der Grotesken. –Tim Basham

1. PsychoJahr: 1960 Regie: Alfred Hitchcock

Der Grosse. Der Größte vielleicht, aber wenn nicht, ist er immer noch verdammt groß. Fast 60 Jahre, nachdem Alfred Hitchcock „Psycho“ auf eine ahnungslose Kinokultur losgelassen hat, fühlt es sich wie eine Dummheit an, neue Dinge darüber zu sagen, aber hey: Fünf Jahrzehnte und Veränderungen sind eine lange Zeit, damit der Einfluss eines Films weiterhin in der Populärkultur nachhallt, aber Hier sind wir und beobachten, wie die Hauptfiguren in „Game of Thrones“ ihren Kopf verlieren, in „The Walking Dead“ ihre Eingeweide verlieren oder in weniger blumiger Sprache ihr Leben in Filmen wie „Alien“, dem Alien-Abklatsch „Life“ und, was vielleicht am wichtigsten ist, „Scream“ verlieren. Der Film, der für den zeitgenössischen Horror das ist, was „Psycho“ seinerzeit für Genrefilme war. Das ist so ziemlich die Definition von „Wirkung“ (und das ohne auch nur eine einzige Erwähnung des Bates Motels von A&E).

Aber jetzt reden wir über „Psycho“ eher als Kuriosität denn als Film, und die Wahrheit ist, dass „Psychos“ Wirkung die direkte Folge von Hitchcocks Meisterschaft als Filmemacher und Geschichtenerzähler ist. Anders gesagt, es ist ein großartiger Film, der heute ebenso wirkungsvoll wie maßgeblich ist: Sie haben noch nie einen Slasher (eigentlich Proto-Slasher) wie Norman Bates (Anthony Perkins) getroffen, und egal, wie oft die Filme es versuchen Um seine Persönlichkeit auf der Leinwand nachzubilden, werden sie es nie ganz hinbekommen. Er ist, wie Psycho selbst, einzigartig. – Andy Crump

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