Rangliste der 98 besten Komödien aller Zeiten

Es ist eine universelle Erfahrung und eines der besten und körperlich und psychisch notwendigsten Dinge im Leben – zu lachen. Und deshalb sind Komödien so wichtig.

Komödie ist eines der zentralen und beliebtesten Genres des Films und seit der Geburt des Kinos ein durchweg beliebtes Filmformat. Und im Laufe der Jahre haben sich alle möglichen komödiantischen Subgenres entwickelt, wie die Roadtrip-Komödie, die Fisch-aus-dem-Wasser-Komödie, die Horrorkomödie, die Liebeskomödie und mehr. Einige der großartigsten Filme, die jemals produziert wurden, waren scheinbar erst danach konzipiert, großartige Kunstwerke zu sein und das Publikum in erster Linie dazu einzuladen, sich auszutoben und zu lachen. Hier sind die 98 Filme, die von den Anfängen Hollywoods bis in die Gegenwart reichen und nicht nur urkomisch, sondern auch fantastisch sind.

Aktualisiert am 3. April 2023: In keiner bestimmten Reihenfolge sind dies die besten Komödien, die je gedreht wurden.

Zu der Zeit, als „Major League“ in die Kinos kam, waren die Cleveland Indians das ständige Gespött der Baseballwelt. Es war undenkbar, dass sie jemals ein Champion werden könnten, selbst in der Fiktion. Und als die ehemalige Las-Vegas-Tänzerin Rachel Phelps das Team von ihrem wohlhabenden, verstorbenen Ehemann erbt, setzt sie auf eine Vertragsklausel, die besagt, dass sie das Team ins sonnige Miami verlegen kann, wenn die Besucherzahlen zurückgehen. Das würde bedeuten, dass das Team als Letzter ausscheiden müsste, also heuert sie jemanden an, den sie für einen schlechten Manager hält, und einen Haufen widerspenstiger, untalentierter Spieler – eine bunt zusammengewürfelte Truppe aus Gewesenen und Niemals-Werden. Aber als die Ballspieler von dem bösen Plan ihres Besitzers erfahren, werden sie inspiriert, hart zu spielen und zu gewinnen, und sie gewinnen einfach weiter, was zum großen Teil der Pitching-Theatralik von Ricky „Wild Thing“ Vaughn zu verdanken ist.

In „School of Rock“ präsentiert sich Jack Black als stolzes Rock-Idol, sowohl in der Öffentlichkeit als auch als Teil der komischen Akustik-Metal-Band Tenacious D. Das macht die Rolle von Dewey Finn aus – einem pleite, Möchtegern-Musiker, der zur Privatschule wurde Lehrer – derjenige, den er spielen sollte. Dewey kümmert sich überhaupt nicht um seinen neuen Job (tatsächlich gibt er sich als sein bester Freund aus – ein echter Lehrer), bis er erfährt, dass seine Schüler alle musikalisch ziemlich begabt sind. Dann beschließt er, eine reine Kinder-Rockgruppe zu gründen und zu leiten und sie an einem Battle of the Bands-Wettbewerb teilzunehmen, um No Vacancy, seine alte Gruppe, die ihn rausgeworfen hat, zu besiegen und aufzutauchen. Es ist eine Reise der Erlösung für Dewey, eine Reise, auf der es darum geht, das Selbstvertrauen der Kinder zu stärken, und natürlich jede Menge Rockmusik und Jack Black, der wie ein Arena-Rocker der 70er Jahre Lieder singt. Der Erfolgsfilm war für viele Darsteller der wahre Startschuss für die Karriere.

In den frühen 1980er-Jahren hatten Frauen große Fortschritte in der Arbeitswelt amerikanischer Unternehmen gemacht, wurden jedoch von Chauvinisten der alten Schule immer noch mit Verachtung und Respektlosigkeit behandelt. In der überraschend unbeschwerten Rachekomödie „9 to 5“ für berufstätige Frauen können drei Verwaltungsassistenten das höhnische, lüsterne, tastende und unprofessionelle Verhalten ihres Chefs nicht mehr ertragen und verschwören sich, um ihre Gewaltfantasien wahr werden zu lassen – indem sie ihn entführen , verprügelt ihn und deckt seinen Unterschlagungsplan auf. Die Dinge geraten außer Kontrolle, aber letztendlich wird die Tortur inspirierend und irgendwie gut für die Karrieren der drei Initiatoren.

Nachdem in den frühen 2000er-Jahren eine ganze Reihe hartnäckiger Musiker-Biografien wie „Ray“ und „Walk the Line“ eine Menge Oscars gewonnen hatten, musste das viel zu ernste Subgenre von der Stange genommen werden. „Walk Hard“ parodiert bösartig all diese Filme, um die Geschichte des fiktiven Rockstars Dewey Cox zu erzählen. Er wird zum größten und bedeutendsten Musiker der Welt, aber nicht bevor er die Tücken eines Rockstar-Biopic-Protagonisten erleidet. Es quält ihn, als Junge seinen Bruder versehentlich in zwei Hälften zu schneiden (wobei sein Vater ihm ständig sagt: „Der falsche Sohn ist gestorben“), er ist dazu verflucht, ohne Geruchssinn zu leben, und er zerstört ein Badezimmer, nur weil er eine explizite Krise durchmacht erklärte dunkle Periode. Währenddessen spielt John C. Reilly in seinen Bob-Dylan-, Brian-Wilson- und Glen-Campbell-Phasen die Sache geradlinig als naiver Unschuldiger, zerrissen von Ruhm und Kunst.

„Pootie Tang“ hat die Kritiker völlig verblüfft, aber es besticht durch seinen Drahtseilakt und das Bekenntnis zu seiner ehrgeizigen Prämisse. Basierend auf einer Figur aus der HBO-Serie „The Chris Rock Show“ besteht „Pootie Tang“ größtenteils aus einem Film im Film namens „Sine Your Pitty on the Runny Kine“, der die kühnen und unerschütterlich unsinnigen Sprachmuster der Hauptfigur widerspiegelt Charakter. Das wäre Pootie Tang, der coolste Mann, der jemals auf der Erde wandelte. Nachdem sein Vater im Stahlwerk von einem Gorilla tödlich verwundet wurde, gibt er seinem Sohn Pootie seinen angeblich magischen Gürtel, mit dem er die Täter großer Übel und kleiner Sünden besiegt. Er wird ein Popstar und eine Berühmtheit, und durch seine auf Kinder ausgerichteten öffentlichen Ankündigungen sorgt er dafür, dass die Nation voller aufgeweckter und gesunder Menschen ist. Dick Lecter, CEO des Industrieriesen LecterCorp, möchte Pootie Tangs guten Taten ein Ende setzen, weil er dadurch Geld verliert. Dabei bringt Pootie kein einziges verständliches Wort von sich.

Komödien erregen normalerweise nicht viel Aufmerksamkeit bei den Oscar-Verleihungen, aber der witzige, unvorhersehbare und elegante Film „Ein Fisch namens Wanda“ schaffte es und gewann eine Statuette für den Schauspieler Kevin Kline sowie Nominierungen für seinen Regisseur und sein Drehbuch, an dem sein Co-Star mitgeschrieben hat John Cleese von Monty Python. Die Anwesenheit dieser berühmten Sketch-Truppe ist überall im Film zu finden. Beispielsweise spielt Monty-Python-Mitglied Michael Palin die Hauptrolle als inkompetenter, fischliebender und stammelnder Assistent eines britischen Gangsters, der den absurden Unsinn ins Rollen bringt, als er die amerikanischen Kriminellen Wanda und Otto anheuert, um bei einem großen Diamantenraub zu helfen. Es geht alles schief, und dann versuchen alle – kläglich –, sich gegenseitig hinters Licht zu führen oder Zeugen auszuschalten.

Vier Frauen haben es trotz unterschiedlicher Lebenswege geschafft, seit dem College befreundet zu bleiben. Ryan ist ein Lifestyle-Guru im Oprah-Stil, Sasha betreibt einen scheiternden Klatschblog, Lisa ist Krankenschwester und alleinerziehende Mutter, die nicht viel rauskommt, und Dina ist eine aufbrausende Partygängerin, die ihren Job nicht lange behalten kann. Bevor sie noch weiter auseinanderdriften können, beschließt die „Flossy Posse“, einen gemeinsamen Kurzurlaub oder besser gesagt einen „Girls Trip“ zu unternehmen und das Essence Music Festival in New Orleans zu besuchen, wo Ryan die Hauptattraktion ist. Einige traumatische Nachrichten bringen die Gruppe näher zusammen, und die vielen Möglichkeiten, sich in New Orleans auszutoben, sind zu gut, um sie sich entgehen zu lassen – und die Quelle vieler komischer Scherze.

„The Big Lebowski“ ist einer der am meisten gepriesenen Kultklassiker und Stoner-Komödien aller Zeiten, aber es ist auch ein Film über Raubüberfälle, reiche Leute, Bowling und Künstler. Der ultra-entspannte Jeff „the Dude“ Lebowski begnügt sich damit, einfach in seiner Wohnung in LA herumzuhängen, White Russians zu trinken und sich dann mit seinen Freunden Walter und Donnie zum Bowling zu treffen. Dann verwechseln ihn einige Entführer mit einem Millionär namens Jeff Lebowski, und er muss den seltsamen Kriminellen, die die Frau dieses anderen Lebowski entführt haben, ein Lösegeld zahlen ... und vielleicht den Teppich zurückbekommen, den sie gestohlen haben, weil er „den Raum wirklich zusammenhält“. ." Donnie, der feindselige und übermütige Bowlingkumpel des Kerls, schmiedet einen Plan, wie sie das Geld behalten könnten, aber auch das geht nicht richtig. Ein Künstler und eine Traumsequenz zum Thema Bowling wirken sich auch auf den Kerl aus, was zu einer wirklich verrückten Komödie führt, aber das ist nur unsere Meinung, Mann.

Das ungewöhnliche Comedy-Team aus Richard Pryor und Gene Wilder repräsentierte zwei der besten Comic-Stimmen der 70er Jahre, die ihre Kräfte bündelten – ersterer ein bissiger, revolutionärer, zutiefst charismatischer Stand-up-Comedian und letzterer der subtile und schlaue Star von „Willy Wonka and die Schokoladenfabrik“ und „Blazing Saddles“. Von den vier Filmen, die sie zusammen gedreht haben, ist der Blockbuster „Stir Crazy“ der beste, eine verrückte Farce, die an einem ungewöhnlichen Ort spielt: im Gefängnis. Die arbeitslosen New Yorker Theaterleute und besten Freunde Harry (Pryor) und Skip (Wilder) ziehen nach Westen und arbeiten schließlich für eine Bank in Arizona, gekleidet in Spechtkostüme, um Werbung zu machen. Und durch eine Reihe unwahrscheinlicher Wendungen landen sie schließlich im Gefängnis, weil sie genau diese Bank ausgeraubt haben. An diesem Punkt verlagert sich die Handlung darauf, wie sie auf die bestmögliche Weise aus dem Gefängnis entkommen – indem sie beim Gefängnisrodeo erfolgreich sind.

Ein Jahrzehnt nachdem der Camp-Film „Wet Hot American Summer“, der zu einer Ansammlung chaotischer Absurditäten wurde, gedreht wurde, kamen die Autoren dieses Films – und viele seiner Darsteller – erneut zusammen, um die strengen und künstlichen Tropen flauschiger romantischer Komödien zu verbreiten. Amy Poehler und Paul Rudd, als ob sie wollen oder nicht, werden sie natürlich ein Paar. Molly und Joel hassen sich zunächst, verlieben sich dann aber ineinander, obwohl sie freigeistig und skurril ist und erzählt eine bezaubernde Süßigkeitengeschichte, in der alles kostenlos ist, und er arbeitet für Candy Systems and Research, deren Ziel es ist, Molly aus dem Geschäft zu drängen. Wie bei „Wet Hot American Summer“ ist die Albernheit offen und wird so falsch-ernsthaft wie möglich präsentiert, etwa wenn Joel sich so lange auf ein sich wiederholendes Trinkspiel mit den Worten „Das kannst du noch einmal sagen“ und „Erzähl mir davon“ einlässt hört auf, lustig zu sein und wird dann wieder lustig.

Diese Publikumskomödie aus den frühen 90ern hat für jeden etwas zu bieten – die Mafia, breite Komödie, die Frau, die Professor McGonagall in „Harry Potter“ spielte, als Nonne (das ist Maggie Smith), atemberaubende musikalische Darbietungen im Gospel-Stil, und natürlich Whoopi Goldberg als falsche Frau Gottes. Goldberg spielt Deloris, die in einer Sackgasse als Sängerin in einem Nachtclub in Reno steckt und eine Affäre mit einem örtlichen Mafiaboss hat. Nachdem sie Zeugin eines Bandenüberfalls wird, bittet sie die Polizei um Hilfe, um sie zu verstecken, und findet einen sehr verborgenen Ort: ein Kloster. Deloris täuscht ihren Nonnenausweis vor und bekommt den Auftrag, den schrecklichen Chor des Klosters zu betreuen, und sie macht ihre Arbeit so gut, dass sie viel Aufmerksamkeit von der Außenwelt auf sich zieht – so viel, dass dadurch ihr Aufenthaltsort preisgegeben werden könnte.

In den 80er-Jahren waren die Teenagerfilme John Hughes-Filme, allesamt einfühlsam und einfühlsam. In den 90ern drehten sie sich um coole und beliebte Kinder. In den 2000er Jahren wurden Filme über Teenager mit „Mean Girls“ plötzlich so lustig, kompliziert und fies wie der Weg durch die High School. Der ehemalige Kinderstar Lindsay Lohan schlüpfte in diesem witzigen, satirischen Teenagerfilmklassiker (geschrieben von „SNL“ und „30 Rock“-Veteranin Tina Fey) in die Erwachsenenrolle und spielte Cady, eine naive Studentin, die im ländlichen Afrika aufgewachsen ist und an ihrem ersten formellen Treffen teilnimmt Bildungsinstitution – eine große, von Cliquen geführte amerikanische High School. Sie schließt sich der urkomisch grausamen und selbstsüchtigen, beliebten Crew, dem A-Team, an und nachdem sie genauso schrecklich und langweilig geworden ist wie ihre Mentorin Regina George, versucht sie, ihren Feind – und die gesamte giftige soziale Struktur – auszuschalten das Innere.

In „Stripes“ fand Bill Murray die Persönlichkeit, die ihn durch viele Filme treiben und ihn zum Star machen sollte – den witzigen, schelmischen und klügsten Kerl im Raum. Murray spielt John Winger und Harold Ramis spielt seinen besten Freund Russell, zwei faule Kerle, deren Leben nicht so schnell voranschreitet und die beschließen, in die Armee einzutreten. Zumindest wird es eine Pause vom Üblichen sein und ein Grundtraining wird sie in Form bringen. Die Probleme entstehen zunächst, wenn John nicht aufhören kann, seinen Drill-Sergeant zu beschimpfen, und sie werden noch schlimmer, wenn ihr gesamter Zug auf einen weit entfernten Einsatz geschickt wird, lange bevor sie bereit sind, und dann ihre kommandierenden Offiziere hinter den feindlichen Linien stecken bleiben. Es liegt an der Gruppe kaum ausgebildeter, kaum kompetenter Rekruten unter der Führung von John und Russell, ihre Vorgesetzten in Sicherheit zu bringen.

„Galaxy Quest“ ist eine Science-Fiction-Komödie mit einem ansprechenden und neuartigen Konzept. Die Darsteller einer einflussreichen, aber abgesetzten „Star Trek“-ähnlichen Serie mit dem Titel „Galaxy Quest“ sind darauf reduziert, auf Science-Fiction-Kongressen mit niedrigen Mieten für immer kleiner werdende Scharen von Hardcore-Fans aufzutreten, und fühlen sich wie Versager und Verlierer, hoffnungslos typisiert und unfähig, etwas zu bekommen jede erfüllende Schauspielarbeit. Sie finden die Erlösung, die sie brauchen – oder zumindest etwas zu tun –, als Vertreter einer außerirdischen Rasse auf sie zukommen und sie um Hilfe beim Sieg über einen interstellaren Kriegsherrn bitten, der das Leben auf ihrem Planeten bedroht. Der Grund, warum sie ausgewählt wurden? „Galaxy Quest“-Folgen sind durch den Weltraum gereist und haben die Außerirdischen erreicht, und sie halten sie für echte Astronauten und Planetenverteidiger.

Nur das Gehirn von Charlie Kaufman („Adaptation“, „Eternal Sunshine of the Spotless Mind“) hätte sich „Being John Malkovich“ vorstellen können – eine düstere, surreale, umwerfende psychologische Komödie, die die alte Kunst des Puppenspiels ad absurdum führt. ungeahnte Höhen, während er über die Giftigkeit von Berühmtheit kommentierte. Um das dringend benötigte Geld zu verdienen, nimmt der Avantgarde-Straßenpuppenspieler Craig einen Bürojob in einem New Yorker Gebäude mit merkwürdig niedrigen Decken an und entdeckt dort ein magisches Portal, das es allen, die eintreten, ermöglicht, das Gehirn eines intensiven Charakters zu beschäftigen Schauspieler John Malkovich für 15 Minuten. Von da an wird es nur noch seltsamer.

„When Harry Met Sally...“ befasst sich mit der Entwicklung der Beziehung zwischen zwei New Yorkern – dem übermütigen Harry und der komplizierten Sally – über einen Zeitraum von mehr als einem Jahrzehnt und untersucht die darin formulierte These: Können ein heterosexueller Mann und eine heterosexuelle Frau sein? Sind jemals Freunde ohne Sex oder Romantik aufgetaucht? Da es sich um eine archetypische Liebeskomödie handelt, lautet die Antwort „Nein“, denn Harry und Sally hassen sich gegenseitig und werden zu besten Freunden, die sich nach der Trennung trösten, bis hin zur Unfähigkeit, ohne einander zu leben.

Diese schwer in eine Schublade einzuordnende Komödie aus dem Jahr 1987 zeigte, dass die aufstrebenden Indie-Filmemacher (in Produktion und Herangehensweise) Joel und Ethan Coen ebenso lustige Filme machen konnten wie Dramen – aber mit ihrem eigenen, einzigartigen Touch. Nicolas Cage spielt HI, einen kleinen Wiederholungstäter aus Arizona, der sich mit dem Buchungsmitarbeiter Ed so gut versteht, dass sie heiraten. Leider ist es ihnen nicht möglich, auf natürliche Weise das Kind zu bekommen, das sie sich so sehr wünschen, aber es zeichnet sich eine Lösung ab. Ein zwielichtiger lokaler Möbelmagnat und seine Frau heißen Fünflinge willkommen, weshalb HI einen von ihnen entführt. Es ist das schwerste Verbrechen, das er je begangen hat, und eines, für das er wahrscheinlich auch büßen wird, da ihm der Kopfgeldjäger „Lone Biker of the Apocalypse“ auf den Fersen ist.

In Comedy-Filmen, bei denen viel auf dem Spiel steht – wie zum Beispiel, in kurzer Zeit eine scheinbar unmögliche Leistung zu erbringen – gibt es eine Dringlichkeit, die zu einer spürbaren komischen Spannung führt ... die sich auszahlt und auflöst, wenn sorgfältig ausgearbeitete Pläne langsam scheitern (aber sich aber zufriedenstellend korrigieren). bis zum Ende des Films). Dies ist der wilde und fesselnde Verlauf von „House Party“, einem zurückhaltenden Film über die Wut des Jahres. Die Rapper Kid n' Play porträtieren Teenager-Versionen ihrer selbst, und als Play eine Party veranstaltet, versucht Kid, sich davonzuschleichen, da er nach einem Streit in der Schule von seinem humorvoll überheblichen Vater Hausarrest bekommen hat. Auf der Party laufen viele weitere Handlungsstränge zusammen, darunter der erneute Auftritt von Kid's Tyrannen, eine auf mysteriöse Weise kaputte Toilette, Kid n' Play, die versuchen, ihre Schwärmereien zu romantisieren, und der amüsant präzise und unbeholfene DJ Bilal, der in einem Durchbruch vom Komiker Martin Lawrence dargestellt wird. szenenraubende Rolle.

Für das junge Paar Adam und Barbara aus New England ist zu Beginn von „Beetlejuice“, einem der ersten Spielfilme des innovativen Horrorkomödienmeisters Tim Burton, alles in Ordnung. Dann krachen sie eines Tages mit ihrem Auto in einen Fluss und laufen nach Hause, stellen jedoch fest, dass nicht alles in Ordnung ist. Tatsächlich sind sie tot – Geister, die ihr eigenes Zuhause heimsuchen. Als also ein paar unerträgliche Yuppies ihr stattliches Haus kaufen, sucht das Geisterpaar die Hilfe des Geisterreichs, insbesondere des charismatischen, bedrohlichen, formverändernden und Witze reißenden Monsters Beetlejuice, um die neuen Mieter abzuschrecken. Aber dieser Beetlejuice geht etwas zu weit, und dann müssen Adam und Barbara die Käufer aus seinen Klauen befreien, weil sie besonders auf ihre missverstandene Teenager-Gothic-Tochter stehen, die sie einfach völlig erwischt, da sie Geister sind.

Es gibt ein bestimmtes Comedy-Subgenre, das sich im späten 20. Jahrhundert durchgesetzt hat und nach wie vor ein Publikumsmagnet ist: die Stoner-Comedy. Das Lachen kommt schnell und oft in Filmen, in denen die Hauptfiguren kategorisch schweräugig, langsam und betrunken sind. „Harold und Kumar gehen nach White Castle“ setzt ganz auf die Form, die in den 70er Jahren von Cheech und Chong entwickelt wurde, wobei die Charaktere von John Cho und Kal Penn so tief in einen Marihuana-Dunst geraten, dass sie „den Heißhunger“ und nur die Zwiebel bekommen -Eingeweichte kleine Burger eines bestimmten Fast-Food-Ladens reichen aus. Es sollte eine einfache Reise sein, aber sie wird zu einem epischen, surrealen und sogar halluzinatorischen Roadmovie mit einem widerlichen Neil Patrick Harris, gruseligen LKW-Fahrern und anderen unvorhersehbaren Ablenkungen.

„The Blues Brothers“ ist der erste „Saturday Night Live“-Spinoff-Film, der sich um die Charaktere dreht, die von John Belushi und Dan Aykroyd gespielt werden – zwei weiße Männer mit versteinertem Gesicht in passenden Anzügen, Hüten und Sonnenbrillen, die treue, respektvolle Coverversionen des alten Soul singen und R&B-Standards. Diese geradlinige und kitschige Routine entwickelte sich zu einem Film mit einer Anti-Establishment-Attitüde und dem schelmischen Geist von „SNL“, der den Ton für die Mainstream-Comedyfilme der 80er Jahre vorgab. Was die Handlung betrifft, kommt Jake Blues (Belushi) aus dem Gefängnis und trifft sich wieder mit seinem Bruder Elwood Blues (Aykroyd). Sie machen sich daran, ihre Band wieder zusammenzuführen, um Geld für die Rettung des Waisenhauses zu sammeln, in dem sie aufgewachsen sind. Während sie von vielen Feinden verfolgt werden (und es unterwegs zu zahlreichen Autounfällen kommt), treffen die Blues Brothers wieder auf absolute Legenden, darunter Ray Charles und Aretha Franklin.

Sicher, die Idee einer Figur, die in einer Zeitschleife gefangen ist und endlos am selben Tag lebt, bis sie eine mysteriöse Lektion lernt, wurde schon früher gemacht, vor allem in „Das Murmeltier“. Aber „Palm Springs“ verwandelt das Konzept in eine Science-Fiction-Romantikkomödie und fragt sich, ob ein Leben ohne Konsequenzen, wie es für Nyles ist, der wer weiß wie lange an einer Hochzeit im Ausland festsitzt, überhaupt lebenswert ist. Die Situation verbessert sich etwas, als er Sarah, die Schwester der Braut, trifft und sich in sie verliebt, nachdem er sie versehentlich in die Zeitschleife hineingezogen hat und Hunderte verrückte und rücksichtslose Abenteuer erlebt hat. Allerdings gibt sich Sarah nicht damit zufrieden, die Situation einfach hinzunehmen, sondern sie wird diejenige sein, die sich der riskanten Aufgabe widmet, aus ihrem Zeitgefängnis auszubrechen.

Es ist ein Betrügerwettbewerb an der malerischen französischen Riviera. In dieser cleveren, eleganten und kurvigen Komödie verdient der hochkarätige Engländer Lawrence Jamieson seinen Lebensunterhalt damit, wohlhabende Urlauberinnen um riesige Geldsummen zu erpressen, indem er vorgibt, ein abgesetzter Prinz zu sein. Sein Weg kreuzt sich mit dem des kleinen amerikanischen Betrügers Freddy Benson, der scheinbar nur ein paar Dollar auf einmal verdient, von dem Jamieson jedoch überzeugt ist, dass er „der Schakal“ ist, ein mysteriöser Betrüger, der sich seinen Weg durch Europa bahnt. Jamieson und Freddy geraten aneinander und machen dann einen Deal: Wer eine gemeinsame Mark aus 50.000 Dollar herausholen kann, erhält die Riviera als sein Territorium, während der andere das Resortgebiet verlassen muss. Ihr Ziel? Die neu angekommene amerikanische Tollpatsch- und Seifenfirmen-Erbin Janet Colgate ... die vielleicht nicht so naiv ist, wie sie scheint.

„Sausage Party“ ist wie „Toy Story“, aber mit CGI-empfindungsfähigem Essen in einem Lebensmittelgeschäft anstelle von Kinderspielzeug. Es ist außerdem äußerst grob, umwerfend sexuell anschaulich und existenziell. Im Mittelpunkt steht ein Hotdog namens Frank, der sich unbedingt mit einem Brötchen namens Brenda einlassen möchte, aber auch mit einem Menschen den Supermarkt verlassen und „The Great Beyond“ betreten möchte. Doch dann wird ein Glas Honigsenf in den Laden zurückgebracht und enthüllt die Wahrheit über den angeblichen Lebensmittelhimmel – er ist nicht real, weil die Menschen einfach alle Lebensmittel, die sie kaufen, essen und töten. Es liegt an Frank und Brenda, ihre Mitmenschen aufzuwecken, indem sie über Essen und ihr wahres, dunkles Schicksal reden – oder zumindest alle dazu zu bringen, ihr Schicksal zu akzeptieren und sich auf ein Vergnügensbacchanal am Ende der Welt einzulassen.

Ein paar Jahre nachdem Ice Cube den Rap-Klassiker „It Was a Good Day“ geschrieben und aufgenommen hatte, in dem in seinem rauen Viertel in Los Angeles ausnahmsweise einmal alles gut läuft, war der Musiker Co-Autor und Hauptdarsteller von „Friday“, einer alternativen Version die Formel „Ein Tag in der Nachbarschaft“. Nur dass dieses Mal einiges furchtbar schiefgeht, aber auf eine komische Art und Weise. Ice Cube spielt den 20-jährigen Craig, und sein marihuanaliebender bester Freund Smokey erinnert ihn immer wieder daran, dass es Freitag ist und er nicht viel zu tun hat, weil er am Donnerstag von seinem Job entlassen wurde. Aber für Craig gibt es eine Menge Probleme zu löschen, etwa Smokeys wütenden Drogendealer, der das Geld haben will, das er schuldet, oder auch einen furchterregenden Tyrannen aus der Nachbarschaft und eine verlassene Ex-Freundin.

Der Comedy-Stil von „Weird Al“ Yankovic war einfach zu groß und albern, um ihn auf Songparodien zu beschränken. Und so war er 1989, nachdem er mit Michael-Jackson-Parodien wie „Eat It“ und „Fat“ ein bekannter Name geworden war, Co-Autor und Hauptdarsteller seines ersten Spielfilms, eines ausgelassenen und albernen Witzes über George Newman, einen Mann, der die Macht übernimmt der preisgünstige, wenig beachtete UHF-Sender seines Onkels. George ist ein Tagträumer und neigt zu Höhenflügen, sowohl in seinem eigenen Kopf als auch mit seinen Medien, daher ist „UHF“ so ziemlich eine Ausrede für aufwändige Traumsequenzen und seltsame TV-Show-Parodien, darunter „Conan, der Bibliothekar“, „Onkel“. Nutsys Clubhouse“ und „Wheel of Fish“.

Noch nie zuvor – und seitdem nicht mehr in diesem Ausmaß – wurden Polizisten auf der Leinwand als verrückte, degenerierte Trottel dargestellt, die ihre Schutz- und Hilfspflichten nicht annähernd ernst nehmen. Die Broken Lizard-Truppe drehte und spielte die Hauptrolle in „Super Troopers“, einer Komödie über Staatspolizisten aus Vermont, die den ganzen Tag herumfahren, sich unermüdlich mit jungen Schurken anlegen, sich gegenseitig Streiche spielen, an Sirup-Chucking-Wettbewerben teilnehmen und darüber streiten, wer den besten Schnurrbart hat . Diese idyllische Blase der Selbstbezogenheit zerplatzt, als die Polizeistation vor der Schließung steht und sie einen Drogenschmuggel aufdecken müssen. Ignorieren Sie den schlechten Rotten-Tomatoes-Score, denn dieser Kultklassiker ist ein absolutes Juwel.

Das von der Depression geprägte Amerika, zwei pleite Männer, die sich als Frauen verkleiden, und ein Gangstermord in Chicago klingen für das heutige Publikum nicht gerade nach der attraktivsten Komödie, aber „Manche mögen’s heiß“ bleibt ein hochgeschätzter Klassiker und steht an der Spitze des American Film Institute Top-Komödienliste mehr als 50 Jahre nach ihrer Veröffentlichung.

Nachdem die Jazzmusiker und besten Freunde Jerry und Joe Zeuge werden, wie ein Raubkopierer, der mit der Mafia in Verbindung steht, einen Mord begeht, müssen sie die Stadt verlassen und sich auf die Flucht begeben und Jobs bei der hauseigenen Band eines Resorts in Miami annehmen. Der einzige Knackpunkt ist, dass es sich um eine rein weibliche Band handelt, also ziehen Jerry und Joe Perücken, Make-up und Kleider an und werden zu „Daphne“ und „Josephine“. Sobald sie sich in der Band etabliert haben, müssen sie nun effektiv so tun, als wären sie Frauen, während Joe sich heftig in die Sängerin der Gruppe, Sugar Kane Kowalczyk, verliebt und Jerry sich mit Osgood auseinandersetzen muss, einem verliebten neuen Verehrer.

„Caddyshack“ hat eine lockere Handlung, aber viel Spaß beim Lachen. Es gibt eine durchgehende Linie, bei der es um ein Golfturnier geht, bei dem Country-Club-Caddies einen lebensverändernden Geldbetrag gewinnen müssen, aber das verschlungene Drehbuch verfolgt das nur gelegentlich. Passend zu seiner Besetzung aus „Saturday Night Live“-Veteranen, Sitcom-Darstellern und Stand-Ups spielt sich „Caddyshack“ wie eine Reihe verwandter Sketche und Charakterstücke, die sich um einen Golfplatz drehen. Da ist Ted Knight aus der Serie „The Mary Tyler Moore“ als apoplektischer Richter, der einfach nur in Ruhe Golf spielen will, Rodney Dangerfield als widerwärtiger reicher Kerl, der dazu neigt, auf dem Grün zu feiern, Chevy Chase als selbstgefälliger und frauenhafter Golfprofi und Bill Murray als verrückter Platzwart, der Krieg mit dem schelmischen Gopher führt.

„Legally Blonde“ wurde 2001 veröffentlicht und widerlegte die Vorstellung der 90er Jahre, dass Zynismus gleichbedeutend mit Intelligenz und Optimismus gleichbedeutend mit Dummheit sei. Dies ist eine inspirierende Wohlfühlkomödie, bei der man ein Buch nicht nach seinem Einband beurteilen darf. Elle Woods (in einer Star-Performance von Reese Witherspoon) ist allem Anschein nach ein stereotypisches dummes Studentenverbindungsmädchen. Aber als ihr selbstgefälliger Freund sie verlässt, als er an die Harvard Law School kommt, versucht sie, auch dorthin zu gehen, und witzelt selbstbewusst und trotzig: „Was, als ob es schwer wäre?“ Sie verleiht dem biederen und spießigen Jurastudium etwas Glück und findet dabei ihre Berufung.

Die alltäglichen Macken des amerikanischen Lebens scheinen für Amerikaner, die ihr ganzes Leben in den USA gelebt haben, keine Macken zu sein. Aber die Besonderheiten Amerikas wirken geradezu zufällig, seltsam und urkomisch, wenn man sie mit den Augen einer neugierigen, wertschätzenden und feierlichen Figur betrachtet, die das Land noch nie zuvor besucht hat – wie Prinz Akeem, der Thronfolger von Zamunda. Anstatt die von seinen Eltern für ihn ausgewählte Braut zu heiraten, reist er nach New York in der Hoffnung, seine einzig wahre Liebe zu treffen. Er hält seine Identität geheim, bekommt einen schlecht bezahlten Job bei einem McDonald's-Klon und verliebt sich in die Tochter des Chefs. Akeem schwankt, als er Amerika und die Amerikaner aus nächster Nähe erlebt – viele von ihnen werden von Eddie Murphy sehr breit gespielt und mit vielen Schichten Make-up versehen.

Dieser beliebte britische Kultklassiker kündigte die Ankunft des weithin gefeierten Charakterdarstellers Richard E. Grant an, der neben Paul McGann als Co-Protagonist, der nur als „I“ bekannt ist, den lebhaften Withnail spielt. Wir schreiben das Jahr 1969 und die beiden teilen sich eine heruntergekommene Wohnung in London, der perfekte Ort zum Abhängen, Trinken, Rauchen und Drogenkonsum. Wenn sie eine Pause von der Plackerei des Lebens brauchen, begeben sie sich aufs englische Land, zum Cottage von Withnails Onkel Monty, einem grinsenden Widerling, der „Ich“ sehr unbehaglich macht, fast so unbehaglich wie Landleute Withnail.

Biopics müssen nicht immer ernste, behäbige Geschichten sein, die ihre Motive voller liebevoller Ehrfurcht betrachten. Sie können auch sehr lustig sein, sofern das Leben der porträtierten Figur dies rechtfertigt. Und Tim Burton hatte vollkommen Recht, „Ed Wood“ als Komödie darzustellen – einen stilvollen, wunderschön gedrehten Film, der aussieht, als stamme er aus der Mitte des 20. Jahrhunderts, in der der Großteil des Films spielt –, aber dennoch eine Komödie. Ed Wood war ein Filmemacher, der nicht über großes Können oder Talent verfügte, dies aber durch Enthusiasmus und Wahnvorstellungen wettmachte. Und Burtons Biopic wirft einen ausführlichen Blick auf Woods Inszenierung von „Plan 9 from Outer Space“, der weithin als der schlechteste Film aller Zeiten gilt, wegen seiner schlechten Schauspielerei und unfähigen Regie, die der Titelfilmer überschwänglich als „perfekt“ bezeichnete!

Harry und Lloyd sind wahrscheinlich die beiden dümmsten Kerle in Rhode Island, und sie sind die letzten, die in den Besitz einer Tüte Lösegeld kommen sollten, die für einige Gewaltverbrecher bestimmt ist. Und so machten sie sich daran, es der Frau zu übergeben, von der Lloyd glaubt, dass sie es versehentlich zurückgelassen hatte: Mary Swanson, seiner Traumfrau. Sie fahren mit ihrem mobilen Hundepflegewagen (als Hund verkleidet) den ganzen Weg nach Colorado und erleben unterwegs einige alberne Missgeschicke, wie zum Beispiel das nervigste Geräusch der Welt, die Zerstörung einer Toilette und das versehentliche Füttern von Rattengift zu einem Killer.

„Animal House“ wurde unter der Aufsicht des aggressiv aufdringlichen und manchmal schmutzigen Humormagazins „National Lampoon“ produziert und etablierte einige neue filmische Konzepte, wie etwa eine wilde College-Komödie mit R-Rating und das „Snobs vs. Slobs“-Konzept das tauchte in den 80er Jahren in Comicfilmen auf. Die Handlung spielt in den frühen 1960er-Jahren auf dem Campus des Faber College, wo das Studentenwohnheim Delta Tau Chi so lüstern und alkoholgetränkt ist, dass es fast jeden aufnimmt, der bereit ist, ihnen dabei zu helfen, legendäre Partys zu veranstalten und aufwändige Streiche auf dem Campus zu spielen. Das bringt ihnen den Zorn des Dekans Vernon Wormer ein, der die Studentenverbindung auf „doppelte geheime Bewährung“ setzt und eine hochnäsige, reiche Kinderverbindung anwirbt, um bei der Beseitigung von Delta House zu helfen … das nicht ohne einen heftigen Kampf untergehen wird.

„Dazed and Confused“ spielt im Jahr 1976 und spielt innerhalb von 24 Stunden. Dabei handelt es sich um eine Gruppe von Schülern in Austin, Texas, die nach dem letzten Schultag feiern. Der Film ist eine große Ensemblekomödie und folgt dem zurückhaltenden Footballstar Randall „Pink“ Floyd, der darüber debattiert, ob er ein Anti-Drogen-Versprechen unterzeichnen soll oder nicht, während er durch die Stadt fährt und mit seinen Freunden Marihuana trinkt und raucht. Da ist auch die Notlage von Mitch, einem Neuling, der seine Schikanen (in Form von Paddeln) wie ein Champion erträgt und mit den coolen Kids in der Billardhalle und auf der Moon Tower-Party abhängen kann. Währenddessen schleicht Wooderson um die 20 herum und macht sich mit High-School-Mädchen an, darunter auch mit der Streberin Cynthia, die ziellos mit ihren ebenfalls nervösen Außenseitern Tony und Mike umherfährt. Es ist die großartigste Nacht ihres Lebens, aber das wissen sie noch nicht wirklich.

Nach dem kreativen und kommerziellen Erfolg von „Airplane!“ Das ZAZ-Team trainierte seine Parodie- und Witzfähigkeiten im Detektivgenre und erfand die atemberaubend alberne Cop-Show-Parodie „Police Squad!“ Sie wurden schnell abgesetzt und sechs Jahre später als Filmreihe mit dem ersten von drei „The Naked Gun“-Filmen wiederbelebt. Leslie Nielsen porträtiert Det. Frank Drebin, der schlechteste Detektiv der Welt, der glaubt, der Beste zu sein, als er (nur knapp, irgendwie) ein Attentat auf Königin Elizabeth II. verhindert.

Ende der 1970er Jahre, nachdem sich die Welt über „The Muppet Show“ in Jim Hensons anarchische und liebenswerte Muppets verliebt hatte, bekam die Truppe lebensechter Filz- und Stabfiguren eine Entstehungsgeschichte auf der großen Leinwand. „The Muppet Movie“ konsolidiert und destilliert perfekt die einzigartige und familienfreundliche Art der transgressiven Hippie-Komödie der Muppets in Form eines musikalischen Spektakels, das auch provokativ meta ist. Es ist die Geschichte der Muppets (Kermit, Fozzie, Gonzo, Miss Piggy, Animal und alle anderen), wobei sich unsere Helden bewusst sind, dass sie in einem Film über sich selbst spielen, häufig die vierte Wand durchbrechen und mit besonderen prominenten Gaststars interagieren als sie sich treffen und nach Hollywood fahren.

Die fiktive, verschlafene Stadt Blaine in Missouri feiert bald ihr 150-jähriges Bestehen und es liegt an der örtlichen Theaterregisseurin Corky St. Clair, ein originelles Musical über die Geschichte der Stadt zu inszenieren. In dieser komischen Mockumentary wirkt sein Größenwahn ansteckend auf seine Truppe aus bescheidenen und albernen Stadtbewohnern, darunter eine desinteressierte Kassiererin von Dairy Queen, ein extrem schielender Zahnarzt und verheiratete Reisebüroangestellte, die in der winzigen Welt des örtlichen Theaters eine große Rolle spielen. Ihre Begeisterung für Corkys schreckliche Inszenierung gerät außer Kontrolle, als der Regisseur das Gerücht verbreitet, der titelgebende Guffman, ein Broadway-Produzent, könnte auftauchen, um sich die Show anzusehen und die Schauspieler nach New York zu entführen.

Basierend auf der komischen, fiktiven Interpretation des Schriftstellers Tom Perrotta über die Präsidentschaftswahlen von 1992, bei der ein Vertreter des Establishments, eine sympathische und sympathische Figur und ein unberechenbarer Außenseiter für ein Amt kandidierten, erzählt „Election“ die Geschichte des Regierungswahlkampfs der Schülerschaft einer High School im Mittleren Westen , zusammen mit einem Blick auf die skandalösen, unzähligen Leben einiger unethischer Lehrer.

Die ehrgeizige, hartgesottene Draufgängerin Tracy Flick arbeitet härter als jeder andere und hat es wahrscheinlich verdient, Präsidentin zu werden, aber der Studentenregierungsberater Mr. McAllister verabscheut sie so sehr, dass er den netten, dummen und beliebten Sportler Paul dazu ermutigt, als Spielverderber zu kandidieren. Dann beschließt Pauls Schwester, eine anarchistische Unzufriedene, ebenfalls am Rennen teilzunehmen, während Tracy eine Affäre mit einer Lehrerin hat und Mr. McAllister versucht, seine Frau zu betrügen.

Mit „Spaceballs“ verfolgte Autor, Regisseur und Schauspieler Mel Brooks sein langjähriges Ziel, jedes populäre Filmgenre in Science-Fiction zu persiflieren. Es gibt eine ziemlich originelle Handlung über Präsident Skroob vom Planeten Spaceball, der dem unschuldigen Planeten Druidia die frische Luft stiehlt, und über die Prinzessin Vespa dieser Welt, die vor ihrer Hochzeit mit dem grausamen Prinzen Valium davonläuft, aber all das ist kaum mehr als ein Mittel, um das Gegenteil aufzuspießen heilige ursprüngliche „Star Wars“-Trilogie. Es gibt lustige, vernichtende Begleiterscheinungen bekannter Lucasfilm-Ikonen, wie den pingeligen Droiden Dot Matrix (gesprochen von Joan Rivers), das haarige Hundegeschöpf Barf (der einen fliegenden Winnebago steuert) und den bösen Dark Helmet, der diesen Riesen nicht einatmen kann , imposante Kopfbedeckung. Brooks selbst macht einen Cameo-Auftritt als Yoda-ähnlicher Joghurt und hält ein leidenschaftliches Meta-Plädoyer für die Bedeutung des Brandings und Merchandisings von „Spaceballs“ im Stil von „Star Wars“.

„Zoolander“ basiert auf Skizzen, die Drehbuchautor, Regisseur und Hauptdarsteller Ben Stiller für VH1 angefertigt hat, und spielt in einer Welt des frühen 21. Jahrhunderts, in der männliche Models eine wirklich große Rolle spielen. Der professionelle, hübsche Mensch Derek Zoolander ist so berühmt und beliebt – für sein „Aussehen“, das komischerweise alle genau gleich zu sein scheint –, dass er Einfluss hat. Und so wird er angeworben, um dabei zu helfen, ein von der Modeindustrie unterstütztes Attentat auf den malaysischen Premierminister zu verhindern, der die Arbeitspraktiken in Ausbeutungsbetrieben eindämmen will. Leider ist Derek Zoolander auch der dümmste Mensch auf Erden, möglicherweise sogar noch dümmer als sein Rivale, der zum Freund/Kohorten in Aktion wurde, Hänsel.

„Idiocracy“ ist ein sehr kluger Film über sehr dumme Menschen. Armeebibliothekar Joe Bauers ist so durchschnittlich, dass er zum durchschnittlichsten Mann des Militärs erklärt wird, und er wird für ein seltsames Experiment ausgewählt, bei dem er (zusammen mit einer Sexarbeiterin namens Rita) für kurze Zeit kryonisch eingefroren wird. Die Streitkräfte vergessen das Experiment und Joe und Rita tauchen im Jahr 2505 in einer veränderten Welt auf, in der sich die Menschheit zu einer erschreckend dummen Rasse entwickelt hat, in der sich jeder nur auf unmittelbare Freuden konzentriert. Der einst durchschnittliche Joe ist standardmäßig der klügste Mann der Welt, und die Regierung zwingt ihn, eine katastrophale Nahrungsmittelknappheit zu beheben – es scheint, als würden die Landwirte den Feldfrüchten kein Wasser, sondern Brawndo geben, den „Durstvernichter“, weil er „Elektrolyte“ enthält. Als es Joe nicht sofort gelingt, muss er in einem Demolition-Derby um sein Leben kämpfen.

Dieser bizarre, gewagte, bonbonfarbene Roadtrip-Film diente als Debütparty für den eigenwilligen zukünftigen A-List-Filmemacher Tim Burton und als Einführung in die breite Öffentlichkeit für Pee-wee Herman, den stimmgewaltigen, anzugtragenden, lebender Zeichentrickfilm eines übergroßen Jungen, gespielt in einer beliebten Bühnenshow in Los Angeles des Komikers Paul Reubens. Pee-wees großes Abenteuer beginnt, als sein skurriles Leben voller Gadgets und Zaubertricks durch den Diebstahl seines fantastischen Fahrrads auf den Kopf gestellt wird. Er macht sich auf die Suche danach und erfährt dabei viel über die verwirrende reale Welt. Außerdem freundet er sich mit einem Kriminellen an, sucht nach dem Keller des Alamo und erlebt eine Begegnung mit einem Geister-Trucker.

Die Marx Brothers hatten eine Formel, aber sie war für die damalige Zeit neu und begeisterte und unterhielt das Publikum auf jeden Fall. Sie waren ein vierköpfiges Comedy-Team, jeder mit einer erkennbaren und einzigartigen Persönlichkeit. Zeppo spielt es klar, Chico spricht mit einem übertriebenen italienischen Akzent, Harpo hupte, anstatt zu sprechen, und Groucho – mit Schnurrbart und Brille – zog die Augenbrauen hoch, während er scharfsinnige und witzige Witze machte. In ihren Filmen haben sich die Marx Brothers zusammengetan, um angespannte Institutionen zu zerstören und es an die vollgestopften Hemden zu kleben, indem sie Wahnsinn und Cleverness einbrachten, um eine spektakuläre Leinwandkomödie zu erschaffen, die fast ein Jahrhundert später immer noch nachgeahmt wird. In „Duck Soup“, einem der besten Filme der Marx Brothers, spielt Groucho Rufus T. Firefly, den neu ernannten Präsidenten der bankrotten Nation Freedonia, der mit der Nachbarin Sylvania in den Krieg zieht, um die Gunst (und das Vermögen) eines Reichen zu gewinnen Frau. Es ist eine brillante Satire auf Politik und Krieg, und der „Spiegel“-Gag des Films wird noch heute kopiert.

Es kommt nicht oft vor, dass Hollywood eine Buddy-Komödie über zwei Frauen mittleren Alters aus dem Mittleren Westen dreht, noch einen Film, der so stolz und atemberaubend albern ist wie „Barb und Star gehen nach Vista Del Mar“. Kristen Wiig und Annie Mumolo, die gemeinsam den Oscar-nominierten Film „Brautjungfern“ geschrieben haben, haben das Drehbuch für diesen Film geschrieben und spielen die Hauptrollen – zwei langjährige, naive und sehr anständige beste Freundinnen, die sich nach dem Verlust ihres Jobs auf den Weg machen auf einem abenteuerlichen Roadtrip zu einem tropischen Resort namens Del Mar, das sich an Menschen ab einem bestimmten Alter richtet. Diese Handlung würde für die meisten Komödien ausreichen, zusammen mit den vielen lächerlichen Musikeinlagen und einer ganzen Flugreise, die damit verbracht wird, über die theoretisch perfekte Frau namens Trish zu diskutieren, aber was den Wahnsinn noch verstärkt, schmieden ein Superschurke (wieder Wiig) und ihre seltsame Gruppe von Schergen Pläne Del Mar zu zerstören, als Rache für eine lange zurückliegende Kindheitsdelikt.

„Der Hummer“ ist eine romantische Komödie, die in einer vage futuristischen Dystopie (oder vielleicht auch einer bizarren Utopie) spielt, in der die Welt größtenteils gleich aussieht, in der jedoch strenge Regierungsanweisungen zum Liebesleben ihrer Bürger und mythologische Phänomene nur ein Teil des Lebens sind . Die Behörden sind so sehr darauf bedacht, Bürger zu Paaren zusammenzubringen, dass diejenigen, die zu lange Single bleiben, in ein Resort geschickt werden, wo sie 45 Tage Zeit haben, einen Partner mit passenden körperlichen Merkmalen oder Missbildungen zu finden. Wenn nicht, werden sie in Tiere verwandelt. Anstatt sich all dem zu unterwerfen, begibt sich ein Mann namens David in den Wald und schließt sich einer militanten Singlegruppe an, verliebt sich aber ironischerweise in einen gefährlichen „Einzelgänger“.

Selten ist ein für Kinder gemachter Film so witzig, dass er für ein breites Publikum wirklich lustig ist, auch für Erwachsene, die Hunderte von Filmen gesehen haben und alle Comedy-Elemente auswendig gelernt haben. „The LEGO Movie“ ist dieses filmische Einhorn (oder Unikitty, wenn wir eine der fantasievollsten Figuren des Films nennen wollen). In diesem CGI-Film, der wie eine Stop-Motion-Animation aussieht, in der alles aus LEGO besteht, entdeckt ein normaler Typ namens Emmet Brickowski, dass er „besonders“ ist und die einzige Person, die das Lego-Reich vor der schändlichen Verschwörung von Lord Business retten kann. Emmet ist nicht schlau oder zynisch genug, um der Herausforderung gewachsen zu sein, aber er hat die Hilfe einer bunt zusammengewürfelten Gruppe von Verbündeten, darunter der rebellische und selbsternannte Wyldstyle, ein besonders mürrischer Batman und so ziemlich jeder andere Charakter der Popkultur jemals in eine LEGO-Figur verwandelt.

Charlie Chaplin schuf praktisch die Idee einer Leinwandkomödie, indem er in den 1910er, 1920er und 1930er Jahren die überwältigte, vom Pech geplagte „Kleine Tramp“-Figur schrieb, Regie führte und die Hauptrolle in zahlreichen international beliebten Filmen spielte – alles in Schwarz und weiß und alles still. Das war die Fähigkeit, eine Geschichte zu erzählen, die Aufmerksamkeit des Publikums zu fesseln und kreativ und unglaublich witzig zu sein, ohne ein Wort zu sagen. In „The Gold Rush“ porträtiert Chaplin den kleinen Landstreicher als Goldsucher in Alaska während des Klondike Rush Ende der 1890er Jahre. Zu gegebener Zeit gerät er in einen Schneesturm und bleibt mit einem gesuchten Mann in einer klapprigen Hütte stecken. Langsam werden sie vor Langeweile und Hunger verrückt, aber der kleine Landstreicher überlebt irgendwie den spektakulären Einsturz der Hütte, während er uns mit seinem Schuhwerk und seinem bezaubernden Rollentanz zum Lachen bringt.

Die große und einflussreiche englische Sketch-Comedy-Truppe Monty Python hat ein großartiges, altmodisches biblisches Epos gemacht, aber sie haben es auf ihre Art gemacht. „Life of Brian“ handelt von einer imaginären Figur, Brian, der am ersten Weihnachtsfest in der Nähe von Jesus Christus in einer anderen Krippe geboren wird. Sein Leben ähnelt und überschneidet sich bei vielen Gelegenheiten mit dem seines berühmteren Geburtstagskameraden, und dann schließt sich Brian einer antirömischen Revolutionsgruppe an. Nachdem sein Versuch, römische Graffiti zu verunglimpfen, fehlschlägt, ist er ein gesuchter Mann und ihm droht der gleiche gewaltsame Tod wie Christus. Er hat vielleicht nicht den Allmächtigen auf seiner Seite, aber er bekommt die Chance, das optimistische „Immer auf die Braut im Blickfeld des Lebens zu schauen“ zu singen, während er dem sicheren Untergang entgegensieht.

Mit „Beverly Hills Cops“, einem Monsterhit einer Actionkomödie, übertrug Eddie Murphy den Charme und das außergewöhnliche komödiantische Timing, die ihn in „Saturday Night Live“ zu einer Sensation gemacht hatten, auf die große Leinwand. In diesem Fisch-aus-dem-Wasser-Krimi (mit einer durchgängigen Reihe von Witzen, Schimpfwörtern und witzigen Bemerkungen) porträtiert Murphy Axel Foley, einen Polizeibeamten aus Detroit, der weit außerhalb seiner Zuständigkeits- und Komfortzone ist, als er auf der Suche nach einem Mörder ist hochnäsige Enklave von Los Angeles. Wenn er nicht gerade mit den verklemmten Polizisten des Beverly Hills Police Department aneinander gerät, erlebt er auf amüsante Weise einen Kulturschock über die seiner Meinung nach seltsamen kalifornischen Lebenswelten. Das Publikum identifiziert sich mit Axel Foley und fühlt sich mit ihm verbunden, während er sich mit dem Materialismus der 80er-Jahre auseinandersetzt, während Murphy jeden Teil seiner Filmpersönlichkeit zum Vorschein bringt, die ihn zum Superstar gemacht hat.

„Tootsie“ gilt in Filmschulen als Beispiel dafür, wie eine Komödie geschrieben werden sollte. Es ist eine klassische, fast Shakespeare-artige Geschichte über Identitätsverwechslungen, in der das Publikum weiß, was los ist, und sich den Charakteren überlegen fühlen kann, weil sie nicht wissen, was wirklich vor sich geht. Dustin Hoffman spielt Michael, einen ernsthaften New Yorker Schauspieler, der bei seinen Rollen so wählerisch ist, dass er es nicht schafft, viel Arbeit zu finden. Nach einem katastrophalen Vorsprechen für eine Seifenoper verkleidet sich Michael als „Dorothy Michaels“, eine junge Südstaatenschauspielerin, und sie bekommt die Rolle in dem Tagesdrama. Dann geraten die Dinge außer Kontrolle, als Dorothy sich bei den Produzenten als beliebt erweist und Michael sich in eine weibliche Co-Star verliebt.

„The 40-Year-Old Virgin“ verbindet tief empfundene Emotionen mit wilder und suggestiver Komödie und etabliert den Ansatz des Autors und Regisseurs Judd Apatow als den definitiven Ansatz der Filmkomödie der 2000er Jahre. Steve Carell spielt Andy, einen äußerst schüchternen Mann mittleren Alters, der noch nie die Berührung einer Frau gekannt hat. Als seine Macho-Kollegen davon erfahren, begeben sie sich auf eine Suche im Sex-Comedy-Stil der 80er-Jahre, um die Situation für Andy zu verbessern, indem sie ihm alle möglichen groben und sexistischen Ratschläge geben, die ihn in mehrere schmerzhafte und schmerzhaft komische Situationen bringen. In der Zwischenzeit könnte er sich vielleicht selbst um die Dinge kümmern, da er auch langsam eine echte und zarte Romanze mit einer alleinerziehenden Mutter verfolgt.

„Billy Madison“, der den Ton, den Stil und die Besetzung mit „SNL“-Veteranen für die Filme vorgibt, die Adam Sandlers Karriere prägen sollten, ist ein alberner Film mit einer fesselnden, wenn auch völlig unrealistischen Prämisse. Sandler porträtiert Billy, einen Mann in seinen Zwanzigern, der am Pool der Villa seiner Familie faulenzt und sich den ganzen Tag mit seinen Freunden betrinkt. Er will die Firma seines Vaters erben, der in den Ruhestand geht, wird aber von einem berechnenden Manager daran gehindert, der ihn hasst und die Firma für sich haben will, nachdem der Bösewicht herausfindet, dass Billy die Schule nie abgeschlossen hat. Um zu beweisen, dass er ein reifer, gebildeter Mann ist, geht Billy wieder zur Schule – angefangen im Kindergarten. Er schafft jede Klasse in zwei Wochen, und für Billy ist es tatsächlich ziemlich schwierig, weil er amüsant unreif und nicht sehr schlau ist. (Außerdem ist es objektiv urkomisch zu sehen, wie sich ein erwachsener Mann in einen Schreibtisch in Kindergröße zwängt.)

Einige Jahre nach dem Ende ihrer bahnbrechenden MTV-Sketch-Comedy-Serie kamen die Mitglieder der State-Comedy-Truppe (zusammen mit Paul Rudd, Bradley Cooper, Amy Poehler, Janeane Garofalo und David Hyde Pierce) wieder zusammen, um einen 2000er-Jahre-Auftritt in der langen Serie zu schaffen. vergessenes Genre der Sommercamp-Filme der frühen 80er Jahre. Die Ensemblekomödie mit vielen miteinander verflochtenen Geschichten spielt 1981 am letzten vollen Sommertag im Camp Firewood in Maine und begeisterte die Kritiker bei ihrer Erstveröffentlichung nicht, wurde aber im Laufe der Jahre zu einem Kultklassiker, weil sie sich langsam, geschickt und absolut in den Film einfügt Chaos und Lächerlichkeit. Dreiecksbeziehungen im Camp scheinen nicht mehr so ​​wichtig zu sein, als Skylab aus dem Weltraum fällt, der aus den Fugen geratene Camp-Koch einen romantischen Akt an einem Kühlschrank vorführt, eine Dose Gemüse zu reden beginnt und ein kitschiger Borschtsch-Gürtel-Komiker die Talentshow des Camps rockt.

Stummfilme neigen nicht dazu, gut zu altern, aber die einfallsreichen, von körperlicher Komödie geprägten Filme von Buster Keaton schon. Der Schauspieler und Filmemacher – mit seinem ausdrucksstarken Hangdog-Gesicht – spielte aufgesetzte Kerle, die in Situationen gedrängt wurden, an denen sie keinen Anteil haben wollten – ein perfektes Rezept zum Lachen und eines, das die Bühne für die urkomischen Stunts bereitete, die Keatons Charaktere zwischen Eleganz und Demütigung schwanken ließen.

Und in „The General“ porträtiert Keaton einen Eisenbahningenieur im Süden aus der Zeit des Bürgerkriegs namens Johnny Gray. Nachdem seine Verlobte versehentlich von Unionstruppen entführt wurde, die einen Zug stehlen, macht er sich auf den Weg, um sie zurückzubekommen, und verfolgt die Soldaten mit vielen unkooperativen Transportmitteln. Wenn Sie sich schon immer eine witzigere, ruhigere Version von „Mad Max: Fury Road“ gewünscht haben, könnte dieser Stunt-Verfolgungsfilm der richtige Film für Sie sein.

Parodie-Meister Mel Brooks gab mit dieser scharfsinnigen Unterhaltungs-Business-Satire sein Spielfilmdebüt und gewann dafür einen Oscar für Drehbuch. Max Bialystock ist ein ehemals erfolgreicher Broadway-Produzent, der nun davon profitiert, indem er alten Frauen Liebesdienste anbietet und dafür in zukünftige Produktionen investiert, die er nie wirklich in die Tat umsetzen wird. Als sein sehr nervöser und leicht in Panik geratener Buchhalter Leo Bloom einige massive Mängel in seinen Büchern entdeckt, wird dem Duo klar, dass sie mit einem Theaterstück, das eine Bombe schlägt, tatsächlich viel mehr Geld verdienen können als mit einem großen Erfolg. Und so machten sie sich daran, eine garantierte Katastrophe zu schaffen, und wählten ein schillerndes, nationalsozialistisches Musical mit dem Titel „Frühling für Hitler“. Schaffen sie den Betrug und werden schnell reich? Nicht genau.

Für alle außer Buddy ist klar, dass er kein geborener Nordpol-Weihnachtself ist – er ist 1,80 m groß und kann zum Beispiel schlecht Spielzeug herstellen. Als er die Nachricht erfährt, dass er adoptiert wurde, verlässt er die freundliche Werkstatt des Weihnachtsmanns, um den leiblichen Vater aufzusuchen, den er nie getroffen hat, einen mürrischen, zynischen New Yorker Buchverleger namens Walter Hobbes, der schockierenderweise auf der „Liste der Frechen“ steht. Doch anstatt sich von der Stadt korrumpieren zu lassen, bringt Buddy allen, denen er begegnet, mit großen Augen Weihnachtsfreude entgegen, von Walter und seiner Familie bis hin zu einer charmanten Kaufhauselfe namens Jovie. (Und ja, natürlich rettet Buddy am Ende Weihnachten.)

Einige der besten Komödien beginnen mit einer vertrauten und nachvollziehbaren Prämisse, und nachdem sie das Publikum angezogen haben, verfeinern und eskalieren sie die Geschichte und erfreuen so alle Zuschauer. „Grosse Pointe Blank“ zum Beispiel bringt die unangenehme, fast durchweg amerikanische Erfahrung des High-School-Treffens und die Angst hervor, nach Hause zurückzukehren und Rechenschaft über sich selbst und Ihre Handlungen seit dem Abschluss abzulegen. Martin Blank kehrt für sein 10-jähriges Wiedersehen in seine Vorstadt-Heimatstadt Detroit zurück, um wieder Kontakt zu Debbie aufzunehmen, der besonders coolen Liebe seines Lebens, die er am Abend des Abschlussballs geweckt hat. Mittlerweile arbeitet er auch als einer der besten Auftragsmörder der Welt, doch dieser Beruf bereitet ihm zunehmend Unwohlsein, vor allem weil er einem aggressiven Killerkollegen aus dem Weg geht, der sich gewerkschaftlich organisieren will und ein Nein nicht als Antwort akzeptiert.

Dies ist keine Drehbuchkomödie und auch kein wirklicher Dokumentarfilm. „Jackass: The Movie“ ist die Kinoversion der erfolgreichen MTV-Stunt- und Streichserie, frei von den strengen Inhaltsbeschränkungen des Kabelfernsehens. Die „Jackass“-Crew, ein eingeschworener Haufen von Kerlen, die es lieben, sich selbst und einander zu verletzen und sich selbst zu verletzen, wirkt wie ein süßer und liebevoller Haufen, wenn sie Versatzstücke inszenieren, die für das Fernsehen zu wild, profan oder aufwändig sind. Auch diese Jungs leiden unter ihrer Kunst. Zu den etwa 50 Sequenzen gehören die Verabreichung von Elektroschocks, das Betreten eines Mietwagens bei einem Demolition-Derby, das Zusammenstoßen von Golfwagen, ein Seiltanz über eine Alligatorgrube und die Benutzung einer Ausstellungstoilette in einem Baumarkt.

„Harold und Maude“ ist ein Kultklassiker, der dazu beigetragen hat, die Sprache sowohl des unabhängigen Filmemachens als auch der düsteren Komödien zu etablieren. Nachdem er eine Chemieexplosion überlebt hat, ist der junge Harold vom Tod besessen, geht zu Beerdigungen und inszeniert aus Spaß (und um seine wohlhabende Mutter zu ärgern) aufwändige Todesszenen von sich. Doch dann lernt er Maude kennen, eine freigeistige 79-Jährige, die Spaß daran hat, zu tun, worauf sie Lust hat, und die Leute zu beeinflussen. Zu ihren Hobbys zählen das Stehlen von Autos und die Teilnahme an Beerdigungen. Maude hilft Harold, die Freuden des Lebens zu schätzen, während Harold Maude dabei hilft, mit dem bevorstehenden Ende ihres Lebens klarzukommen.

Alles, was Ricky Bobby jemals tun wollte, war, schnell zu fahren. Inspiriert von seinem rücksichtslosen Vater, der verschwand, nachdem er ihm gesagt hatte: „Wenn du nicht der Erste bist, bist du der Letzte“, wächst er an der Seite seines besten Freundes Cal Naughton Jr. zu einem NASCAR-Champion heran. Er ist ein selbstgefälliger, arroganter und stolz mittelmäßiger Mensch ... bis ihn einige Missgeschicke auf der Rennstrecke ruinieren. Zuerst blamiert er sich damit, zu jeder Gottheit zu beten, die ihm einfällt, während er über die Strecke rennt und fälschlicherweise glaubt, er stünde in Flammen. Und dann wird er von einem kniffligen europäischen Formel-1-Fahrer deutlich geschlagen, wodurch er seinen Status, seine Sponsoren und seine Frau verliert. Seine lange Reise zurück wird Ricky Bobby die dringend benötigte Demut lehren.

Mary hat tatsächlich etwas an sich, wie der Titel dieser abgefahrenen Liebeskomödie der Farrelly-Brüder und der wiederkehrende Troubadour im Film andeuten. Mary ist unprätentiös, durchaus freundlich und mit einem guten Aussehen auf Filmstar-Niveau gesegnet – eine Kombination, die fast jeden Mann, den sie in ihrem Erwachsenenleben getroffen hat, überwältigt und ihn zu kriminellen und selbstzerstörerischen Taten treibt. Aber „There’s Something About Mary“ ist in Wirklichkeit die Geschichte von Ted, Marys unglückseligem Abschlussball-Date von vor Jahren, in den er immer noch sehr verknallt ist. Das Publikum wird vor Lachen heulen und gleichzeitig zusammenzucken, wenn Ted während seiner geduldigen Verfolgung von Mary eine grafisch schreckliche, schmerzhafte und peinliche Sache nach der anderen passiert.

Abgesehen von ihrer beliebten, kurzlebigen britischen Slacker-Komödie „Spaced“ war „Shaun of the Dead“ die erste von vielen Kooperationen zwischen dem Filmemacher Edgar Wright und den Schauspielern Simon Pegg und Nick Frost. In dieser brillanten Horrorkomödie porträtiert Pegg Shaun, einen Arbeiter in einem Londoner Elektronikgeschäft, der schnell nirgendwo hinkommt. Tatsächlich wurde er kürzlich von seiner Freundin verlassen. Er ist so in sein eigenes Elend vertieft, dass es extrem lange dauert, bis er merkt, dass sich seine Stadt mitten in einer Zombie-Apokalypse befindet. Aber als er es endlich schafft, greift Shaun schnell zur Tat, schwingt einen Cricketschläger und macht sich mit der Hilfe seines ebenfalls leistungsschwachen Mitbewohners Ed daran, sich selbst, seine Ex und seine Mutter zu schützen.

Es ist vielleicht die definitive Screwball-Komödie des goldenen Zeitalters Hollywoods. Und die Hauptrolle spielen zwei der nobelsten und angesehensten Schauspieler aller Zeiten – Cary Grant und Katharine Hepburn –, die sich albern benehmen und mit einem Tier um die Leinwandzeit konkurrieren, nicht weniger. In diesem verrückten, schlauen Schwarz-Weiß-Spiel muss der nerdige Paläontologe David Huxley eine High-Society-Dame beeindrucken, damit sie seinem Museum eine riesige Spende gibt. Alles, was er tun muss, ist, einen Tag mit ihrer Nichte Susan zu verbringen, einem unberechenbaren Freigeist, der die Dinge mit ihren Zuneigungen verkompliziert und abtrünnige Dinosaurierknochen und einen hungrigen Leoparden in die Mischung einbringt.

Dieser sanfte, familienverlockende Klassiker basiert auf William Goldmans ironischem Märchenroman und behauptet, nur „die guten Teile“ einer längeren, epischen Mythologie zu sein, die in den alten Königreichen Gulden und Florin spielt und vom mysteriösen S. Morgenstern geschrieben wurde. Zumindest erzählt das der Großvater dem kranken Enkel, während er aus dem Buch vorliest, das für den Betrachter lebendig wird. Im Kern geht es um die wahre Liebe zwischen Prinzessin Buttercup und einem Landarbeiter namens Westley, die durch seltsame, märchenhafte Umstände voneinander getrennt wird. An verschiedenen Stellen stirbt Westley, wird wiederbelebt und wird ein berühmter Pirat, während beide mit „Nagetieren ungewöhnlicher Größe“ und einem Trio von Entführern kämpfen, die sich bei der Verhinderung einer finsteren königlichen Verschwörung verbündet haben. Da sind der kluge Vizzini, der superstarke Fezzik und der Schwertkämpfer Inigo Montoya, der in aller Stille versucht, den Tod seines Vaters zu rächen.

Dieser epische Frivolitätsfilm der schrulligen Filmemacher Joel und Ethan Cohen ist eine Adaption von Homers antikem griechischen Epos „Die Odyssee“, spielt jedoch im amerikanischen Süden während der Weltwirtschaftskrise. Außerdem geht es um einen gutmütigen Kriminellen und nicht um einen mächtigen Krieger, und es ist lustig. Sowohl das Gedicht als auch „O Bruder, wo bist du?“ Allerdings gibt es verfolgte Feinde, verführerische Sirenen und einen Zyklopen. Was die Verschwörung betrifft, so ziehen drei Sträflinge unter der Führung des charmanten Ulysses Everett McGill aus einer Kettenbande aus und marschieren durch das Land und begegnen Gefahren, um lange verborgene gestohlene Reichtümer zu finden und sie dann in die Freiheit zu bringen.

„Deadpool“ ist ein Film, der die Frage stellt: „Was wäre, wenn dieser unglaublich lustige Freund, der während der gesamten Betrachtung eines Films urkomische Witze macht, die Hauptfigur und Erzählerin dieses Films wäre?“ Nun, dieser Film wäre fantastisch.

Hier spielt Ryan Reynolds – der in vielen anderen Filmen und auch im Off so charmant und selbstironisch witzig ist – Wade Wilson, einen Söldner mit niedrigem Einkommen, der nicht aufhören kann, lustige Dinge zu sagen, selbst nachdem bei ihm Krebs diagnostiziert und er dazu gezwungen wurde in eine experimentelle Behandlung, die ihn in einen deformierten Superhelden mit sofortigen Heilfähigkeiten verwandelt. Im Ernst, der Kerl reißt immer noch Witze, auch wenn er die Bösewichte verfolgt, die ihm die Haut von Freddy Krueger hinterlassen und die Liebe seines Lebens entführt haben.

Cary Grant hat sich darauf spezialisiert, charmante, elegante Schurken zu spielen, und in „Arsenic and Old Lace“ spielt er eine Figur, die den Lebensstil eines hübschen Junggesellen zu Geld macht, indem er Mortimer Brewster porträtiert, einen Autor von Büchern, in denen er das Ende der Ehe fordert. Er beschließt schließlich, sesshaft zu werden, doch nachdem die sympathische, rein amerikanische Dame von nebenan, Elaine, sein Herz erobert hat, beschließen sie, an Halloween zu heiraten. Das ist ein Omen für schlimme Dinge, die noch kommen werden, und so war es, wie der Film andeutet, seine Idee, das Familienleben anzunehmen. Kurz nach Bekanntgabe ihrer Verlobung entdeckt Mortimer, dass sein Bruder, sein Onkel und seine seltsamen Tanten allesamt heimliche, reuelose Mörder sind.

Im Jahr 1984 gab es keinen größeren Film als „Ghostbusters“, eine hochkarätige übernatürliche Actionkomödie mit einer Besetzung voller „Saturday Night Live“- und „SCTV“-Veteranen. Die Wissenschaftler Venkman, Stantz und Spengler werden aus ihren prestigeträchtigen Universitätsjobs geworfen, weil sie sich nebenberuflich mit dem Paranormalen beschäftigen. Sie erfahren von der Spukwelle in New York City und machen sich selbstständig, mieten ein altes Feuerwehrhaus und nennen sich „Ghostbusters“. Als sie ein Portal in eine andere Dimension entdecken, das Geister, dämonische Besitztümer und pures Böses auf die Stadt regnen lässt, liegt es an den entlassenen Geisterjägern, zu Helden zu werden.

In dieser liebevollen Parodie auf knallbunte, sehr britische Spionagefilme aus den 60er Jahren spielt Mike Myers Austin Powers, einen Agenten mit sehr schlechten Zähnen und einen Mann, der Frauen wie Objekte behandelt, sie „Baby“ nennt und fragt, ob sie das wollen "Shag." Und doch könnte Austin Powers in dieser Zeit trotz alledem (oder gerade deswegen) ein Held und Sexsymbol sein. Er erlebt einen Kulturschock, als er in den ungewohnten, seltsamen und politisch korrekten 90er-Jahren wieder eingefroren wird, um Dr. Evil (ebenfalls gespielt von Mike Myers) zu besiegen, einen Bösewicht im Bond-Stil, der die Weltherrschaft anstrebt (und sich wieder mit seinem Labor verbindet). -geschaffener Sohn Scott Evil).

Es gibt nicht allzu viele Thanksgiving-Filme, aber selbst wenn es welche gäbe, würde „Flugzeuge, Züge und Automobile“ über allen anderen stehen, weil es um die Anstrengungen geht, die Menschen auf sich nehmen, um pünktlich zu den Feiertagen nach Hause zu kommen, und um die Seele- niederschmetternde Frustrationen, die sie ertragen werden. In dieser Roadtrip-Komödie wird die kurze Reise von New York nach Chicago für den verklemmten Werbefachmann Neal und den geselligen, überheblichen Duschvorhangverkäufer Del scheinbar nie enden. Dieses seltsame Paar unternimmt die Reise schließlich gemeinsam, durch annullierte Flüge, Autobrände, intim Mehrbettzimmer in Motels, enge Busse und ein Raubüberfall.

Die Kinoversion der satirischen Zeichentrickserie ist nicht nur eine überlange Episode – sie ist ein ehrgeiziges und mitreißendes Kriegsepos voller Romantik, Übernatürlichem und einer Vielzahl von Musiksequenzen. Da es sich aber um „South Park“ handelt, ist das Ganze unglaublich profan und provokativ. Nachdem Stan, Kyle, Cartman und Kenny den Film der kanadischen Komiker Terrance und Phillip gesehen haben und mehr als sonst zu fluchen beginnen, gibt Kyles Mutter, die sich für den Kreuzzug einsetzt, Kanada die Schuld. Ihre Taten führen zu einem blutigen Konflikt mit der Nation, und unterdessen engagiert sich Stan für die Verteidigung von Terrance und Philip, weil er glaubt, dass das Mädchen, das er mag, ihn wieder mögen wird, wenn er politisch wird, während Kenny stirbt, in die Hölle kommt und Satan dabei hilft, zu verschwinden sein missbräuchlicher Partner Saddam Hussein.

Wenn Sie dachten, dass die Familie Griswold in „National Lampoon's Vacation“ mit einigen Katastrophen zu kämpfen hat, haben Sie nichts gesehen, bis Sie „Christmas Vacation“ gesehen haben. Nur wenige andere Urlaubsfilme vor oder nachher haben sich mit dem bekannten Stress, der Arbeit, dem familiären Druck und den Ärgernissen befasst, die mit dem Versuch einhergehen, bis zum 25. Dezember alles erledigt und perfekt zu haben. Clark Griswold ist bestrebt, das perfekte Weihnachtsfest für die Familie zu feiern – und kündigt den Bau eines Hinterhof-Swimmingpools an. Wir hoffen, dass seine Verwandten das Haus nicht zuerst auf verschiedene Weise niederbrennen und dass er tatsächlich den Bonusscheck von seinem grausamen Chef bekommt.

Autor und Regisseur Mike Judge, der zuvor vor allem für „Beavis and Butt-Head“ und „King of the Hill“ bekannt war, richtete in „Office Space“ sein Augenmerk schon bald darauf, die Unternehmenskultur, das Leben in der Kabine und sogar die Idee der Arbeit im Allgemeinen auf den Kopf zu stellen. " Im Mittelpunkt der Handlung steht hier Peter, ein unzufriedener und mutloser Büroangestellter, der seinen Hass auf seinen passiv-aggressiv fordernden Chef einfach nicht fokussieren oder unterdrücken kann, sodass er dem Vorschlag seiner Freundin zu einer therapeutischen Hypnose zustimmt. Tragischerweise stirbt der Hypnotiseur mitten in der Sitzung und lässt Peter in einem glückseligen Zustand zurück, in dem er sich nur um sein eigenes Glück kümmert und bei der Arbeit alles sagen und tun kann, was ihm in den Sinn kommt. Seine neu gewonnene emotionale Freiheit hilft ihm auch dabei, mit seinen Kollegen Samir und dem unglücklich benannten Michael Bolton einen digitalen Buchhaltungsbetrug zu starten.

„Bowfinger“ ist ein sehr lustiger Film darüber, wie Filme gemacht werden – oder besser gesagt, wie sie gemacht werden könnten, wenn der Traum und der Wunsch, sie zu machen, stark genug ist, selbst bei Möchtegern-Filmemachern, denen das Talent, das Geld und die Verbindungen dafür fehlen. Nachdem Bobby Bowfinger eine Truppe von Hack-Schauspielern durch einige Produktionen mit sehr geringem Budget geführt hat, behauptet er fälschlicherweise, den großen Filmstar Kit Ramsey für sein neuestes Projekt, einen Actionfilm namens „Chubby Rain“, besetzt zu haben. Er hat jedoch nichts dergleichen getan. Stattdessen verfolgt und filmt er heimlich Ramseys Aktionen (und Reaktionen auf die Zeilenlesungen seiner Schauspieler). Für Nahaufnahmen engagiert Bowfinger einen nerdigen Kit-Ramsey-Doppelgänger – das Gegenteil des frechen und paranoiden A-Listers. Und ja, Eddie Murphy spielt beide Rollen.

„Napoleon Dynamite“ handelt von einem High-School-Ausgestoßenen, ist aber keine herkömmliche Teenagerkomödie. Der Titelcharakter spielt in einer kleinen, ländlichen Stadt in Idaho und lebt ein Leben nach seinen eigenen Vorstellungen. Er hält sich für einen Champion und ein Idol und ärgert sich ständig über Klassenkameraden und Familienmitglieder, die wollen, dass er sich einfach normal verhält. Er ist zu sehr damit beschäftigt, seine Karate-Fähigkeiten weiterzuentwickeln, Disco-Tanz zu lernen, Actionfiguren aus Busfenstern baumeln zu lassen, mit seinem fast komatösen Freund Pedro in Gebrauchtwarenläden einzukaufen und Liger (das ist eine Mischung aus einem Löwen und einem Tiger) zu zeichnen, als dass er sich um was anderes kümmert Leute denken.

Die Filmemacher David Zucker, Jim Abrahams und Jerry Zucker drehten eine Comic-Version des B-Movies „Zero Hour“ von 1957, die auch als Parodie auf Katastrophenfilme der 1970er Jahre diente, insbesondere auf die „Airport“-Reihe. Auf diese Weise schuf ZAZ eine Blaupause für einen ganz neuen Filmstil – die Schnellfeuerkomödie, bei der alle paar Sekunden oder weniger ein Witz kommt und schnell vorüberziehende Sight-Gags hinzukommen. In „Flugzeug!“ Pilot Ted Striker kommt über eine gescheiterte Militärmission oder seine alte Freundin, die Flugbegleiterin Elaine, nicht hinweg und folgt ihr auf einen Langstreckenflug. Doch dann kommt es zu einer Katastrophe – fast jeder an Bord erkrankt an einer Lebensmittelvergiftung, und Ted muss einspringen, um das Flugzeug anstelle des verwirrend benannten Kapitäns Oveur zu steuern, während er von dem steinernen Dr. Rumack unterstützt wird, der im entscheidenden Wortwechsel des Films die Pointe bekommt:

Ted: Das kann doch sicher nicht dein Ernst sein.

Dr. Rumack: Ich meine es ernst. Und nenn mich nicht Shirley.

„Brautjungfern“ wurde bei seiner Veröffentlichung als revolutionär gefeiert und war eine Bro-Komödie mit übertriebenen Charakteren und anzüglichen, körperlich humorvollen Szenen, aber im Gegensatz zu den üblichen Gerichten dieser Art bestand die Besetzung fast ausschließlich aus Frauen. Kristen Wiig (die das Drehbuch mitgeschrieben hat und dafür eine Oscar-Nominierung erhielt) spielt Annie, eine Frau auf die 40 zu, die das Gefühl hat, dass ihr Leben stagniert, nachdem ihr Geschäft gescheitert ist, ihre egozentrische Gelegenheitsaffäre sich nicht binden will, und sie Mitbewohner werfen sie raus. Der einzige Lichtblick? Sie plant die Hochzeit ihrer besten Freundin Lillian. Doch schon bald gerät sie in Streit mit Lillians anderer bester Freundin, einem anmaßenden Snob, der sie auf Schritt und Tritt in den Schatten stellt. Als Annie die Chance bekommt, sich zu befreien, geht es schief, etwa als eine Lebensmittelvergiftung durch das Mittagessen ihrer Brautjungfer zur Zerstörung der Toilette eines Kleiderladens führt.

In dieser inoffiziellen Comic-Fortsetzung und Ablenkung von James Whales klassischen „Frankenstein“-Filmen der 1930er Jahre spielt Gene Wilder den zappeligen Dr. Frederick Frankenstein – ausgesprochen „FRAHNK-en-steen“ –, der versucht, sich von seinem berüchtigten Großvater zu distanzieren , Dr. Victor Frankenstein, der unappetitliche, grabraubende Wissenschaftler, der vor ein paar Jahren eine schreckliche Leiche wiederbelebte. Als er das ursprüngliche Frankenstein-Nachlass erbt, wiederholt er die Sünden seines Großvaters, ist fest entschlossen, selbst aus dem Tod Leben zu machen, und endet mit einem ganz anderen Monster – einem, das Angst vor Feuer hat, aber auch „Puttin‘“ aufführen kann. im Ritz.

„Das Leben bewegt sich ziemlich schnell“, sagt der privilegierte Teenager Ferris Bueller dem Publikum seines Films direkt und fleht uns an, den Tag zu nutzen und jeden Moment so zu leben, als wäre es der letzte. Und er hat sicherlich das Gefühl, dass das Ende nahe ist, da das Erwachsensein und all seine Verantwortungen in naher Zukunft bevorstehen. Also beschließt er, sich einen Tag frei zu nehmen und holt seinen schüchternen besten Freund Cameron und seine coole Freundin Sloane dazu, mit ihm einen Tag voller Vergnügungen in der Innenstadt von Chicago zu verbringen. Nachdem er seinen hochmodernen Computer und seine Requisiten verwendet hat, um seine Eltern und die Schule davon zu überzeugen, dass er krank ist, führt Ferris die Bande zu einem Essen in ein schickes Restaurant, zu einem Spiel der Cubs, in ein Kunstmuseum und zum Singen eines Beatles-Lieds auf einer Parade schweben. Er ist ein rechtschaffener Kerl, da sind sich alle an seiner Schule einig.

Vor der Fernsehsendung über jahrhundertealte Vampire, die auf Staten Island lebten, gab es den Film über Vampire, die sich mit dem Leben (und untereinander) im heutigen Wellington, Neuseeland, auseinandersetzen. In dieser Mockumentary teilen sich drei Vampire mit klassischem Aussehen (plus der monströse, alte Petyr) eine Wohnung voller alter Gegenstände und verkrustetem Blut. Der romantische Viago ist immer noch auf der Suche nach der wahren Liebe, die er vor Jahrzehnten aus den Augen verloren hat, der ehemalige Kriegsherr Vladislav wird durch den Gedanken an einen Ex-Liebhaber in den Wahnsinn getrieben und Deacon ist jung und übermütig. Wenn sie nicht gerade durch die Luft fliegen, in dünn besiedelten Nachtclubs rumhängen und Blut trinken, streiten diese Vampire miteinander oder meiden einen Clan lästiger Werwölfe.

Obwohl er Dutzende unterschiedlicher, erfolgreicher außerschulischer Clubs leitet, passt der Stipendiat Max Fisher einfach nicht in die prestigeträchtige Rushmore Academy. Es ist eine Atempause für ihn, denn sein Friseurvater ist ihm peinlich und er pflegt ein gebrochenes Herz, das durch den Tod seiner Mutter verursacht wurde. Er läuft Gefahr, durchzufallen – zu viele Clubs bedeuten, dass er keine Zeit hat, seine Noten aus der Gosse zu holen –, aber er verdoppelt seine Anstrengungen, um zu bleiben, als er sich in die neue Lehrerin Rosemary verliebt, die ein wenig von ihrem außergewöhnlichen Verstorbenen sieht Ehemann in Max. Sie liebt Fische, also baut er mit dem Geld des deprimierten, sich scheidenden Industriellen Herman Blume, einem Seelenverwandten, der zum Todfeind wird, als er Rosemary angreift, ein Aquarium auf dem Schulgelände. Irgendwie mündet das Drama in einem gewalttätigen Stück über den Vietnamkrieg, inszeniert von den Max Fisher Players.

Es wird immer eine Art Generationsunterschied zwischen Erwachsenen und ihren Kindern im Teenageralter geben, aber „Zurück in die Zukunft“ hat einen mutigen, originellen und äußerst wissenschaftlichen Weg gefunden, Eltern und Kinder dazu zu bringen, einander zu verstehen, indem er sie alle 17 Jahre alt macht die selbe Zeit. Im Jahr 1985 verbringt Marty McFly seine Zeit damit, seinen geekigen und besiegten Eltern George und Lorraine aus dem Weg zu gehen, und trifft sich mit Doc Brown, einem verrückten Wissenschaftler aus der Nachbarschaft. Eines Nachts zeigt er Marty die Zeitmaschine, die er in einem DeLorean gebaut hat, und bevor er es merkt, wurde Marty 30 Jahre in die Vergangenheit geschickt. Was die Sache noch komplizierter macht, ist, dass er gezwungen ist, für seine zukünftigen Eltern den Heiratsvermittler zu spielen – damit er nicht existiert. Das wird sich als schwierig erweisen, da George ein Idiot ist und Lorraine total in Marty verliebt ist, von dem sie nicht weiß, dass er tatsächlich ihr Sohn aus der Zukunft ist.

Als er in den 1980er Jahren die Comedy-Welt beherrschte, zeigte Chevy Chase seine besten Leistungen, als er schmuddelige Kerle spielte, die dachten, sie seien allen anderen einen Schritt voraus. Er perfektionierte die Rolle mit „Fletch“ und spielte Irwin M. „Fletch“ Fletcher, einen vielseitigen, schnell denkenden investigativen Reporter, der sich eher wie ein kluger Privatdetektiv verhält als wie ein Autor, der eine Geschichte recherchiert. Er hat eine große Geldsumme angeboten, um einen Mann zu töten, aber ein wenig Recherche zeigt, dass die Situation weitaus komplizierter und gefährlicher ist, als Fletch dachte, was ihn dazu bringt, nach Antworten zu suchen und sich zu verstecken. Unterwegs werden wir mit einer Reihe lächerlicher falscher Namen und falscher Identitäten konfrontiert, mit denen er ungeschoren davonkommt, weil Fletch sich in alles hinein- oder herausreden kann. Irgendwann fragt ein Freund Fletch, ob „für ihn alles ein Witz ist“. Und ja, das ist es irgendwie auch.

„Trading Places“ entstammt der klassischen Comedy-Schule „Geizige Reiche vs. rauflustige Außenseiter“ und erzählt die Geschichte eines schiefgelaufenen Umsteigers, der sich als schädlich für seine fiesen Anstifter erweist. Die Brüder und einflussreichen Investoren Randolph und Mortimer Duke gehen eine zynische und freundliche Wette über 1 Dollar ein – ob sie jemanden von der Straße auswählen und sein Leben verändern können, während sie gleichzeitig das eines anderen ruinieren. Ihre ahnungslosen Untertanen sind der Gauner Billy Ray Valentine und der privilegierte Erfinder Louis Winthrope III – der Neffe der Herzöge. Durch einige Machenschaften bauen sie Billy Ray sofort auf und zerstören Louis ... bis unsere Helden Wind von der Wette bekommen und sich verschwören, um den Aktienmarkt zu manipulieren und die Herzöge finanziell zu ruinieren.

Die südkalifornischen Teenager Bill und Ted sind sich so nahe, wie beste Freunde nur sein können, wahrscheinlich weil sie sich sehr ähnlich sind. Sie sind nicht sehr schlau, sie reden wie Surfer und sie sind besessen von ihrer eigenen theoretisch Heavy-Metal-Band, Wyld Stallyns. Eigentlich können sie ihre Instrumente nicht spielen, aber ein größeres Problem könnte ihre schicksalhafte Zukunft als Rockstars beeinträchtigen. Wenn sie in der Geschichte durchfallen, wird Teds Vater ihn auf eine Militärschule schicken. Glücklicherweise reist der zukünftige Mann Rufus dann mit einer Telefonzelle in die Vergangenheit, um Bill und Ted wissen zu lassen, dass sie in den kommenden Jahrzehnten als Retter und Metal-Meister verehrt werden. Besser noch, es steht ihnen frei, diese Zeitreisetechnologie zu nutzen, um echte historische Persönlichkeiten – Jeanne d’Arc, Sokrates, Abraham Lincoln – als Geschichtsprojekt an ihre High School zurückzubringen. Exzellent!

„Best in Show“ fühlt sich an wie einer dieser Dokumentarfilme, die auf allen Streaming-Diensten zu finden sind und das Leben skurriler Charaktere schildern, die Teil einer wenig bekannten Subkultur sind und deren Geschichten in einem großen Ereignis zusammenlaufen. Dabei handelt es sich jedoch um eine komische, halb improvisierte, halb geskriptete Mockumentary, bevölkert von reich entwickelten und faszinierenden Charakteren, die sich darauf vorbereiten, mit ihren Haustieren auf einer nationalen Hundeausstellung zu konkurrieren. Harlan Pepper zum Beispiel liebt seinen Jagdhund und ähnelt ihm, und das Ehepaar Gerry und Cookie Fleck liebt Terrier. Aber Fred Willard ist hier der wahre MVP als erschreckend uninformierter, aber neugieriger Hundeausstellungskommentator, der alles herausplatzt, was ihm in den Sinn kommt.

Mel Brooks, der König der abendfüllenden Filmparodien, der seine Filme mit ungezügelter Albernheit füllte, persiflierte mit „Blazing Saddles“, dem witzigsten Western aller Zeiten, die amerikanischen Rassenbeziehungen des 20. Jahrhunderts. Ein gieriger Bauunternehmer namens Hedley Lamarr (der sich nicht von anderen anachronistisch mit dem Filmstar Hedy Lamarr verwechseln lässt) möchte eine Eisenbahn durch die Stadt Rock Ridge bauen und plant, mit Hilfe des Gouverneurs alle zu vertreiben. Wie? Durch die Ernennung des ersten schwarzen Sheriffs des Wilden Westens, des klugen und klugen Bart. Der Plan geht jedoch nach hinten los, als Bart die unglaublich rassistische Stadt für sich gewinnt und sich gegen die Bösewichte wehrt, wobei er die Hilfe des Waco Kid in Anspruch nimmt, der einst die schnellste Waffe überhaupt war. Natürlich ist dies auch ein Mel-Brooks-Film, also gibt es weniger intellektuelles Zeug, wie zum Beispiel die Szene „Cowboys essen Bohnen am Lagerfeuer“ – wahrscheinlich die längste und berühmteste Furzszene in der Filmgeschichte.

„Dr. Strangelove“, das ein paar Jahre nach der fast katastrophalen Kubakrise in die Kinos kam, trug zwar nicht dazu bei, die Angst der Massen vor einem Atomkrieg zwischen den USA und der Sowjetunion zu zerstreuen ... aber es war zumindest lustig, die Idee hoch zu behandeln - Spielkunst wird als absurde Farce dargestellt. Der geistesgestörte Luftwaffengeneral Jack Ripper ist davon überzeugt, dass die russischen Kommunisten versuchen, die „kostbaren Körperflüssigkeiten“ unschuldiger Amerikaner zu infizieren, und befiehlt atomar bewaffneten Jets, die Sowjetunion zu bombardieren. Zurück in den USA trifft sich ein Kriegsraum aus elitären, aber ineffektiven Beamten, die verzweifelt versuchen, das scheinbare Ende der Welt irgendwie zu stoppen. Der engagierte Comic-Schauspieler (und „The Pink Panther“-Star) Peter Sellers spielt drei Rollen: einen britischen Militärkapitän, Präsident Merkin Muffley und Dr. Strangelove, einen angeblich ehemaligen Nazi, der die US-Regierung berät.

Zuschauer ab einem bestimmten Alter sehen in Clark Griswold vielleicht viele ihrer eigenen Väter, einen vielbeschäftigten Mann aus Chicago, der hart arbeitet, ein wenig zu selbstsicher ist und einfach nur mit seiner Familie einen Roadtrip durch die USA machen und sie mitnehmen möchte der legendäre Vergnügungspark Wally World in Kalifornien. Dieser Urlaub ist alles, denn Clark und seine Begleiter erleiden unterwegs zahlreiche Demütigungen, Tragödien und Katastrophen, darunter einen Verwandten, der unterwegs stirbt, einen schweren Autounfall, mit Urin getränkte Sandwiches und Polizeieinsätze.

„Wayne's World“ war ein so beliebter Sketch bei „Saturday Night Live“, dass Hollywood die Welt der Chicagoer Kabelmoderatoren Wayne Campbell und Garth Algar verfilmen wollte. Der daraus resultierende Film ist keine Wiederholung, sondern eine innovative, ironische, spannende und völlig unvorhersehbare Komödie. Inmitten einer Geschichte über einen zwielichtigen Fernsehproduzenten, der versucht, Waynes Show zu stehlen und zu ruinieren (und auch seine Rockstar-Freundin wegzulocken), durchbrechen Wayne und Garth häufig die vierte Wand, reden mit dem Publikum und geben dem Film sogar ein neues Ende, weil das eine ist Sie stecken fest, ist eine totale Enttäuschung. In „Wayne's World“ dreht sich wirklich alles um diese großartigen Momente, wie den denkwürdigen Moment, in dem Rocklegende Alice Cooper einen Vortrag über die Geschichte von Milwaukee hält.

In den 1970er-Jahren, als die Medienmöglichkeiten knapp waren, konnten lokale Fernsehnachrichtensprecher anscheinend Berühmtheiten sein und wie vertrauenswürdige, barmherzige Götter behandelt werden. Zumindest laut „Anchorman“, das die Geschichte des Untergangs von Ron Burgundy erzählt, dem Herrscher des beliebten Nachrichtenteams Channel 4 in San Diego, als er sich mit seinem beklagenswert sexistischen und selbstsüchtigen Verhalten auseinandersetzt, als er gezwungen wird, etwas zu teilen die Abendnachrichten mit der feministischen Journalistin Veronica Corningstone (in die er ebenfalls verzweifelt verliebt ist). „Anchorman“ ist mehr als nur eine Satire auf Geschlechterpolitik, in der ein Trottel die Zielscheibe der Witze ist – es gibt viele Szenen, in denen Ron und sein Nachrichtenteam Blödsinn machen, sich heftige Auseinandersetzungen mit anderen lokalen Nachrichtenpersönlichkeiten liefern und zufällig ausbrechen Liebeslieder aus den 1970er Jahren.

Was wäre, wenn ein Filmemacher einen Dokumentarfilm über eine Band machen würde, die ihre erfolgreichsten Tage weit hinter sich gelassen hat, in dem alle Peinlichkeiten und Fehler, die sie erleiden, auf Band festgehalten werden könnten? Das ist die Prämisse von „This is Spinal Tap“, einer komischen Mockumentary über eine einst große britische Heavy-Metal-Band, die nicht mehr an der Spitze der Musikwelt steht. Zum einen fand ihr Label das Cover ihres neuen Albums „Smell the Glove“ so profan, dass sie es in einer schlichten schwarzen Hülle veröffentlichten, und von da an ging es nur noch bergab, da sich die Band in Arenen verirrte, Zuflucht in Amphitheatern von Vergnügungsparks suchte, und befasst sich mit einer Reihe spontan sterbender Schlagzeuger.

In seiner Fernsehserie „Da Ali G Show“ aus den 2000er-Jahren verschwand der britische Komiker Sacha Baron Cohen so sehr in seinen Charakteren – darunter der ungehobelte, sexistische und antisemitische kasachische Journalist Borat –, dass seine realen Interviewpartner dadurch entwaffnet wurden und sie dazu gebracht wurden, sich ihnen zu öffnen Eine Person, die sie nicht kannten, war fiktiv. Im Jahr 2006 ging Cohen mit der Serie im wahrsten Sinne des Wortes auf Reisen, indem er eine Figur in einer Art Dokumentarfilm spielte, sich auf einen Roadtrip durch die Vereinigten Staaten begab und mit echten Menschen interagierte, denen es nicht immer gut ging. Abgesehen davon, dass er Leute dazu bringt, schreckliche Dinge zu sagen, weil sie glauben, unter Freunden zu sein, wird die ganze Reise für Borat „sehr schön“, als er von Pamela Anderson besessen wird und vor nichts zurückschreckt, um sie zu heiraten.

„Palm Springs“, „Happy Death Day“ oder andere in einer sich wiederholenden Zeitschleife gefangene Filme gäbe es nicht ohne den ursprünglichen Versuch, die Idee umzusetzen: „Und das Murmeltier.“ Bill Murray spielt Phil Connors, einen abgestumpften und oberflächlichen TV-Wettermann, der es ablehnt, in die Murmeltier-Tageshauptstadt Punxsutawney, Pennsylvania, reisen zu müssen, um zu berichten, ob das offizielle Murmeltier seinen Schatten sieht oder nicht. Er ist unhöflich gegenüber seiner Produzentin Rita, ganz zu schweigen von so ziemlich allen anderen, denen er begegnet, vom Stadtbewohner bis zum alten, langatmigen Bekannten. Dann passiert etwas Magisches und völlig Unerklärliches: Phil durchlebt den Tag des Murmeltiers immer wieder unter genau den gleichen Umständen. Er tut es wahrscheinlich tausende Male und kann selbst mit dem Tod nicht ausbrechen. Es scheint, dass er etwas an sich und seinen schrecklichen Verhaltensweisen ändern muss, wenn er jemals möchte, dass sich das Datum ändert.

Navin Johnson ist kein Idiot in dem Sinne, wie er gemein ist; Er ist insofern ein Idiot, als er ein naiver Idiot ist, verwirrt darüber und nicht darüber informiert, wie die Welt funktioniert. Und das ist der Sinn von „The Jerk“, der komischen Reise eines Mannes zur Selbstfindung und zum erstaunlichen persönlichen und beruflichen Erfolg, der größtenteils auf einer Kombination aus Unfällen, der Anwesenheit am richtigen Ort zur richtigen Zeit und einem liebenswerten Kind beruht. wie Begeisterung. Navin (gespielt vom weißen Schauspieler und Co-Autor Steve Martin) verlässt sein ländliches Zuhause, nachdem er erfahren hat, dass er in seine große afroamerikanische Familie adoptiert wurde, um seinen „besonderen Zweck“ zu finden. Es ist eine Reise, die die Arbeit auf einem Jahrmarkt, das Leben in einer Tankstelle und die Entwicklung eines überaus wohlhabenden Erfinders beinhaltet, nur um dann alles zu verlieren, ohne dass er nichts anderes als eine Thermoskanne hat.

In seiner Sketch-Show „Flying Circus“ verspottete Monty Python alle Aspekte des englischen Lebens, insbesondere was es bedeutet, Engländer zu sein. Daher ist es ironisch, dass die beständigste und beliebteste Verfilmung der Artus-Sage „Monty Python und der Heilige Gral“ ist, ein Film, der Englands beständige Sammlung von Mythen und Legenden über einen tapferen und wahren mittelalterlichen Herrscher feiert, indem er sich gründlich und vollständig über sie lustig macht .

„Holy Grail“, in dem es angeblich um die Suche nach dem Kelch des Letzten Abendmahls Christi geht, wurde von einer Sketch-Truppe erstellt, und als Ergebnis werden wir von zwei Burgwächtern mit einem urkomischen Versatzstück und einer eigenständigen Vignette nach der anderen verwöhnt Wie viele Schwalben könnten die Kokosnüsse tragen, mit denen König Arthurs Knappe das Geräusch von Pferdehufen nachahmt (anstelle eines echten Pferdes), um sich mit dem unermüdlichen Schwarzen Ritter zu duellieren (der nicht aufhört zu kämpfen, selbst nachdem Arthur ihm alle Gliedmaßen abgehackt hat)? zu Killerhasen und einer Gruppe Ritter, die „Ni!“ schreien.